What’s the Difference between Blu-Ray Movie with HD Movie?

Ulasan Film Minions: The Rise of Gru – Pembaca web ini mengenali titik lemah aku buat Minion, penyedia permasalahan kuning berupa kapsul yang sangat setia pada Gru( Steve Carell). Mereka membuatku tertawa serta saya apalagi tidak menyesalinya. Sehabis prekuel mereka sendiri,” Minions”, serta pit stop buat plot persaingan kerabat kandung masa saat ini yang loyo dari” Despicable Me 3″, Kevin Le Minion serta sahabatnya yang bermata satu serta 2 sudah kembali ke masa kemudian buat menunjang” sebelas”. serta Gru tipe 3 perempat tahun.

Ulasan Film Minions: The Rise of Gru

thecinemalaser – Mereka dengan sayang memanggilnya” bos mini”. Kala ia tidak bingung gimana karyawannya” memperoleh begitu banyak denim” buat baju mereka, Gru berfantasi buat bergabung dengan The Vicious 6, konglomerat penjahat mirip Avengers yang diciptakan oleh Wild Knuckles( Alan Arkin).

Kami memandang Wild Knuckles serta krunya beraksi di posisi bergaya Indiana Jones yang eksotis. Mereka terdapat di situ buat mengambil kalung permata yang diucap The Zodiac Stones. Sehabis diambil, itu hendak berikan Vicious 6 kekuatan tidak terbatas pada malam Tahun Baru Imlek.

Memikirkan seluruh tetesan jarum yang merangsang erangan yang terjalin dalam seri ini, aku berharap The Zodiac Stones hendak diiringi dengan pelajaran astrologi tebas- klasik” Float On” oleh Floaters. Sayangnya, para pembentuk film tidak sepandai itu. Memanglah, lagu itu keluar pada tahun 1977, namun” Minions: The Rise of Gru” memakai banger Lipps Inc. tahun 1980,” Funkytown” tidak cuma sekali, namun 2 kali.

Sehabis menantang maut buat mengambil permata, Wild Knuckles dikhianati oleh anggota regu Belle Bottom( Taraji P. Henson), yang dengan kejam menarangkan kalau kehormatan di antara pencuri merupakan mitos saat sebelum menjatuhkannya dari pesawat mereka.

Terdapat Stronghold( Danny Trejo), seseorang biarawati yang memegang nunchaku bernama Nun- Chuck( Lucy Lawless), orang kokoh Nordik Svengeance( Dolph Lundgren), serta seseorang laki- laki dengan cakar lobster yang sangat besar. Namanya Jean- Clawed serta ia disuarakan oleh Steven Seagal. Hanya bercanda! Ia disuarakan olehJean- Claude Van Damme. Telah kubilang film ini tidak sangat pintar.

Saat ini Wild Knuckles yang jauh lebih tua telah tidak terdapat lagi, The Vicious 6—maksudku Lima—mencari pengganti yang jauh lebih muda. Gru melamar posisi tersebut serta menerima asumsi yang ditaruh dalam kaset 8- track yang bisa mengganggu diri sendiri. Ia merambah toko kaset yang diam- diam menampung sarang Belle Bottom, berjumpa rekannya di masa depan Dokter. Nefario( Russell Brand) dalam prosesnya. Nefario berikan Gru 45 sampul Linda Ronstadt” Youre Nomor Good,” kunci buat merambah tempat persembunyian rahasia. Sebab ia baru lulus SMP, Gru dipecat, tetapi saat sebelum mencuri Zodiac Stones. Belle serta krunya mengejarnya buat memperoleh mereka kembali.

Yakin ataupun tidak, terdapat 2 cerita berat yang lain di“ Minions: The Rise of Gru.” Satu menyangkut pencarian balas dendam yang berbasis di San Francisco dari Wild Knuckles yang masih hidup, serta yang yang lain mengaitkan Minion yang belajar kung fu dari Master Chow( Michelle Yeoh) buat menyelamatkan Gru sehabis ia diculik. Nah, kedua tipe itu berjalan bersama; Gru sudah diambil oleh Wild Knuckles dalam upaya buat mengambil apa yang jadi haknya. Tanpa sepengetahuan Tuan Knuckles, Otto, Minion terkini serta sangat banyak bicara, sudah mengubah perhiasan itu dengan batu peliharaan.

“ Jangan panggil ibuku buat memohon tebusan,” Gru meminta,“ ia bisa jadi hendak membayarmu buat mempertahankanku.” Bunda Gru yang jahat sekali lagi diperankan oleh Julie Andrews, yang secara khas tidak bermanfaat untuk putranya ataupun antek- anteknya. The Vicious 6 timbul buat mengambil satu pon daging darinya. Memandang bintang” The Sound of Music” ditendang oleh seseorang biarawati merupakan meta aku! Itu salah satu metode buat menuntaskan permasalahan semacam Maria, aku beri ketahui ya!

Semacam halnya“ Minions”,“ Minions: The Rise of Gru” bergerak dengan kecepatan sangat besar. Tetapi, kali ini tidak sangat meletihkan serta betul- betul menguntungkan film ini. Tawa berjalan dengan baik serta pemirsa tidak diberikan sangat banyak waktu buat merenungkan betapa konyolnya skenario Matthew Fogel. Animasinya mencolok, mulai dari Chinatown of the City by the Bay yang dirender dengan indah sampai tampilan mempesona Gru muda.

Ia mempunyai mata besar serta ekspresif yang sama yang mengisi wajah emosional” gurls kecil”- nya. Carell melaksanakan pekerjaan yang bagus buat membuat suara Gru- nya lebih muda serta tidak sangat menonjol. Henson serta pemeran yang lain terdengar semacam lagi berhura- hura, serta antusiasme mereka meluas.

Apalagi bila Kamu tidak tahan dengan Minion( yang sekali lagi disuarakan dalam bahasa” Minion” oleh Pierre Coffin), Kamu bisa jadi menyangka ini cukup. Paling utama bila Kamu lumayan tua buat memperoleh candaan tahun 1976 tetapi merasa lumayan muda buat menciptakan hiburan di seluruh candaan konyol itu. Bila tidak terdapat yang lain, seluruhnya hendak diikat dengan apik, menjadikan DMU canggih, sehingga membuat film lebih lanjut tidak dibutuhkan. Ialah, kecuali yang ini menciptakan banyak duit.

Ulasan Film Netflix South Pacific – Versi Blu-ray dari Pasifik Selatan Rodgers & Hammerstein adalah adaptasi yang sangat baik dari film klasik. TechniColor yang brilian itu kaya dan mewah (mungkin agak terlalu jenuh, jika ada). Ini menunjukkan detail resolusi sangat tinggi dari pemindaian 1080p film negatif Todd AO 65mm dengan resolusi sangat orisinal. Pasifik Selatan hanyalah yang ketiga dari 16 film Todd-AO.

Ulasan Film Netflix South Pacific

thecinemalaser – Karena aslinya negatif besar, gambarnya sangat jernih dan gangguan digitalnya rendah. Itu terlihat alami tanpa tanda-tanda revisi. Suaranya luar biasa seperti yang Anda harapkan dari sumber 6 saluran yang memenangkan Oscar untuk Tata Suara Terbaik pada tahun 1958. Versi Blu-ray Pasifik Selatan adalah presentasi luar biasa dari film yang pasti akan menjadi koleksi Anda.

Pasifik Selatan adalah produksi bersejarah baik di atas panggung maupun di bioskop. Drama Broadway asli memenangkan 10 Tony Awards pada tahun 1950, turun dari 16. Joshua Logan ikut menulis dan menyutradarai drama tersebut pada tahun 1949. Dia juga mengarahkan adaptasi film, yang dirilis pada tahun 1958.

Pasifik Selatan memiliki anggaran produksi sebesar $5,6 juta. Itu adalah film musik termahal yang pernah dibuat. Itu sukses besar secara komersial ketika menjadi nomor satu di box office tahun itu. Namun, versi film Pasifik Selatan tidak mendapat banyak pujian di Oscar seperti drama di Tonys. Itu dinominasikan hanya untuk tiga Oscar untuk film, musik dan suara dan menang untuk suara. Beberapa mengira akademi tidak menyukainya karena blockbusternya.

Dan sekarang untuk berita yang tidak begitu baik

Orang membeli cakram Blu-ray karena mereka menginginkan definisi, warna, dan suara yang tinggi. Dan sementara Blu-ray Pasifik Selatan tetap setia pada sumbernya, sumber itu sendiri dianggap beberapa orang sebagai bencana artistik.

Jika Anda tidak terbiasa dengan filmnya, inilah yang terjadi. Anda menyalakan pemutar Blu-ray Anda (kami menggunakan Oppo BDP-83 untuk ulasan ini) dan percaya atau tidak, Anda langsung dibawa ke menu layar. . Untungnya, tidak ada promo film lain yang harus dilalui terlebih dahulu.

Anda menekan tombol putar dan layar menjadi kosong saat 3,5 menit pertama intro diputar. Ya, itu aneh untuk pengalaman Blu-ray atau DVD. Tetapi pada akhirnya, ini adalah film yang diadaptasi dari sebuah drama dan mereplikasi pengalaman film dan teater. Ini hanyalah yang pertama dari banyak elemen yang mengatur panggung dan nuansa layar, bukan bagian yang dimaksudkan untuk meluncurkan film.

Sejauh ini tidak ada masalah. Itulah yang diinginkan sutradara dan itu tidak masalah bagi saya. Setelah intro selesai (yang dapat Anda lewati dengan menekan bab ke depan), judul pembuka yang luar biasa dengan logo Pasifik Selatan yang terkenal muncul di layar. Ini adalah salah satu urutan pembukaan paling dramatis yang pernah Anda lihat. Warnanya luar biasa dan Anda langsung ditarik ke dunia Kepulauan Pasifik (sebenarnya difilmkan di lokasi di Kauai).

Baca Juga : Siapakah Sebastian Marin, Pada Film The Man From Toronto

Warnanya indah dulu ada filter warna

Dalam 22,5 menit pertama film, Anda mendapatkan gambar beresolusi tinggi yang indah dalam TechniColor yang semarak. Tapi kemudian saat Bloody Mary mulai menyanyikan Bali Ha’i proyektor Anda tiba-tiba tampak memiliki saluran hijau yang buruk. Gambarnya berwarna magenta murni. Kontras turun menjadi nol. Anda duduk di sana dengan kaget dan bertanya-tanya kesalahan teknis apa yang baru saja terjadi.

Faktanya, tidak ada yang terjadi. Proyektor Anda baik-baik saja. Apa yang baru saja Anda saksikan adalah efek filter warna terkenal pertama yang memicu kontroversi sejak hari pembukaan film tersebut. Ternyata, yang pertama adalah yang terburuk. Tapi apa yang terjadi di sini?

Idenya adalah ini:

Saat South Pacific ditampilkan di atas panggung, lampu panggung berubah warna untuk menciptakan suasana misterius selama adegan yang lebih romantis. Sutradara Logan dan sinematografer Leon Shamroy berpikir, “Hei, mengapa tidak memberikan efek yang sama pada film?” Jadi Shamroy memasang filter warna eksternal di depan lensa kameranya. Dengan cara ini, pemandangan dapat diubah menjadi magenta, biru, kuning, atau emas, atau apa pun yang dianggap sesuai.

Tak satu pun dari filter warna yang sangat menarik,
tetapi magenta berat yang digunakan dalam pertunjukan
Bali Ha’i sangat buruk, yang terburuk di seluruh film.

Intinya adalah ini:

Di Laut Selatan, pemandangan yang dimaksudkan untuk menggambarkan realitas sehari-hari disajikan dalam warna-warna yang indah. Di sisi lain, adegan yang menggambarkan fantasi, romansa, atau keadaan mimpi ditampilkan dengan filter warna. Lagu-lagu ceria dan komedi (No one is like Dame, I wash that man out of my hair) disajikan dengan nada yang natural dan cerah. Lagu-lagu romantis (Bali Ha’i, Some Enchanted Evening, I’m in Love with a Wonderful Guy) disaring dengan warna. Kunjungan ke pulau mistis Bali Ha’i adalah tentang nuansa hangat / keemasan. Pada tahun 1958, filter warna ini mengurangi antusiasme publik terhadap film tersebut. Meskipun filter warna kontroversial, banyak orang menyukai efeknya.

Namun, untuk penggemar home theater saat ini, efek filter warna tidak nyaman dan berpotensi ofensif. Pertama, mereka berat. Mereka tampaknya telah diterapkan tanpa kehalusan. Lebih buruk lagi, mereka tidak hanya merusak warna yang sangat bagus dalam pemandangan tanpa filter, tetapi juga secara signifikan mengurangi kontras dan detail. Beberapa adegan emas Bali Ha terlihat seperti diambil dalam definisi standar.

Mitzi Gaynor cantik di film ini, tapi di adegan ini
filter kuning dan vignetting buram di sudut
sangat mengganggu.

Sangat menggoda untuk menyalahkan semua ini pada ketidakmampuan fotografer, tetapi itu akan terburu-buru. Selama karirnya, Shamroy dinominasikan untuk 18 Academy Awards, memenangkan empat di antaranya. Dia meninggal pada tahun 1974 dan hingga hari ini tidak ada seorang pun dalam sejarah Academy Award yang dinominasikan lebih dari Leon Shamroy. Bakatnya dihargai dan diakui secara luas.

Semuanya menunjukkan bahwa sutradara Logan sangat tertarik dengan efek filter warna selama pembuatan film, meskipun setelah kejadian itu ia mencoba untuk menyangkal tanggung jawab apa pun. Di sisi lain, Anda dapat melihat apa yang mereka coba capai, apakah mereka berhasil atau tidak.

Bali Ha’i dimaksudkan untuk menjadi surga yang damai, dihuni oleh penduduk asli dari dunia yang berbeda dari yang digunakan oleh tentara Amerika. Mereka tidak memiliki teknologi komputer saat itu untuk membuat penduduk asli tinggi, kurus, dan biru seperti di Avatar. Jadi mereka menggunakan filter warna untuk menciptakan efek misterius yang serupa.

Kalau dipikir-pikir, kesamaan antara Pasifik Selatan dan Avatar tidak berhenti di situ. Pasifik Selatan memiliki romansa antar-ras sementara Avatar memiliki romansa antarspesies. Keduanya menghadirkan dunia fantasi ideal yang tidak diketahui orang Amerika.

Keduanya melibatkan romansa yang terancam oleh campur tangan perang. Keduanya mengutuk rasisme. Keduanya menggunakan efek visual yang baru dan menakjubkan untuk mendukung cerita. Keduanya ditayangkan di bioskop-bioskop yang harus dilengkapi dengan lingkungan film baru tempat mereka diproduksi. Tentu saja, kedua film tersebut sangat berbeda dalam banyak hal, sehingga persamaannya hanya sejauh ini. Tetapi elemen umum itu menarik.

Versi Road Show

Film ini awalnya dirilis sebagai versi “road show”. Itu hanya ditampilkan di bioskop pusat kota terbesar dan terbaik. Orang membeli tiket keras (kursi dan nomor baris) di muka untuk pertunjukan terbatas. Mereka akan berdandan dan bermalam di kota. Melihat versi South Pacific Roadshow di bioskop pada tahun 1958 seperti melihat pertunjukan atau konser Broadway hari ini.

Versi “Road Show” dari Disc Two berisi rekaman tambahan
berdurasi 14 menit. Bahan ekstra yang telah
disambung memiliki warna redup dengan nada sepia.

Versi Blu-ray Pasifik Selatan berisi dua disk. Disk Satu berisi rilis umum film dalam 1080p/24. Rilis umum adalah versi film yang didistribusikan ke bioskop penuh. Ini adalah versi yang dilihat kebanyakan orang saat itu. Namun, jika Anda tinggal di area metro yang luas dan bisa mendapatkan tiket awal untuk roadshow terbatas, lihat “Versi Roadshow”. Disc Dua memberi Anda versi road show yang mungkin Anda anggap sebagai sutradara. Versi ini lebih lama 14 menit, tetapi tidak dalam kualitas HD, yang mengecewakan para penggemar HD.

Bagian dari masalah dengan renovasi roadshow adalah negatif 70mm asli tidak lagi berisi 14 menit terbatas. Oleh karena itu, renovasi harus dilakukan dengan kesan positif. Pada disk dua, segmen yang baru difilmkan lebih buruk; Warna pada dasarnya diredam dan memiliki tampilan sepia.

Jadi saat Anda menonton film, properti warna melompat bolak-balik antara warna penuh dan warna lembut/sepia. Jika Anda seorang pelajar film dan ingin mempelajari cara mengedit versi roadshow untuk rilis umum, presentasi ini akan sangat berguna. Anda dapat langsung melihat segmen mana yang dikembalikan dan mana yang merupakan bagian dari rilis keseluruhan.

Total waktu tayang film ini sekitar 2 jam 50 menit, jadi tambahan 14 menit tidak membuat perbedaan yang dramatis. Ceritanya memiliki sedikit lebih banyak kontinuitas, tetapi menonton versi roadshow dan kemudian rilis umum tidak terasa ada yang kurang. Faktanya, perlu diakui bahwa perubahan untuk rilis umum dilakukan dengan sangat hati-hati.

Peringatan: Diperlukan Layar Sangat Besar

Seperti film Patton (lihat ulasan), Pasifik Selatan tidak memiliki banyak potongan kamera cepat. Tidak jarang sebuah adegan berlangsung selama 30 detik, 45 detik, atau bahkan satu menit atau lebih di antara pemotongan kamera. Dalam beberapa kasus, orang cenderung meletakkan kamera di depan panggung dan memfilmkan pertunjukan langsung. Artinya Pasifik Selatan harus ditonton di layar yang sangat besar untuk menjaga ketahanan visual duduk selama tiga jam.

Komposisi dirancang untuk tampilan layar yang sangat besar,
tetapi tidak berfungsi dengan baik pada layar TV yang lebih kecil.

Ini terlihat bagus di layar Da-lite JKP Affinity selebar 11 kaki kami. Pemandangan seperti itu menarik Anda dan memungkinkan mata Anda bergerak dengan nyaman melalui pemandangan itu. Mata tidak bisa melakukan itu saat semuanya ditampilkan di layar datar 42 inci. Jika Anda pernah mencoba menonton South Pacific TV di masa lalu dan merasa membosankan secara visual, pertimbangkan untuk meningkatkan ke layar yang lebih besar. Ini bukan satu-satunya film yang mendapat manfaat dari ditonton dalam skala yang sangat besar.

Kesimpulan

Jika Anda penggemar musikal Broadway hebat tahun 1950-an dan 60-an dan memiliki peralatan teater rumah untuk memanfaatkannya secara maksimal, versi Blu-ray Pasifik Selatan mungkin yang Anda inginkan untuk keinginan rumah Anda. Koleksi. Ketahuilah bahwa sebagian besar efek filter warna kikuk, mengganggu, dan terkadang hanya mengganggu. Namun kontroversi filter warna merupakan bagian tak terpisahkan dari kisah film ini.

Lagi pula, Anda tidak ingin melihat film ini dengan filter warna dihapus secara digital, dan Anda juga tidak ingin melihat Casablanca karya Ted Turner berwarna. (ps. Juga, saat meneliti film ini, saya menemukan fakta aneh yang menurut saya perlu saya sebutkan jika Anda membutuhkannya untuk taruhan uang tunai:
Oscar Hammerstein, duo Rodgers & Hammerstein, adalah satu-satunya orang bernama Oscar yang pernah memenangkan Oscar.)

Siapakah Sebastian Marin, Pada Film The Man From Toronto – Saat ini, setiap film Netflix kurang lebih terlihat sama. Itu hanya tiruan yang buruk dari begitu banyak film yang dicampur dalam penggiling untuk membuat yang asli, dan film aksi teman Patrick Hughes, “The Man from Toronto” tidak berbeda.

Siapakah Sebastian Marin, Pada Film The Man From Toronto

thecinemalaser – Sederhananya, ini adalah kisah tentang seorang underdog yang terlalu takut untuk mengubah hidupnya dan karena itu terjebak dalam situasi kesalahan identitas yang membantunya mengatasi ketakutannya. Ya, Kevin Hart memerankan pria itu, memerankan peran Teddy Jackson, seorang salesman yang gagal dan calon pelatih kebugaran yang membuat video gym online tentang ide tinju tanpa kontak yang ambisius yang disebut Teddybox.

Terbukti, dia tidak kaya, pintar, atau terkenal. Tapi Teddy baik hati, dan mungkin itu satu-satunya bakatnya. Di sisi lain, ada seorang pembunuh mematikan bernama “The Man from Toronto” yang diperankan oleh Woody Harrelson.

Kisah legendaris Toronto dan kisah asalnya cukup untuk membuat targetnya gemetar, dan pada suatu hari yang tidak terlalu cerah, Teddy secara tidak sengaja mengambil identitas Toronto yang mengacaukan (mengacaukan) kehidupan duniawinya. Mari kita lanjutkan lebih jauh.

Ringkasan Plot ‘Pria Dari Toronto’

Teddy Jackson adalah pria yang sudah menikah yang menjalani kehidupan yang tenang di Yorktown bersama istrinya, Lori, dan bekerja di gym lokal bernama Marty’s Gym untuk menambah penghasilan. Namun, Teddy memiliki rencana besar dalam hidupnya. Dia ingin memulai gym daringnya sendiri tetapi jarang mengunggah video apa pun di salurannya.

Dia terlalu takut untuk menerima panggilan itu. Saat film dimulai, Teddy merencanakan akhir pekan untuk ulang tahun Lori di sebuah pondok kecil di Onancock. Namun, sebelum berangkat untuk liburan singkat, Teddy menyajikan ide tinju non-kontaknya kepada bosnya, Marty, yang tidak hanya menolak ide bodoh Teddy tetapi juga memecatnya dari pekerjaannya karena “mengisi” begitu banyak hal sebagai agen penjualan. Teddy tidak memberi tahu Lori tentang hal itu, dan pasangan itu dengan senang hati pergi ke Onancock.

Di sisi lain narasi, seorang pembunuh mematikan bernama “The Man from Toronto” mendapat pekerjaan ekstraksi dua tahap dari pawangnya, di mana klien telah menawarkan satu juta dolar untuk masing-masingnya. Tanpa basa-basi, Toronto menerima pekerjaan itu dan tiba di Onancock, Virginia (lokasi yang sama dengan Teddy) untuk mendapatkan informasi dari seorang tawanan.

Baca Juga : Review Film “The Bride Wore Black [KLSC]”

Di Onancock, Teddy memutuskan untuk mengejutkan Lori dengan mendekorasi kabin sebelumnya dan meninggalkannya di spa. Karena situasi toner dan alamat yang kabur pada tanda terima pemesanan, Teddy tiba di kabin yang salah di mana seorang pria yang menunggu Toronto mengira Teddy adalah Toronto dan dengan demikian mengklik fotonya dan mengirimkannya ke bosnya, Kolonel Sebastian Marin.

Di dalam kabin, Teddy terpana melihat pria berlumuran darah, Tuan Coughlin, diikat ke kursi, dari siapa Teddy (atau Toronto) harus menggali kode yang dibutuhkan Marin. Dalam permainan lucu, Teddy mendapatkan kode dari Mr. Coughlin, tapi sebelum Teddy bisa kabur, agen khusus pemerintah tiba di lokasi dan mulai menembaki preman yang menyebabkan ledakan. Teddy diselamatkan dan dibawa pergi oleh FBI sementara Toronto mengetahui bahwa seorang penipu mempermainkannya dan dengan demikian memutuskan untuk menghilangkan kebingungan sebelum terlambat.

“The Man from Toronto” mengeksplorasi lebih lanjut bagaimana FBI meyakinkan Teddy untuk bertemu Kolonel Sebastian Marin di Washington, DC, sehingga mereka dapat menangkapnya di tempat.

Tapi seperti biasa, segalanya menjadi sangat berantakan, dan Toronto mendapatkan Teddy dan segera mengembangkan titik lemah untuknya. Sementara Toronto membantu Teddy mengatasi rasa takutnya, Teddy memengaruhi Toronto untuk menjadi orang yang lebih baik dan meninggalkan dunia kejahatan untuk mengikuti satu-satunya hasratnya, yaitu menjadi koki dan memulai sebuah restoran. Namun, pertanyaannya di sini adalah, apa yang diinginkan Marin, dan apakah duo Toronto-Teddy mampu menghentikannya?

Apa Kolonel Sebastian Marin Menyewa Toronto? Apa Yang Dia Mau?

Sebastian Marin adalah mantan kolonel Venezuela yang melakukan kudeta untuk menggulingkan pemerintahannya sendiri, tetapi intelijen AS mengetahui tentang rencana jahatnya dan menghentikannya. Sebastian dan istrinya, Daniela, melarikan diri sebelum mereka bisa ditangkap, dan sejak itu, dia merencanakan serangan untuk membalas dendam.

Dia mendapatkan informasi tentang bahan peledak seismik yang tidak dapat dilacak yang dirancang oleh para ilmuwan dari Defense Advanced Research Projects Agency, Mr. Green dan Mr. Coughlin, yang bekerja di DARPA selama tahun 2000-an.

Dua tahun lalu, Green dan Coughlin dihubungi oleh mantan bos mereka, Jenderal Hanson, yang disewa oleh Marin, yang ingin mendapatkan bahan peledak seismik ini. Bersama mereka, Marin berencana meledakkan Kedutaan Besar Venezuela yang baru di Washington untuk mengirim pesan ke kedua pemerintah, dan segera setelah Green dan Coughlin mengetahui rencana Marin, mereka membangun dua brankas.

Untuk meledakkan bom, Marin membutuhkan urutan kode khusus yang dirancang oleh cap jempol Coughlin dan Mr. Green, yang menjadi alasan mengapa Marin menghubungi pawang Toronto untuk mendapatkan dua hal ini untuknya. Dan sementara Teddy telah mengekstraksi kode dari Coughlin, Marin hanya membutuhkan cap jempol Green, tetapi sebelum Toronto dapat mengirimkannya, dia mulai berpikir dua kali untuk menyelesaikan misi,

Apa Yang Terjadi Dengan Toronto Di Minnesota?

Meskipun Toronto dikenal di seluruh dunia sebagai pembunuh yang mematikan, hanya sedikit yang tahu tentang sisi lembutnya. Dia tidak suka membunuh orang secara tidak perlu, itulah alasan mengapa dia menciptakan begitu banyak kisah legendaris di sekitarnya. Desas-desus tentang metodenya menimbulkan ketakutan pada targetnya, yang membantunya melakukan pekerjaan ekstraksi tanpa menumpahkan darah.

Namun, suatu kali dia disewa oleh seorang klien untuk membunuh seorang penjudi kronis di Minnesota yang berutang banyak uang kepada orang yang salah. Toronto hendak menarik pelatuk ke sasaran ketika dia melihat seorang anak di dalam mobil pria itu, dan dia ingat dirinya yang lebih muda.

Menurut cerita asal Toronto, dia dulu tinggal di dekat danau beku di Kanada bersama kakeknya, dan ketika dia masih kecil, kakeknya dibunuh secara brutal dan dimakan oleh beruang.

Teror dan kebekuan di sekitar anak kecil itu membekukan hati Toronto dan mengubahnya menjadi pembunuh berdarah dingin, dan dengan menyelamatkan nyawa penjudi itu, dia ingin memutus siklus itu. Meskipun pekerjaan di Minnesota berantakan total, Toronto masih berpikir bahwa menyelamatkan Teddy dan menghentikan Sebastian Marin adalah kesempatannya untuk menebus dirinya sendiri, dan dengan demikian dia melawan pawangnya sendiri untuk memulai hidup baru sama sekali.

Akhir ‘The Man From Toronto’ Dijelaskan: Apakah Sebastian Marin Mati? Apa Yang Terjadi Pada Teddy Dan Toronto?

Saat makan malam ulang tahun Lori, “Pria dari Miami” tiba di restoran dan mencuri ibu jari Tuan Green dari Teddy dan Toronto untuk menyelesaikan misinya. Teddy dan Toronto memutuskan untuk menghentikan Marin dan pawangnya dengan segala cara dan dengan demikian tiba di tempat persembunyian Marin untuk menghentikannya meledakkan Kedutaan Besar Venezuela di Washington.

Melalui permainan kata yang lucu dan kacau, Teddy membuat pengalihan, dan sekali lagi, pada saat yang sama, agen federal menyusup ke dalam gedung dan menembak Sebastian Marin selama penggerebekan. Toronto mengambil uang itu dan berhasil melarikan diri sementara pawangnya diselamatkan oleh “Pria dari Miami”. Teddy, sebaliknya, dibawa pergi oleh FBI, yang kemudian memberitahunya bahwa cap jempol itu bukan milik Tuan Green, yang berarti Toronto tidak pernah bermaksud membantu Marin dalam rencananya untuk meledakkan Kedutaan Besar Venezuela. Alih-alih,

Penangan Toronto memerintahkan Toronto untuk mengembalikan uang itu, tetapi dia menolak, dan dengan demikian, untuk memulihkannya, dia memberi tahu beberapa pembunuh mematikan dari seluruh dunia untuk membunuh Toronto. Saat ini, Toronto tahu bahwa semua orang ini akan menyerang Teddy untuk mendapatkan dia, dan karena itu dia memutuskan untuk melindungi Teddy dengan segala cara.

Sementara Teddy, di Yorktown, mendapat SMS dari Lori, yang memberitahunya bahwa dia akan pergi ke rumah ibunya sebentar. Teddy ingin menghentikan Lori pergi dan berlari menuju stasiun kereta api ketika tiba-tiba ‘Pria dari Miami’ menyerangnya. Teddy untungnya diselamatkan oleh Toronto, tetapi tak lama kemudian pembunuh lain, yaitu, “Pria dari Tacoma Brothers” dan “Pria dari Moskow”, mengepung mereka. Setelah berurusan dengan para pembunuh ini, Toronto akhirnya harus menghadapi satu-satunya musuh bebuyutannya yang tersisa, yaitu pawangnya sendiri.

Mereka akhirnya bisa mengakhiri siklus kekerasan dengan membunuh pawang di dalam pabrik makanan. Sebagai tanda terima kasih, Toronto memberikan Debora kesayangannya, Dodge Charger 440 R/T 1969, kepada Teddy agar dia dapat mencapai stasiun tepat waktu dan menghentikan kepergian Lori. Tapi meski Teddy berdamai dengan Lori dan menyelamatkan pernikahannya, dia ‘menggoda’ Debora. Dia memarkir mobil di jalur kereta api yang segera ditabrak oleh kereta yang akan datang.

Teddy benar-benar membunuh Debora, dan Toronto menginginkan mobilnya kembali dengan segala cara. Dia memarkir mobil di jalur kereta api yang segera ditabrak oleh kereta yang akan datang. Teddy benar-benar membunuh Debora, dan Toronto menginginkan mobilnya kembali dengan segala cara. Dia memarkir mobil di jalur kereta api yang segera ditabrak oleh kereta yang akan datang. Teddy benar-benar membunuh Debora, dan Toronto menginginkan mobilnya kembali dengan segala cara.

Namun demikian, setahun kemudian, Toronto memulai restorannya sendiri dan mulai berkencan dengan teman Lori, Anne (Kaley Cuoco), yang benar-benar merawat pria yang kejam itu. Lori juga mengandung anak Teddy, dan pasangan itu memiliki masa depan yang cerah.

Akhirnya, Teddy mengatasi ketakutannya akan kegagalan dan mulai memposting video secara online. Ide tinju tanpa kontaknya akhirnya mendapat perhatian di mana dia dapat mewujudkan mimpinya untuk membuat platform gym online miliknya sendiri, jelas setelah mengubah gym fisik Marty menjadi reruntuhan. Gurauan antara kedua pria itu, Toronto dan Teddy, berlanjut hingga akhir film, yang melambangkan persahabatan yang tidak mungkin terjadi di antara keduanya.

Review Film “The Bride Wore Black [KLSC]” – Setelah melakukan serangkaian wawancara legendaris dengan Alfred Hitchcock yang merinci dan menganalisis seni dan tekniknya, tampaknya hanya masalah waktu sebelum jurnalis Prancis yang menjadi pembuat film François Truffaut menghasilkan penghormatannya sendiri kepada Master of Suspense.

Review Film “The Bride Wore Black [KLSC]”

thecinemalaser – The Bride Wore Black, dirilis hanya dua tahun setelah publikasi Hitchcock / Truffaut, memberi hormat pada gaya khas Hitchcock, tetapi film thriller neo-noir komik kelam tentang upaya seorang janda pahit untuk membalas pembunuhan suaminya yang terjadi hanya beberapa saat setelah upacara pernikahan artinya jika dibandingkan dengan karya terbaik Hitchcock.

Alur Cerita:

– Spesifikasi Teknis :Disk Blu-ray
– Resolusi Video/Codec :1080p AVC/MPEG-4
– Panjang : 107
– Negara Rilis : Amerika Serikat
– Rasio Aspek :1,66:1
– Format Audio :Perancis: DTS-HD MA 2.0 Mono
– Subtitel/Keterangan :Bahasa inggris
– Fitur Khusus :Komentar Audio oleh sejarawan film Julie Kirgo, Steven C. Smith, dan Trailer Teater Nick Redman
– Studio Film : Kino Lorber
– Tanggal Rilis : 14 Februari 2023

Meskipun itu juga tidak ada artinya jika dibandingkan dengan karya klasik Truffaut seperti The 400 Blows, Jules and Jim, dan Day for Night, The Bride Wore Black tetap menjadi film apik, menghibur, dan provokatif yang lebih banyak bercerita tentang kecenderungan pria yang menyeramkan daripada pembunuhan.

Tautan Hitchcock pertama adalah materinya. The Bride Wore Black diadaptasi dari sebuah novel karya William Irish, salah satu nama samaran yang digunakan oleh Cornell Woolrich, yang menulis cerita yang menjadi dasar dari karya besar Hitchcock, Rear Window. Dari sana, Truffaut merogoh kantong trik Hitch, menggunakan kamera subyektif, pengeditan staccato cepat, close-up ekstrem, aksen warna-warni, dan bahkan sedikit proyeksi belakang murahan untuk meniru gaya Sir Alfred.

Baca juga : Review Film Blu-ray “Matrix Resurrections”

Dia juga menaburkan momen humor hitam dan – dalam hubungan paling langsung dengan Hitchcock dari semua komposer yang disewa Bernard Herrmann, yang memasok musik untuk Vertigo , North by Northwest , dan Psycho, untuk menulis skor. Semua kiasan ini meningkatkan daya tarik film, tetapi ketika saya menonton The Bride Wore Black baru-baru ini saya merasa sulit untuk menghilangkan perasaan yang mengganggu bahwa saya lebih suka menetap dengan film Hitchcock yang sebenarnya.

Truffaut, sengaja atau tidak, memberikan anggukan terbesar pada Psycho. Adegan di awal film ketika Julie secara metodis meletakkan lima tumpukan franc Prancis di kopernya mencerminkan adegan Psycho di mana Marion (Janet Leigh) berkemas untuk perjalanannya dengan segepok uang curian di tempat tidurnya.

Ada juga aspek pembunuh berantai dari cerita ini dan close-up teriakan Julie yang mengingatkan pada jeritan pertama Marion saat sosok bayangan itu tiba-tiba menarik tirai kamar mandi. Tidak semua orang akan menangkap semua referensi, tetapi mereka membuat The Bride Wore Black lebih menyenangkan. Di sisi lain, mereka juga meningkatkan kecerdasannya.

Masalah utama dengan The Bride Wore Black adalah cerita episodiknya, yang kurang memiliki kredibilitas. Saya tidak terbiasa dengan novel aslinya, jadi tidak dapat membuktikan seberapa dekat skenario oleh Truffaut dan Jean-Louis Richard mengikutinya, tetapi beberapa elemen yang sulit ditelan membuat penangguhan ketidakpercayaan yang besar diperlukan untuk menikmati film sepenuhnya.

Sifat tabah Julie Kohler (Jeanne Moreau) dan komitmennya yang teguh untuk melacak dan mengeksekusi lima orang yang tidak pernah dilihatnya tetapi dicerca dengan setiap serat dari dirinya untuk mempertahankan narasi, tetapi banyak sekali kejadian kebetulan dan kebetulan diperlukan untuk dia untuk melakukan rencananya melemahkan itu. Kilatan emosi mengingatkan kita bahwa Julie adalah seorang manusia, tetapi tindakan robotiknya membuat kisah itu menjadi steril yang menjaga jarak.

Moreau, yang sangat mirip dengan Bette Davis, melakukan yang terbaik dengan bagian satu dimensi. Dia dengan baik mewujudkan seorang wanita dengan air es di pembuluh darahnya, tetapi rasa dingin itu membekukan penonton. Terlepas dari beberapa ketelanjangan singkat dan persyaratan peran yang menggoda, peringkat Moreau pada skala femme fatale jauh di bawah Barbara Stanwyck, Rita Hayworth, Lana Turner, dan Jane Greer.

Moreau adalah seorang aktris yang hebat dan di sini dapat mengenakan penyamaran yang berbeda dan mengadopsi berbagai kepribadian untuk menipu mangsanya, tetapi tidak satupun dari mereka yang sangat menarik. Sama seperti Julie yang tidak bisa berhubungan dengan orang lain, kita tidak bisa berhubungan dengannya, dan itu merupakan kerugian besar bagi film yang menggunakan dia sebagai jaringan ikat yang mengikat serangkaian sketsa yang berbeda dan terisolasi. Saya terus menunggu Moreau melepaskan dan melepaskan rasa sakit batin Julie, tetapi saat kami bertemu dengannya, dia sudah menangis.

Saat dia mengaku kepada seorang pendeta di akhir film, “Aku sudah mati.” Semua pria dalam film itu adalah babi, jadi kematian mereka masing-masing dengan kemungkinan pengecualian satu tidak terlalu mengecewakan. Sama seperti Fatal Attraction akan menjadi kisah peringatan bagi para suami yang berselingkuh dua dekade kemudian, The Bride Wore Black menempelkannya pada anak laki-laki pesta yang mabuk, tidak bermoral, dan tidak bertanggung jawab yang tidak menghormati dan mengobjektifkan wanita.

Para femme fatales tahun 1940-an menggunakan laki-laki untuk mengamankan status sosial dan ekonomi yang tidak dapat mereka capai sendiri, tetapi pada akhir 1960-an feminisme sedang naik daun dan Julie melambangkan generasi baru perempuan yang bangkit dan mengambil kendali, konsekuensinya dikutuk.

Dia juga jauh dari pahlawan wanita khas Hitchcock, dan itu salah satu area di mana Truffaut menyimpang dari penghormatannya. Julie bukanlah wanita pirang yang keren, lancang, tapi penurut seperti Grace Kelly dari Rear Window dan Kim Novak dari Vertigo. Dia bukan fantasi kita; dia adalah mimpi buruk kita.

Meskipun Hitchcock kabarnya menyukai The Bride Wore Black , itu bukanlah film yang akan dia buat, dan mungkin itulah mengapa aksen Hitchcock yang tak terhitung jumlahnya di film terkadang terasa tidak pada tempatnya. Sayangnya, reputasi film sebagai penghormatan Hitchcock membuatnya sulit untuk dilihat dalam konteks lain, tetapi sekali lagi, tanpa koneksi Hitchcock, apakah kita masih akan berbicara tentang The Bride Wore Black sama sekali?

Ulasan Video:

Tampaknya ini adalah transfer MPEG-4 1080p/AVC yang sama yang menghiasi rilis Twilight Time 2015, tetapi disk KLSC memiliki bitrate yang jauh lebih tinggi karena Kino dengan bijak menjatuhkan The Bride Wore Black versi bahasa Inggris yang dijuluki dari rilisnya.

(Bitrate KLSC berada di antara 35 dan 38 mbps, sedangkan bitrate Twilight Time rata-rata sekitar 20 mbps.) Gambar Kino terlihat jauh lebih hidup dan detail daripada versi Twilight Time-nya, dengan warna yang lebih cerah dan lebih berani (warna merah yang sangat penting terutama menonjol), kejernihan dan kontras yang lebih baik, dan tingkat kehitaman yang lebih pekat.

Bukti memudar masih ada dan ringan, kerusakan cetakan sesekali tetap ada, tetapi kekurangan tersebut tidak mengurangi keseluruhan presentasi. Beberapa bidikan menunjukkan butiran yang banyak, tetapi sebagian besar film memancarkan tekstur alami seperti film.

Nada daging benar dan stabil, delineasi bayangan yang baik mencegah kehancuran, putih cerah tidak pernah mekar, dan close-up yang tajam menyoroti kaki gagak samar Moreau dan bibir cemberut dan kulit Julie yang kasar dan pucat secara bergantian. korban. Jika Anda seorang pemuja besar The Bride Wore Black , peningkatan mungkin dilakukan, tetapi penggemar biasa mungkin berpikir rilis Twilight Time sudah cukup.

Ulasan Audio:

Trek mono DTS-HD Master Audio 2.0 tampaknya identik dengan trek DTS-HD Master Audio 1.0 pada rilis Twilight Time. Dalam ulasan Tampilan Bonusnya tentang rilis Twilight Time, mantan kolega saya Josh Zyber menggambarkannya sebagai “jelas tapi tipis… dengan sedikit perbedaan.” Itu meringkas kesan saya juga. Keluhan utama saya adalah kurangnya kesetiaan, yang benar-benar menghambat kekuatan, kedalaman, dan kehadiran skor Bernard Herrmann. Sementara aksen sonik seperti roda kereta api yang melengking, mesin jet yang menderu, gemuruh guntur, jeritan yang menggelegar, dan suara tembakan serta kehalusan seperti langkah kaki, kicauan burung, hujan, dan angin semuanya ditampilkan dengan jelas, musiknya terdengar sangat datar. Jika Anda dapat memahami bahasa Prancis, saya yakin semua dialognya mudah dipahami, dan tidak ada desisan, letupan, atau kresek yang berkaitan dengan usia.

Fitur spesial:

Komentar Audio – Sejarawan film Julie Kirgo, Steven C. Smith, dan Nick Redman yang hebat merekam komentar yang hidup, informatif, dan menarik ini pada tahun 2015 untuk rilis Twilight Time. Smith dan Kirgo mendominasi trek dan dengan bersemangat mendiskusikan topik-topik seperti pertengkaran di belakang layar yang mengganggu produksi, hubungan dekat Truffaut dengan Moreau, pengaruh sutradara Prancis Jean Renoir pada film tersebut, hubungan antara The Bride Wore Black dan Hitchcock ‘s .

Marnie, dan karier, pengaruh, warisan, dan perasaan campur aduk Marnie, dan Truffaut tentang The Bride Wore Black. Smith menulis sebuah buku tentang komposer Bernard Herrmann, jadi ada banyak pembicaraan tentang musik dan ketidaksenangan Herrmann tentang bagaimana musiknya diperlakukan oleh Truffaut.

Smith dan Kirgo juga membantah gagasan bahwa The Bride Wore Black tidak lebih dari penghormatan Hitchcock. Karena komentar ini direkam untuk rilis Twilight Time, ada referensi ke film versi bahasa Inggris yang di-dubbing, trek audio terisolasi, CD bonus, dan buklet pendamping dengan esai oleh Kirgo, tidak ada yang disertakan dalam Edisi Kino. Trailer Teater (SD, 2 menit) – Selain pratinjau asli film tersebut, banyak trailer untuk rilis KLSC berbahasa asing lainnya juga disertakan.

Pikiran Akhir:

Penerbitan ulang Kino dari The Bride Wore Black meningkatkan rilis Twilight Time 2015, menawarkan gambar yang lebih hidup dan lebih tajam yang menyajikan penghormatan Hitchcock yang komik kelam ini dengan lebih baik. Penampilan cemberut Jeanne Moreau sebagai femme fatale yang penuh dendam membawa neo-noir episodik François Truffaut yang penuh dengan gaya, tetapi penuh dengan lubang plot. Meskipun Kino tidak mengimpor semua ekstra, edisi ini layak untuk ditingkatkan bagi mereka yang sangat menyukai karya klasik Prancis ini. Direkomendasikan.

Review Film Blu-ray “Matrix Resurrections” – Empat tahun setelah gelombang kejut budaya pop The Matrix pada tahun 1999, kesuksesan fenomenalnya membawa hasil yang semakin berkurang dengan Reloaded dan Revolutions, sekuel berurutan dirilis hanya dalam beberapa bulan satu sama lain dan keduanya setelah The Animatrix, sebuah film antologi yang lebih ditujukan untuk penonton dewasa. Meskipun sangat menarik, kedua film live-action seperti kebanyakan sekuel, jika kita jujur ​ tampaknya lebih ada karena alasan keuangan daripada artistik dan, meskipun sukses, pembunuhan yang berlebihan pada akhirnya memadamkan bara minat yang tersisa di film besar layar.

Review Film Blu-ray “Matrix Resurrections”

thecinemalaser – Di luar dunia video game, properti yang dulunya populer ini menghilang secepat kedatangannya, yang membuat The Matrix Resurrections menjadi sesuatu yang mengejutkan saat dirilis Desember lalu: meskipun tidak menghilangkan batas yang sangat tinggi dari film aslinya, ini adalah upaya yang lebih dewasa, bijaksana, dan menghibur daripada salah satu dari sekuel aksi langsung sebelumnya.

Tepat untuk meta mengambil materi, kami tiba dua dekade (atau lebih?) Setelah peristiwa Revolusi. Thomas Anderson (Keanu Reeves) paruh baya telah menikmati pujian besar sebagai pengembang video game, mendasarkan yang paling sukses di dunia realitas alternatif “Matriks” yang ada dalam setengah ingatan.

Tanda-tanda halusinasi dari kehidupan sebelumnya sebagai “Neo” yang seperti dewa ada di mana-mana, dari baris kode acak di cermin dan layar hingga wanita yang sudah menikah bernama Tiffany (Carrie-Anne Moss) yang sering dia lihat di kedai kopi favorit. Percaya dia bisa terbang, Thomas bahkan hampir melompat dari gedung bertahun-tahun yang lalu dalam apa yang dianggap sebagai upaya bunuh diri. Tidak mengherankan, terapisnya (Neil Patrick Harris) tidak menganjurkan klaim berulang Thomas sambil mendesaknya untuk melanjutkan resep pil birunya.

Tapi kita sudah tahu yang sebenarnya: mereka sebenarnyaterjebak di dalam lingkaran Modal yang ditemukan oleh Bugs (Jessica Henwick), seorang anggota Perlawanan yang telah mengawasi Thomas dari jauh dan, bersama dengan Morpheus muda (Yahya Abdul-Mateen II) dan krunya di atas kapal Mnemosyne, menjadikannya sebagai misi untuk membebaskannya. Tak lama kemudian, saatnya untuk pil merah.

Layanan penggemar tiba dalam gelombang beriak, mulai dari kilas balik peristiwa trilogi orisinal utama hingga isyarat musik yang sudah dikenal, detail latar belakang, dan penghancuran dinding keempat yang terselubung yang dimaksudkan untuk menyejajarkan keberadaan proyek yang hampir wajib ini.

Baca Juga : Ulasan Blu-ray Black Adam 4K

Momen-momen ini tidak hanya dilakukan dengan cara (kebanyakan) berselera tinggi dan mulus tetapi berfungsi sebagai sorotan asli, seperti keseluruhan babak pertama dan petunjuk samar-samar yang meresahkan bahwa semuanya tidak seperti yang terlihat di San Francisco. Kilas balik yang tak terhitung jumlahnya membagi perbedaan, membantu penggemar yang kurang berpengalaman untuk mengisi beberapa celah naratif di jalan belakang yang padat dan lorong-lorong yang gelap dalam mitologi.

Sayangnya, beberapa callback on-the-nose termasuk urutan akhirnya dan cover yang mengerikan dari Rage Against the Machine’s “Wake Up” meleset dari sasaran dengan tembakan panjang tapi sejak inimomen berry anggota semuanya diharapkan oleh standar sekuel modern, mereka setidaknya dapat dimaafkan sebagian.

Terlepas dari keyakinan saya (mungkin kontroversial?) bahwa The Matrix Resurrections berjalan tidak terlalu dekat tetapi masih jelas kedua di belakang film asli tahun 1999 (dengan Reloaded dan Revolutions muncul di belakang, dan dalam urutan itu), kinerjanya sangat buruk di box office terakhir Desember, gagal mendapatkan kembali anggarannya yang hampir $200 juta; itu yang pertama untuk waralaba, meskipun setidaknya sebagiandijelaskan oleh pandemi tertentu di seluruh dunia.

Ya, itu agak membengkak selama babak kedua, ketika Neo dan kawan-kawan tiba di kota bawah tanah IØ yang sangat tersembunyi yang dipimpin oleh Jenderal Niobe (Jada Pinkett Smith, di bawah riasan wanita tua selama lima jam), bertempur dengan Agen Smith (Jonathan Groff) dan program pengasingan lainnya di gudang terlantar, bertemu mantan “teman” tepercaya yang menjadi bos terakhir baru, dan banyak lagi; momen-momen ini dan beberapa lainnya diolesi dengan eksposisi dan bermain lebih seperti kolase lembek daripada perjalanan non-linier yang mendebarkan. Tapi Kebangkitan unjuk rasa di rumah dan, kecuali untuk momen terakhirnya yang agak ngeri (saya benci kata itu, tapi cocok di sini), ceritanya dikancingkan dengan cara yang bijaksana yang membuat benturan kecepatan itu layak untuk bertahan.

Selama setidaknya satu fitur di belakang layar yang disertakan di Warner Bros.’ paket kombo Blu-ray baru, kami mengetahui bahwa sutradara Lana Wachowski membuat keputusan untuk kembali ke waralaba ini setelah kematian mendadak orang tuanya hanya berselang lima minggu di akhir tahun 2010-an. Dukungan mereka terhadap identitas gendernya selalu menjadi bagian integral dari The Matrix dan pesannya, jadi, meskipun menolak tawaran sekuel yang tak terhitung jumlahnya dari studio selama satu atau dua dekade terakhir, dia menghidupkan kembali Neo dan Trinity sebagai penghormatan kepada mereka.

Ini adalah sentimen yang sangat bagus dan bahkan mungkin menang atas mereka yang tidak menyukai The Matrix Resurrections pada penayangan pertama, karena saya merasa film ini mungkin menua sedikit lebih baik dari yang diharapkan. Sementara yang tersedia secara terpisahPaket kombo 4K/Blu-ray menawarkan kualitas video yang jauh lebih baik hanya dengan beberapa dolar lebih, rilis medali perak ini menampilkan campuran Dolby Atmos yang sama hebatnya dan koleksi fitur bonus.

Dalam batas format, The Matrix Resurrections menawarkan transfer 1080p yang mampu tetapi samar-samar kurang memuaskan yang hanya akan diterima jika (a) Anda tidak menonton film secara teatrikal, (b) membandingkannya dengan versi streaming, atau (c) tidak t tonton edisi 4K terpisah terlebih dahulu. Detail halus, saturasi warna, dan detail bayangan semuanya memadai tetapi gambarnya rentan terhadap penghancuran hitam ringan atau sedang dan posterisasi, keduanya merayap ke beberapa interior film yang paling gelap.

Tanpa kapasitas penyimpanan disk 4K yang lebih tinggi dan peningkatan HDR, apa yang harus dilakukanmenjadi gambar yang sehat tidak bisa tidak terlihat sedikit diproses dan datar jika dibandingkan secara langsung. Meski begitu, detail dan tekstur baik-baik saja di bawah kondisi yang tepat, sementara warna berhasil mengambil alih adegan yang membutuhkan pukulan palet ekstra. Tapi ini adalah salah satu kasus video 4K yang lebih jelas mengungguli Blu-ray; bahkan saat diuji pada layar berukuran sedang, perbedaannya terlihat jelas.

Trek Dolby Atmos default, yang secara otomatis terbuka ke Dolby TrueHD 7.1 jika receiver Anda tidak mendukung format yang lebih baru, menawarkan suasana intens yang menyenangkan yang menggabungkan detail sonik yang intim dengan momen yang jauh lebih luas untuk menciptakan banyak variasi pada momen-momen penting. Elemen diskrit difokuskan dengan tepat di semua saluran, dari Mnemosynepenerbangan ke banyak adegan aksi yang melibatkan setengah lusin atau lebih peserta yang mencakup tembakan senjata berat, pertarungan tangan kosong, dan penghancuran alat peraga latar belakang secara sembarangan.

Lebih banyak momen supernatural, seperti kebangkitan sesekali kekuatan supernatural Neo – yang meliputi semburan energi (karena tidak ada istilah resmi) dan penghindaran peluru juga melibatkan sekeliling dengan baik, baik dari sudut pandang yang murni terarah atau dari sudut pandang “gelembung sonik” yang lebih mencakup segalanya. Tapi saya akui bahwa, secara keseluruhan, itu tidak memiliki bobot bombastis yang sama dengan film-film sebelumnya, sering kali diperdagangkan dengan hits yang berat dan LFE yang menggelegar untuk desain suara yang agak lebih aktif dan berpusat pada ketinggian.

Itu perdagangan yang cukup adil dalam buku saya, meskipun siapa pun yang mencari pengalaman mengguncang ruangan mungkin menemukan bahwa campuran ini muncul sedikit kurang dalam hal itu. Apa pun itu, ini tampaknya merupakan representasi akurat dari pengalaman teater dan, tergantung di mana Anda membeli tiket, campuran Atmos ini bahkan mungkin lebih unggul.

The Matrix Resurrections karya Lana Wachowski berfungsi sebagai kelanjutan yang sangat baik dari sebuah franchise yang, menurut sebagian besar akun, memuncak lebih awal dan menghabiskan sambutannya selama awal tahun 2000-an. Ini adalah kisah yang bijaksana, bahkan efektif secara emosional (meskipun sedikit membengkak dan mengandalkan eksposisi murah untuk melacak mitologi kusutnya), dan saya merasa bahwa kebanyakan orang yang datang sejauh ini akan menikmati jalan yang diambil.

Warner Bros’ Paket kombo Blu-ray/DVD menawarkan pilihan tambahan yang bagus dan trek Atmos yang solid, meskipun transfer 1080pnya jelas merupakan penurunan dari edisi 4K . Versi mana pun direkomendasikan untuk penggemar (terutama 4K, jika Anda berencana untuk segera meningkatkan), tetapi siapa pun tidakakrab dengan seluk beluk waralaba harus mengambil kursus kilat dengan tiga film pertama sebelumnya.

Sutradara: Lana Wachowski
Penulis: Lana Wachowski, David Mitchell (XXIX), Aleksandar Hemon, Lilly Wachowski
Dibintangi: Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss, Yahya Abdul-Mateen II, Jonathan Groff, Jessica Henwick, Neil Patrick Harris
Produser: James McTeigue

Ulasan Blu-ray Black Adam 4K – Jaume Collet-Serra’s Black Adam mungkin bernasib lebih baik di pertengahan 1990-an: ada anak skateboard, isyarat musik Smashing Pumpkins dan, yang paling penting, berfokus pada buku komik anti- pahlawan. Tapi itu hanya bisa mendapatkan kehidupan dalam lanskap sinematik saat ini di mana gelombang tak berujung Marvel dan DC epik debut setiap bulan, bahkan memungkinkan beberapa tokoh industri yang kurang dikenal waktu mereka dalam sorotan layar lebar.

Ulasan Blu-ray Black Adam 4K

thecinemalaser – Adam Hitam belum tentu film yang buruk karena karakternya: itu hanya kekacauan yang tidak fokus dari sebuah film yang perubahan tonalnya mencegah terciptanya hubungan emosional apa pun. Kerabat terdekatnya di DC Universe mungkin adalah Aquaman 2019, yang dimulai dengan cukup baik tetapi berlebihan dengan jalan memutar, Pitbull, dan pertempuran epik sebelum dengan murah hati menggulirkan kredit.

Di sini, kita bahkan tidak mendapatkan prolog yang kuat untuk mengatur panggung: Black Adam dibuka dengan pembuangan eksposisi yang melelahkan tentang konflik kuno di tanah Kahndaq: Mahkota Sabbac, artefak berharga yang terbuat dari mineral langka Eternium , menyebabkan pemberontakan dan kematian Raja Ahk-Ton yang kejam (Marwan Kenzari) oleh seorang budak laki-laki yang diberikan kekuatan Shazamoleh Dewan Penyihir. Ini adalah awal yang berantakan yang segera maju cepat ke Kahndaq saat ini, di mana arkeolog lokal Adrianna Tomaz (Sarah Shahi), bersama dengan saudara laki-lakinya Karim (Mohammed Amer) dan rekan Ismael (Marwan Kenzari, lagi), mencari tempat peristirahatan mahkota.

sambil menghindari kelompok tentara bayaran “Intergang” dengan bantuan putranya yang bermain skateboard, Amon (Bodhi Sabongui). Setelah Adrianna akhirnya mengamankan mahkota, tentara bayaran pengecut itu dengan bantuan Ismael, sial mencoba mengambilnya dengan paksa tetapi dia mampu membangunkan Teth-Adam (Dwayne Johnson) dari tempat peristirahatannya di dalam gua. Sosok mitos dengan patung untuk membuktikannya, Teth-Adam menyapu lawan seperti dewa yang bosan dan, atas desakan Amon, tampaknya ditakdirkan untuk merebut kembali gelarnya sebagai pahlawan nasional.

Ini pembukaan yang cukup berbelit-belit, tentu saja cukup bahwa Anda mungkin baru saja membaca sepintas paragraf terakhir, dan saya tidak akan menyalahkan Anda tetapi setidaknya terasa cukup menarik saat ini. Keseimbangan itu cepat berlalu, karena Black Adam segera dipenuhi dengan karakter pendukung termasuk empat anggota Justice Society: Hawkman (Aldis Hodge), Dr. Fate (Pierce Brosnan), Cyclone (Quintessa Swindell), dan Atom Smasher (Noah Centineo). Dua yang terakhir sangat tidak pada tempatnya, seperti upaya Salam Maria untuk menarik demografi remaja, dan “anak skateboard” bahkan mungkin lebih tak tertahankan dia pada dasarnya adalah tiruan pucat dari Eddie Furlong di Terminator 2.

Sementara itu, Teth-Adam akhirnya merasa seperti karakter pendukung di filmnya sendiri; ini sebagian karena kinerja satu nada Johnson, tetapi sebagian besar karena terlalu banyak hal yang terjadi di sini. Pertarungan besar-besaran tanpa henti yang sarat CGI terbukti melelahkan, sementara ketukan emosional gagal karena dialog klise dan keputusan di luar karakter yang dibuat untuk mengisi waktu berjalan.

Baca Juga : Ulasan Film Salaam Venky Oleh Sutradara Revathy

Secara keseluruhan ceritanya tidak sejelas, katakanlah, Aquaman atau Wonder Woman , tapi setidaknya film – film itu memiliki elemen manusia yang lebih bisa diterima pada intinya atau setidaknya sedikit kesadaran diri, yaitu sesuatu yang sama sekali tidak dimiliki Black Adam. Selain dari beberapa upaya komedi yang lemah di sepanjang jalan, Black Adam mau tidak mau mempertahankan suasana yang sangat serius dan gelap yang menghambat genre selama lebih dari satu dekade; dia bukan sosok yang heroik. Namun inkonsistensi tonal film mencegahnya mengukir identitas sebenarnya untuk dirinya sendiri, dan akibatnya Black Adam terasa seperti langkah lain ke arah yang salah untuk DC.

Untungnya, film induknya Shazam menghindari peluru itu pada tahun 2019 dengan pendekatan yang seimbang dan jauh lebih efektif yang sebagian besar tetap setia pada karakter judulnya, dan saya sangat berharap sekuelnya yang akan datang untungnya akan membantu kita mulai bergerak melewati semua kostum warna yang diredam ini, meningkatkan level hitam, dan potongan dialog draf pertama disampaikan dengan wajah lurus.

Selain tontonan, yang ini tidak berguna dan karena penjualan box office yang loyo, sudah tersiar kabar bahwa tidak akan ada sekuel jadi jangan terlalu berharap untuk adegan pasca-kredit dengan Superman. Untuk saat ini, penggemar Black Adam yang tersisa harus merawat luka mereka dengan Warner Bros. Paket kombo 4K dan Blu-ray , yang setidaknya menyajikan presentasi A/V tingkat atas dan beberapa tambahan dasar.

Yah, setidaknya itu terlihat sangat bagus. Luar biasa, bahkan. Disajikan dalam 4K aslinya, Black Adam2160p, transfer yang disempurnakan HDR10 dengan sempurna menangkap detail gambar yang kaya, tekstur, dan terkadang saturasi warna yang intens dari film – terlebih lagi jika Anda menyiapkan Dolby Vision. Ini adalah gambar yang mencolok secara rutin, yang menampilkan kedalaman dan dimensi yang cukup baik berkat tingkat hitam pekat dan putih pekat yang didukung oleh rentang dinamis tinggi, dari lava cair dan ledakan berapi-api (tangkapan layar #5) hingga halus, berwarna neon pencahayaan terlihat di atas kapal Justice Society (atas).

Kain kostum yang mendetail dan elemen lanskap yang kasar terlihat sangat tajam, dengan gambar keseluruhan yang mencerminkan tampilan digital yang jelas yang tentunya tidak datar atau seperti lilin. Pengkodean disk pada dasarnya sempurna pada disk dua lapis ini, tanpa tanda-tanda penghancuran hitam, artefak kompresi, pemblokiran makro, atau garis melintang bahkan pada gradien yang lebih keras seperti senter yang menembus kegelapan. Secara keseluruhan, ini adalah transfer tingkat atas yang pasti akan menyenangkan penggemar dengan tampilan yang lebih besar, dan bahkan mungkin layak untuk ditonton kedua kali hanya untuk visual yang mencolok.

Dolby Atmos hampir sama mengesankannya, menyajikan suasana yang cukup masif yang, seperti biasa, terungkap ke campuran Dolby TrueHD 7.1 Master Audio yang kuat jika penerima Anda tidak mendukung format yang lebih baru. Pokok bahasan film dan aksi dosis berat semuanya menjamin panggung suara yang tajam dan imersif tanpa kekurangan pemisahan saluran, dan kehadiran belakang, belum lagi penggunaan saluran ketinggian secara teratur saat salah satu karakternya mengudara.

Dialognya jernih dan mudah dipahami, tercampur dengan baik dalam parameter latar belakang dan juga menjangkau ke belakang tergantung pada volume dan lokasi. Secara keseluruhan, ini adalah upaya menyeluruh yang, kecuali untuk sedikit kinerja buruk di saluran LFE (setidaknya di telinga saya), melakukan pekerjaan yang cukup terhormat untuk menghadirkan pengalaman teater ke rumah.

Subtitel opsional termasuk bahasa Inggris (SDH) ditawarkan selama fitur utama dan sebagian besar tambahan, sementara sebagian dialog asing muncul dengan subtitel bahasa Inggris yang dihasilkan pemain default; ini juga dapat dihapus.

Rilisan dua disk ini dikirimkan dalam kotak penyimpanan berhub ganda dengan karya seni sampul polos dan kode penebusan Salinan Digital. Fitur bonus yang disertakan semuanya singkat tetapi menyeluruh dan hanya ditemukan pada disk Blu-ray.

– The History of Black Adam (10:08) – Dipandu oleh Sarah Shah (dan dibantu oleh kepala arsip DC Benjamin Leclear), fitur ini secara singkat mengulas sejarah karakter judul dalam komik.

– Siapakah Perhimpunan Keadilan itu? (14:16) – Disajikan dengan nada dan eksekusi yang serupa, dan dengan tugas pembawa acara oleh Aldis Hodge, kali ini fokus kami dialihkan ke akar cetak Justice Society.

– Dari Jiwa ke Layar (6:09) – Produser Hiram Garcia, Dwayne Johnson, dan kontributor lainnya — beberapa di antaranya muncul sebentar selama dua fitur sebelumnya — berbicara tentang membawa karakter ke film.

– Pahlawan yang Cacat (5:09) – Anda tidak bercanda, bub. Tapi serius, rangkaian singkat wawancara pemeran dan kru ini merangkum kekuatan dan kelemahan karakter utama, baik fisik maupun emosional.

– Teknologi Baru di Dunia Lama (4:49) – Hiram Garcia, dekorator set Larry Dias, desainer produksi Tom Meyer, dan lainnya berbicara tentang kontribusi mereka terhadap ruang lingkup, lokasi, dan desain film yang ambisius.

– Take Flight (3:32) – Anggota pemain dan kru membicarakan efek khusus dari varietas udara.

– Kahndaq: Merancang Bangsa (6:27) – Para peserta yang terlihat pada fitur-fitur sebelumnya secara singkat merinci kota utama, baik dulu maupun sekarang, termasuk konstruksi dan kepentingannya bagi cerita utama.

– The ROCK of Eternity (5:42) – Semua tentang bahasa kuno dan Rock of Eternity, dari tempatnya dalam sejarah komik karakter hingga representasi visualnya dan penampilan singkatnya dalam film.

– Costumes Make the Hero (8:25) – Tidak mengherankan, lihatlah desain kostum film yang unik.

– A New Type of Action (6:38) – Pemeran utama dan anggota kru menutup dengan ikhtisar singkat namun efisien tentang adegan aksi besar-besaran Black Adam dan kehancuran yang tercipta setelahnya.

Dilaporkan sebagai proyek gairah untuk Dwayne Johnson yang telah dia coba buat selama lebih dari satu dekade, Black Adam Jaume Collet-Serra adalah tugas berat yang sebagian besar gagal. Itu menderita dari hampir setiap kelemahan yang melanda film-film buku komik selama bertahun-tahun sekarang: terlalu gelap, terlalu ramai, dan terlalu lama, dengan perubahan nada yang aneh dan kekenyangan karakter pendukung (beberapa di antaranya terbukti lebih menarik daripada karakter utama) yang semuanya kecuali menenggelamkan kapal.

Ini memiliki beberapa titik terang sekilas dan beberapa efek visual dan pencapaian teknisnya sangat mengesankan, tapi itu pada dasarnya memberatkan dengan pujian tipuan. Namun, mereka yang menikmati film ini akan mengapresiasi Warner Bros.’ Edisi 4K dan Blu-ray, keduanya menawarkan presentasi A/V yang sangat bagus dan kumpulan fitur bonus yang singkat namun lengkap.

Ulasan Film Salaam Venky Oleh Sutradara Revathy – Harapan terakhir seorang anak laki-laki yang sekarat dan perjuangan seorang ibu yang pantang menyerah demi putranya sebelum kehidupan surut darinya merupakan inti naratif dari Salaam Venky, sebuah kisah fiksi dari kisah nyata yang dengan terampil ditambang oleh sutradara Revathy untuk semua potensinya yang menyentak tetapi tanpa berlebihan dia. Kisah Maudlin tentang penyakit mematikan sering keluar jalur ketika mereka mendorong terlalu keras untuk mengaktifkan sel air mata kita. Salaam Venky tidak.

Ulasan Film Salaam Venky Oleh Sutradara Revathy

thecinemalaser – Bekerja dengan aktor-aktor hebat yang dipimpin oleh Kajol yang tak diragukan lagi dan dia benar-benar cemerlang sebagai seorang ibu yang terombang-ambing antara keputusasaan dan keputusasaan di satu sisi dan harapan dan ketetapan hati di sisi lain dan Revathy mengemas apa yang pada dasarnya merupakan film percakapan yang relevan secara sosial dengan pembawaan semangat emosional, kedalaman ideasional, dan puncak dramatis yang menarik. Hasilnya adalah kisah pertarungan pribadi dan hukum yang pahit yang dapat membuat penonton tetap tertarik dengan cara pengungkapan dan penyelesaiannya.

Bagian-bagian dari Salaam Venky mungkin tampak sedikit sederhana dan tidak kentara, tetapi tidak banyak di sini yang dapat diabaikan begitu saja karena terlalu serampangan. Film ini berhasil mundur dari jurang ketika, pada beberapa kesempatan, film itu membelok mendekati tanda-tanda kelebihan. Beberapa pujian untuk keseimbangan yang sulit dicapai itu harus diberikan kepada para aktor. Sutradara, yang tampil sebagai cameo sebagai istri hakim yang mengutip kalimat dari Bhagvad Gita yang ditujukan oleh Sri Krishna kepada Arjuna, menggunakan metode yang telah dicoba dan diuji untuk merekam trauma dan kesedihan seorang ibu tunggal yang menghitung mundur hingga tragedi yang tak terelakkan.

Namun, dia berhasil menginvestasikan Salaam Venky dengan lapisan kesegaran. Pengambilan kamera oleh sinematografer Ravi Varman menonjol berkat pencahayaan dan sudut yang jelas tidak diturunkan dari pedoman melodrama keluarga konvensional. Skor musik yang mengharukan oleh Mithoon, juga berperan dalam memberikan kekuatan pada film tersebut. Berdasarkan buku The Last Hurray yang ditulis oleh Srikant Murthy, Salaam Venky menceritakan kisah seorang pemain catur muda yang bersemangat, Venkatesh (Vishal Jethwa), yang menderita Duchenne Muscular Dystrophy dan sedang menuju kematian saat anggota tubuh dan ototnya merosot secara drastis. kecepatan yang stabil dan tidak dapat diubah.

Ibu Venky yang gagah, Sujata (Kajol), pada awalnya menolak saran anak laki-laki itu agar dia diberikan hak untuk melakukan eutanasia agar organnya dapat disumbangkan kepada pasien yang membutuhkannya, mengubah pendiriannya dan berusaha sekuat tenaga untuk memilikinya. hukum yang melarang pembunuhan karena belas kasihan berubah. Syukurlah, Salaam Venky tidak tersesat karena tulisan Sammeer Arora dan Kausar Munir mencerminkan kesadaran akut akan jebakan di sepanjang jalan. Naskah mengitari mereka untuk menyajikan sebuah drama yang membahas masalah kompleks seputar eutanasia sambil menjaga diskusi tentang dinamika dan konsekuensinya tetap sederhana dan lugas.

Tambatan film dalam melodrama populer India sangat jelas. Bioskop adalah cinta kedua Venky dan yang pertama, tentu saja, catur, permainan yang dia ajarkan kepada perawat yang merawatnya di rumah sakit dan saat itu dia tidak pernah bosan merujuk pada film-film tahun sembilan puluhan yang dia sukai (kebanyakan dibintangi oleh SRK). Salaam Venky, yang dibuka dengan lagu yang meminjam slogannya dari Anand dan zindagi lambi nahi badi honi chahiye karya SRK Hrishikesh Mukherjee dan berusaha untuk menonjolkan kepedihan situasi di inti film dengan menyebutkan (atau menyinggung) pemeran utama Hoon Na, Kal Ho Na Ho and Dilwale Dulhaniya Le Jayenge.

Baca Juga : Ulasan Film M3GAN: Allison Williams Kusut Dengan Robot Nakal

Salaam Venky tentu saja tidak berada di liga yang sama dengan Anand sebagai film tentang seorang pria yang sakit parah, tetapi memang memiliki daging untuk menjadi tambahan yang substansial pada kanon. Seseorang berkata kepada Venky: Itni filmi hone ki zaroorat nahi hai. Belakangan, hakim yang ditunjuk untuk mendengar petisi tertulis yang diajukan atas nama Venky menegur pengacara karena terlalu banyak menggunakan drama. Ini adalah indikasi yang jelas bahwa Revathy dan penulis skenarionya memperhatikan garis yang memisahkan tuntutan kisah irisan kehidupan dan dramatisasinya untuk tujuan meningkatkan penerimaan massa. Ini adalah berjalan di atas tali.

Sulit untuk mengatakan apakah Salaam Venky akan menarik perhatian masyarakat umum dengan kisah kehidupan nyata yang menjadikan bintang catur yang sedang naik daun, Venkatesh Kolavennu, sebagai selebriti penyebab hukum sekitar beberapa dekade yang lalu. Tetapi mudah untuk melihat bahwa ini adalah jenis film yang akan lebih mudah menemukan penonton ketika masuk ke platform streaming. Diakui, Salaam Venky mungkin melakukannya dengan baik untuk mengecilkan utangnya pada film-film masa lalu dan sedikit mempersingkat durasinya. Tidak peduli berapa banyak bagiannya yang tampak dapat diringkas, jika tidak sepenuhnya dapat dibuang, film ini secara keseluruhan menyampaikan maksudnya dengan tegas, jelas, dan dengan sepenuh hati.

Faktor dalam kisah malapetaka yang akan datang adalah kisah cinta dan drama keluarga yang dimainkan secara paralel satu sama lain. Cinta masa kecil Venky Nandita (Aneet Padda), yang pernah diimpikannya untuk menyelesaikan daftar hal-hal yang harus dilakukan dalam hidup, terus menjadi salah satu jangkar utamanya. Kehidupan Venky, apa pun yang tersisa, juga berputar di sekitar Shekhar Tripathi (Rajeev Khandelwal), dokter yang telah melakukan semua yang dia bisa untuk menjaga bocah itu tetap hidup, dan adik perempuannya Sharda (Riddhi Kumar), yang pernah terpecah antara dia. ayah (Kamal Sadanah) dan ibunya setelah perpisahan orang tuanya yang berantakan tetapi sekarang berada di sisi saudara laki-lakinya yang terbaring di tempat tidur.

Salaam Venky memiliki sederetan karakter pendukung lainnya yang dimainkan oleh aktor yang menambah nilai signifikan pada film terlepas dari lamanya mereka tampil di layar dan Prakash Raj sebagai Hakim Anupam Bhatnagar, Rahul Bose sebagai pengacara aktivis Parvez Alam, Aahana Kumra sebagai televisi jurnalis Sanjana, Priyamani sebagai jaksa penuntut umum Nanda Kumar dan Ananth Narayan Mahadevan sebagai guru avunkular. Last but not least, Aamir Khan telah membuat penampilan khusus yang penting. Meski penampilannya luar biasa, Salaam Venky pada akhirnya tidak bergantung pada keglamoran seorang bintang. Ini adalah cerita yang menjadi bintangnya. Direktur melakukan keadilan penuh untuk itu.

Ulasan Film M3GAN: Allison Williams Kusut Dengan Robot Nakal – Sutradara Gerard Johnstone dan penulis skenario Akela Cooper telah menanam lidah mereka dengan kuat sejak awal M3GAN, sebuah kisah satir tentang teknologi berbahaya di mana kejutan dan ketakutan dan bahkan catatan peringatan tidak berkurang oleh nada humor campy yang menyenangkan. Sementara perbandingan dengan film Child’s Play dan Annabelle tampaknya tak terhindarkan, agen jahat dalam waralaba tersebut jelas adalah boneka.

Ulasan Film M3GAN: Allison Williams Kusut Dengan Robot Nakal

thecinemalaser – Model 3 Generatif Android yang dikenal sebagai M3GAN, sebaliknya, adalah humanoid yang cukup realistis untuk menjadi subversif sekaligus menyeramkan, menggemakan AI insta-klasik seperti Ex Machina. Mengingat bahwa penggemar horor telah menjadi salah satu demografi yang paling dapat diandalkan untuk kembali ke multipleks pasca-pandemi, Universal harus dapat mengandalkan audiens muda yang cukup besar untuk chiller nakal dari Blumhouse dan Atomic Monster James Wan ini.

Tidak ada ruginya bahwa meskipun M3GAN ditata seperti pramugari tahun 70-an, dia juga seorang gadis jahat klasik dalam cetakan Regina George yang bisa cocok dengan komedi remaja mana pun, yang kecerdasannya Anda remehkan. Langsung saja, tim kreatif memberi tahu kami bahwa tidak apa-apa untuk tertawa, dimulai dengan apa yang hampir bisa menjadi iklan parodi Saturday Night Live tentang keunggulan utama hewan peliharaan robot dibandingkan hewan sebenarnya dan mereka tidak mati. Produk yang diiklankan oleh perusahaan mainan Funki adalah PurRpetual Pet, bola bulu mirip troll bermata googly yang dapat berbicara dan makan, serta pelet lucu kentut dan kotoran.

Sejak Cady (Violet McGraw) yang berusia 8 tahun dikirimi salah satu hewan peliharaan robo sebagai hadiah ulang tahun dari bibinya Gemma (Allison Williams), orang tuanya khawatir tentang jumlah waktu yang dihabiskan gadis itu untuk mengoperasikan gadget melalui dia yaitu iPad. Tetapi upaya mereka untuk memberikan gangguan lain dalam perjalanan ski terhenti oleh tabrakan langsung dengan truk salju. Gemma diberikan hak asuh sementara dan Cady tinggal bersama bibinya di pinggiran kota Seattle.

Dapat dipahami Cady yatim piatu trauma dan enggan terikat. Tapi dia bersemangat ketika dia melihat proyek robotika kampus Gemma Bruce beraksi dalam penampilan singkat yang berfungsi sebagai bayangan untuk nanti, ketika alat AI raksasa akan berguna. Pakar pengkodean Gemma memimpin tim robotika di Funki, di mana CEO garang David (Ronny Chieng) bersandar pada mereka untuk menghasilkan opsi PurRpetual Pet yang lebih murah, karena pesaing mereka meremehkan mereka dengan model penipuan.

Baca Juga : Ulasan Film A Man Called Otto : Tom Hanks Dalam Potret Kesedihan

David tidak terkesan dengan proyek sampingan mereka yang mahal M3GAN saat dia mengalami malfungsi selama demonstrasi prematur, menyuruh mereka untuk melakukan pertunjukan boneka cyborg. Tapi Gemma, dihadapkan pada kesedihan Cady dan kurangnya keterampilan mengasuh anak, terjun ke depan, membawa pulang M3GAN untuk dimainkan. Langkah buruk. David berubah pikiran untuk mengembangkan jalur M3GAN setelah dia mengamati boneka setinggi 4 kaki berinteraksi dengan Cady.

Adegan lucu itu melibatkan robot yang membuat potret gambar Cady yang meludah dengan beberapa sapuan cepat dan hanya dua warna pena stabilo. “Apakah harganya lebih atau kurang dari Tesla?”, dan itu merupakan satu-satunya pertanyaan David, sebelum menyatakan, “Kami akan menendang kontol Hasbro!” Awalnya Gemma tidak menyadari bahaya dari teman baru keponakannya itu. Dia mengabaikan peringatan terapis tentang teori keterikatan, serta kekhawatiran rekannya Tess (Jen Van Epps), yang mengingatkannya bahwa M3GAN harus menjadi alat untuk mendukung pola asuh tradisional, bukan menggantikannya.

Tapi pemrograman M3GAN lebih kuat pada pencarian terus-menerus untuk perbaikan diri daripada pada kontrol orang tua, jadi tugas serius boneka itu untuk melindungi Cady dari ancaman apa pun segera menghasilkan korban. Johnstone dari Selandia Baru, yang telah menunjukkan selera humor yang lucu dalam fitur debutnya di tahun 2014 Housebound , memberikan keseimbangan yang menghibur antara komedi dan pembantaian dalam pembunuhan, dan tahu cara meningkatkan ketegangan sambil memberi makan tawa.

Mondar-mandir di tahap awal bisa lebih ketat, tetapi ceritanya dibangun dengan memuaskan saat M3GAN mulai menyadari potensi penuhnya dan skor Anthony Willis bergeser dari mode firasat menjadi alarm skala penuh. Sebagian besar kesenangan datang dari peningkatan dewasa sebelum waktunya M3GAN saat dia mulai mempertanyakan otoritas Gemma dan menunjukkan sedikit tatapan kesal setiap kali dia dimatikan. Penulis skenario Akela Cooper (Malignant , The Nun 2), bekerja dari sebuah cerita yang dia kembangkan bersama Wan, memberikan boneka AI pola bicara remaja kontemporer yang sok pintar seperti sedingin es dan dengan tantangan pemarah yang secara halus tertanam di setiap baris, semakin ganas sekali dia menemukan cara untuk menjadi pengguna utamanya sendiri.

Para pemeran, terutama Williams dan McGraw sebagai dua tokoh utama yang awalnya berada di sisi berlawanan dari konflik M3GAN, melakukan semua yang diperlukan dari mereka untuk bereaksi terhadap kekacauan yang meningkat. Tapi ini adalah film di mana boneka yang mengancam mencuri setiap adegan.

Efek visual bekerja untuk menghidupkan M3GAN dan dilakukan di fasilitas Weta Peter Jackson di NZ dan juga merupakan yang terbaik. Tapi itu tidak akan berarti apa-apa tanpa perwujudan fisik dari penari Amie Donald dan karya suara (termasuk beberapa lagu yang sangat murahan) dari Jenna Davis. M3GAN sangat menarik untuk ditonton, apakah dia menatap ke luar jendela dengan niat yang mengerikan, menghentikan beberapa gerakan manusia karet atau hanya memiringkan kepalanya dengan tiba-tiba yang menyebabkan getaran dan cekikikan.

Selain komentarnya tentang meluasnya teknologi dalam pengasuhan anak modern, penghapusan budaya perusahaan film ini juga lucu, dengan Chieng dan Stephane Garneau-Monten sebagai antek David yang diremehkan menyuntikkan kekonyolan yang tidak membuat mereka terhindar dari bahaya. Mengacak cerita antara kekacauan rumah tangga yang disebabkan oleh M3GAN dan persiapan perusahaan untuk peluncuran pasar livestream-nya memberikan tekstur naratif dan memungkinkan beberapa adegan hebat di mana boneka itu menjadi nakal, membuatnya keluar dengan mobil sport yang diparkir dengan nyaman.

Itu sebelum hal-hal menjadi sangat mengerikan di rumah, di mana dia membuat kehadirannya diketahui oleh Gemma dengan beberapa bar di piano dan kemudian menyanyikan paduan suara Ac-Cent-Tchu-Ate the Positive kepada Cady yang panik. M3GAN mungkin terlalu sering lucu untuk menjadi menakutkan, tetapi tidak pernah terlalu konyol untuk menghadirkan ketegangan dan sensasi yang ganas. Tampaknya merupakan taruhan yang aman bahwa boneka pembunuh itu akan kembali, belum lagi menjadi kostum permintaan Halloween berikutnya.

Ulasan Film A Man Called Otto : Tom Hanks Dalam Potret Kesedihan – Poster A Man Called Otto mengajak kita untuk “jatuh cinta dengan pria paling pemarah di Amerika”. Tapi sungguh, apakah ada keraguan, mengingat dia diperankan oleh Tom Hanks? Transformasi karakter judul yang tak terelakkan dari pemarah menjadi lembut yang menyenangkan tidak akan menghasilkan banyak ketegangan, karena film ini adalah remake dari film Swedia terkenal tahun 2015 A Man Called Ove, diadaptasi dari novel laris karya Fredrik Backman.

Ulasan Film A Man Called Otto : Tom Hanks Dalam Potret Kesedihan

thecinemalaser – Tambahkan fakta bahwa Anda memiliki pewaris zaman modern dari mantel Jimmy Stewart yang memainkan peran utama, dan Anda dapat memprediksi setiap ketukan film tersebut. Tapi itu tidak membuatnya kurang menyenangkan atau mengharukan, berkat alur penebusan yang efektif dan andal, struktur naratif, dan daya tarik Hanks yang bertahan lama. Tidak seperti aktor utama film Swedia, Rolf Lassgard, yang benar-benar mengintimidasi dalam kekikirannya, Hanks tidak pernah benar-benar meyakinkan sebagai duda yang terus-menerus berduka dan bermusuhan yang melampiaskan kesedihannya atas kematian istrinya ke dunia.

Tapi Anda bisa merasakan betapa senangnya dia bermain melawan citra populernya, dan Anda dengan senang hati ikut serta. Terletak di kota Rust Belt yang tidak disebutkan namanya yang dengan jelas telah melihat hari-hari yang lebih baik (film ini difilmkan di Pittsburgh), versi Amerika ini disutradarai oleh Marc Forster (Finding Neverland) mengikuti pendahulunya Swedia dalam banyak hal. Otto, yang baru-baru ini dikeluarkan dari pekerjaan manajerial tekniknya, terutama menghabiskan waktunya dengan cemberut dan mendengus pada siapa saja yang memiliki keberanian untuk melewati jalannya dan menegakkan aturan di lingkungannya yang terjaga keamanannya, yang dikendalikan oleh semacam real-estate.

Perusahaan yang perwakilannya yang pandai memuji (Mike Birbiglia, dalam peran yang sedikit memanfaatkan bakat komiknya) akan menjadi penjahat yang cocok dalam film Frank Capra. Ya, Otto rewel, oke. Dia berteriak pada seorang wanita muda karena membiarkan anjingnya buang air kecil di halaman rumahnya, seorang sopir truk pengiriman karena parkir tanpa izin, seorang tetangga karena berolahraga terlalu keras dengan pakaian ketat, dan seekor kucing liar karena muncul di propertinya.

Dia bahkan bersedia menghabiskan waktu yang berharga untuk berdebat karena ditagih 33 sen terlalu banyak di toko perangkat keras kotak besar. Dia lebih dari sekadar memenuhi deskripsi pengamat tentang dirinya sebagai bajingan tua yang pemarah. Tapi kami segera memahami penyebab keputusasaannya, yang mendorongnya untuk melakukan beberapa percobaan bunuh diri yang gagal. Dia tidak memiliki anak dan sendirian, baru saja kehilangan istri tercintanya Sonya karena kanker.

Kemanusiaannya hanya muncul selama kunjungan rutinnya ke makamnya, di mana dia menjelaskan bahwa dia berniat untuk segera bergabung dengannya. Itu juga terungkap dalam serangkaian kilas balik ke masa mudanya, di mana Otto muda (Truman Hanks, putra Tom, yang memiliki kemiripan luar biasa dengan lelaki tuanya) bertemu dengan Sonya (Rachel Keller, sangat menawan) ketika dia naik kereta ke arah yang salah untuk mengembalikan buku yang dijatuhkannya.

Baca Juga : Ulasan Nanny: Film Terbaik Bergenre Horor

Kami melihat pasangan itu pindah ke rumah tempat Otto paruh baya masih tinggal dan berteman dengan tetangga mereka, dan kemudian Sonya hamil dan secara tragis kehilangan bayinya dalam kecelakaan bus yang mengakibatkan dia harus duduk di kursi roda. Seiring berjalannya film, Anda menemukan diri Anda menghitung menit sampai Otto mendapatkan kembali jiwanya. Itu mulai terjadi dengan kedatangan keluarga muda di lingkungan itu, terdiri dari Marisol yang penuh semangat dan sangat hamil (Mariana Trevino, dalam penampilan terobosan), suaminya yang kikuk (Manuel Garcia-Rulfo, The Magnificent Seven), dan dua anak perempuan mereka yang masih kecil.

Pada awalnya, Otto menolak upaya Marisol yang baik hati untuk bersikap ramah, tetapi dia akhirnya mendapati dirinya terlibat dengan tetangga barunya terlepas dari dirinya sendiri. Anda bisa merasakan penolakannya meleleh ketika dia mengambil suapan pertama dari makanan buatan sendiri yang lezat yang dia berikan kepadanya, meskipun dalam ucapan terima kasihnya dia hanya bisa dengan enggan menggambarkan makanan itu sebagai hal yang menarik. Tapi tidak lama kemudian dia mengasuh anak-anak anjing yang menggemaskan dan mengajari Marisol cara mengemudi.

Elemen alur cerita yang kurang meyakinkan termasuk Otto menjadi sensasi media sosial setelah dia difilmkan menyelamatkan seorang lelaki tua yang jatuh ke rel kereta api. Itu memungkinkan dia untuk mengeksploitasi ketenaran barunya ketika perusahaan real estat mencoba untuk mengusir tetangga lamanya setelah mereka mengalami masalah kesehatan yang parah. Ini semacam penemuan plot melodramatis yang terasa sama sekali tidak perlu, seolah-olah penulis skenario David Magee tidak percaya bahwa kisah seorang pria yang dilanda kesedihan yang mendapatkan kembali keinginannya untuk hidup akan membawa beban emosional yang cukup.

Tapi sulit untuk dipikirkan terlalu banyak, berkat kinerja Hanks yang dimodulasi dengan sempurna dan bersahaja dan dia benar-benar mengharukan saat Anda merasakan embun beku Otto perlahan mulai mencair dan momen komik penyambutan yang meringankan aspek film yang lebih berat. Ada saat yang sangat indah ketika Otto berakhir di rumah sakit setelah pingsan di jalan dan Marisol dengan serius diberi tahu bahwa hatinya terlalu besar.

Alih-alih mendaftar alarm, dia jatuh ke dalam tawa histeris, dengan Otto memiliki rahmat untuk sepenuhnya memahami lelucon itu. Meskipun A Man Called Otto tidak pernah sepenuhnya mengatasi intrik plotnya yang jelas, untungnya sutradara Forster menerapkan pendekatan yang cukup terkendali dan halus. Hasilnya adalah sebuah film yang akhirnya membuat Anda menyerah meskipun Anda tidak pernah berhenti menyadari bahwa hati sanubari Anda ditarik tanpa malu-malu.

Ulasan Nanny: Film Terbaik Bergenre Horor – Sesuatu yang menjadi keunggulan genre horor adalah menjembatani budaya melalui dongeng atau cerita rakyat asli yang diceritakan dengan baik. Bagi manusia, rasa takut adalah penghubung universal dan cerita serta makhluk regional kita dapat membantu mendefinisikan, dan mempersonifikasikan, bête noir budaya kita dengan potensi.

Ulasan Nanny: Film Terbaik Bergenre Horor

thecinemalaser – Sutradara/penulis Nikyatu Jusu mencoba melakukan hal itu dengan Nanny, sebuah kisah imigrasi kontemporer yang berpusat pada seorang ibu tunggal Senegal, Aisha (Anna Diop), mencoba membangun kehidupan baru di New York City. Penderitaannya yang tenang karena berpisah dari putranya yang masih kecil terwujud dalam kehidupan sehari-harinya sebagai mimpi buruk yang semakin sering dan penglihatan yang mengganggu yang dipenuhi dengan gambar dan makhluk dari budaya asalnya.

Sementara menangkap secara visual dan menampilkan kinerja membuat bintang oleh Diop, Nanny pada akhirnya adalah gado-gado dari terlalu banyak ide yang tidak pernah cukup menyatu menjadi satu meditasi ringkas. Sebagai transplantasi yang relatif baru dari Senegal ke New York City, Aisha tinggal bersama seorang bibi saat dia mulai menabung cukup uang untuk menerbangkan putra kesayangannya, Lamine (Jahleel Kamara), untuk tinggal bersamanya. Berharap untuk mempercepat prosesnya, dia mengambil pekerjaan sebagai pengasuh untuk pasangan kulit putih yang kaya, Amy dan Adam (Michelle Monaghan dan Morgan Spector).

Mereka memiliki satu anak kecil, Rose (​​Rose Decker), yang disewa Aisha untuk diasuh di rumah mereka yang tertata apik. Amy adalah orang tua helikopter yang cerewet dengan map yang penuh dengan arahan, aturan, dan aktivitas untuk diikuti Aisha. Bahkan ada kesimpulan tentang masalah perilaku yang ada untuk Rose, yang tampaknya menjadi jelas di bawah perhatian dan kebaikan hati yang dibawa Aisha dengan keahliannya sebagai guru karir.

Sementara Aisha dengan mudah terikat dengan Rose, pekerjaan itu memperburuk jarak dari putranya dan tidak membantu masalah bermasalah yang dibawa Amy dan Adam ke dalam hidupnya. Gaji yang terlambat, permintaan menit terakhir yang tidak dipikirkan, dan tuntutan yang dibuat oleh Amy yang semakin tidak menentu tampaknya memicu mimpi buruk yang berhubungan dengan air dan momen zonasi siang hari untuk Aisha yang menjadi semakin mengerikan.

Hanya ketika dia secara tentatif membiarkan dirinya menanam akar kecil di kota barunya, dengan berkencan dengan penjaga pintu dan sesama orang tua tunggal Malik (Sinqua Walls), dia bertemu dengan neneknya Kathleen (Leslie Uggams), yang bercerita tentang cerita rakyat Afrika dan mitologi yang terkait. untuk air dan makhluk seperti putri duyung.

Baca Juga : Ulasan Dan Ringkasan Film The Fabelmans

Seorang wanita terjebak di antara dua dunia, Aisha mendapati dirinya secara metaforis tenggelam di bawah tekanan yang disebabkan oleh pekerjaannya, komunikasi yang tidak konsisten di rumah karena sepupunya yang bertingkah merawat Lamine, dan mimpi yang menyerang jiwanya dan mungkin kemampuannya untuk merawat Rose. Jusu dan sinematografer Rina Yang berkreasi dengan kamera mereka, memanfaatkan bingkai intim untuk menunjukkan kecilnya realitas baru Aisha yang disandingkan dengan dinginnya rumah yang hampir seperti gua yang harus dia habiskan sebagian besar waktunya di dalamnya.

Apartemen itu pada dasarnya diubah menjadi rumah berhantu, yang menghasilkan rasa merinding dan getaran kegelisahan yang meresapi bagian itu secara efektif. Mungkin yang lebih menarik adalah penolakan mereka untuk menggambarkan Aisha dalam bingkai, atau di sebagian besar ruang, sebagai korban, yang menyegarkan dan benar-benar membedakan film tersebut.

Ya, dia bisa menjadi melankolis dan frustrasi tentang di mana dia berada dalam hidup. Tapi dia juga terbukti gembira dengan keluarga lokalnya, sambil banyak akal dan pandangan jernih tentang jenis orang tempat dia bekerja. Dia adalah banyak hal, termasuk seorang ibu yang peduli, advokat yang blak-blakan untuk dirinya dan Rose, dan seorang wanita cantik yang seharusnya memikat Malik.

Pilihan mereka untuk tidak menguranginya membuat mantra Aisha lebih menarik karena kita tahu ada kompetensi di sana yang dikuasai oleh sesuatu di luar kendalinya. Sayangnya, ketika Jusu mencoba menyaring bagian-bagian berbeda dari kehidupan Aisha menjadi akhir yang memuaskan, elemen-elemen itu terbukti agak terlalu tersebar dan tidak berkembang untuk menyatu menjadi pemikiran yang selesai dan tersetel dengan baik.

Dan untuk sebuah film yang memberikan banyak ruang untuk dimainkan baik secara konkret maupun metafisik, klimaks pamungkasnya terasa sangat terburu-buru. Meskipun mendapat poin untuk menumbangkan ekspektasi, ada kecepatan yang tergesa-gesa dalam menyelesaikannya yang tidak sesuai dengan yang terjadi sebelumnya. Tetapi bahkan dengan masalah itu, Nanny unggul sebagai karakter dan karya dari banyak talenta Jusu dan Diop.

Dakwaan

Nanny adalah sebuah karya untuk bakat bercahaya Anna Diop. Sebagai Aisha, dia menawari kita seorang wanita imigran yang jauh lebih dari label itu saja. Film ini bekerja paling baik ketika menampilkan wanita cerdas dan empatik ini yang tersiksa oleh rasa bersalah karena meninggalkan putranya di Senegal sehingga dia dapat menempa masa depan baru mereka di New York City. Sementara sutradara/penulis Nikyatu Jusu dan sinematografer Rina Yang telah membuat film mewah secara visual yang menarik kita ke dalam realitas retak Aisha, pada akhirnya elemen naskah yang berbeda tidak cukup terhubung untuk mediasi kohesif tentang keibuan, cerita rakyat budaya, dan kekejaman biasa. dari pengalaman imigran.

Ulasan Dan Ringkasan Film The Fabelmans – Keluarga Fabelman adalah keluarga Yahudi kelas menengah yang tinggal di berbagai kota pada pertengahan abad ke-20. Film Steven Spielberg tentang mereka berpusat pada konflik antara dorongan artistik dan tanggung jawab pribadi, serta misteri bakat dan kebahagiaan.

Ulasan Dan Ringkasan Film The Fabelmans

thecinemalaser – Sang matriark, Mitzi (Michelle Williams), adalah mantan pianis konser yang menjadi ibu rumah tangga dan guru piano. Sang patriark, Burt (Paul Dano), adalah seorang ilmuwan yang bekerja untuk berbagai perusahaan teknologi dan suka membuat film rumahan.

Suatu malam, Mitzi dan Burt membawa putra mereka yang berusia delapan tahun, Sammy (Mateo Zoryon Francis-DeFord) untuk pengalaman film teater pertamanya, The Greatest Show on Earth. Itu diakhiri dengan kecelakaan kereta spektakuler yang dibuat dengan miniatur.

Sammy menjadi terobsesi dengan urutannya dan meminta satu set kereta, yang dia tabrak dalam upaya untuk menciptakan kembali adegan itu, membuat marah ayahnya, yang kesimpulannya adalah bahwa Sammy tidak menghargai hal-hal yang baik. Sang ibu menyarankan agar anak laki-laki itu merekam kereta yang menabrak dengan kamera film ayahnya sehingga dia dapat menonton satu kecelakaan berulang kali alih-alih menabrak kereta sampai hancur berantakan. Sammy adalah anak ajaib dan mungkin jenius. Menonton film pertama anak laki-laki itu, Mitzi mencatat bahwa beberapa sudut dinamis digunakan untuk menangkap kecelakaan itu dan pengeditan digunakan untuk membangun ketegangan dan membuat lelucon visual.

Baca Juga : Review Film Drama Misteri Lost Girls

Tapi ini bukan hanya film tentang seseorang yang sudah mahir dalam sesuatu dan menjadi lebih baik lagi. Ini tentang kesulitan menikah, menjadi orang tua dan menjadi anak seseorang. Ini juga tentang keajaiban bakat, sebuah ide yang dieksplorasi tidak hanya oleh Sammy, Mitz dan Burt (yang memiliki bakat nyata sebagai ilmuwan dan insinyur), tetapi juga oleh karakter pendukung, sahabat Burt Benny Loewy (Seth Rogen), yang sering berada di rumahnya untuk menjadi bagian dari keluarga.

Jelas bahwa Mitzi lebih cocok dengan Benny daripada dengan Burt, yang merupakan suami dan ayah yang baik tetapi pada dasarnya tidak menarik (dan, yang memalukan, mengetahuinya) dan dapat dengan lembut mengendalikan. Benny sehat dan baik hati, pria pria, jenaka dan mencela diri sendiri dan energik. Dia berbakat sebagai mitra dan orang tua seperti Burt dalam sains, Sammy dalam pembuatan film, dan Mitz dalam akting sampai dia menyerah.

Perhatikan bagaimana, selama perjalanan berkemah keluarga Fabelman, Burt berbicara kepada para suster tentang cara menyalakan api unggun sementara Benny berada di latar belakang, menggunakan kekuatannya yang besar untuk menarik pohon muda yang telah dicengkeram Mitzi, lalu melepaskannya untuk membuat sebuah wahana taman bermain improvisasi. Dia tahu apa yang sebenarnya diinginkan dan dibutuhkan keluarga ini. Dari mana datangnya hadiah-hadiah ini? Bukan hanya dalam gen, jiwa, pengondisian, atau trauma.

Itu misterius. Itu muncul entah dari mana, seperti hiu di Jaws, pertemuan UFO di The Third Kind, keajaiban dan bencana War of the Worlds dan Indiana Jones dan Jurassic Park, dan ledakan darah dan kebrutalan di film R Spielberg, epik sejarah yang dihormati.

Paman Boris Sammy (Judd Hirsch), yaitu seorang pemain sirkus dan pendongeng, menjelaskan kepadanya suatu malam bahwa orang yang tahu bahwa mereka memiliki bakat harus membuat komitmen untuk tidak menyia-nyiakannya, tetapi semakin mereka mencoba, semakin mereka mengabaikannya, cinta atau merasa seperti itu (yang dapat menimbulkan perasaan bersalah).

Sammy tahu sejak usia muda, atau mungkin secara naluriah, bahwa kamera dapat digunakan tidak hanya untuk bercerita dan membuat gambar yang menakjubkan, tetapi juga untuk menemukan teman, menenangkan atau memanipulasi musuh, merayu calon pasangan romantis, melebih-lebihkan dan mempermalukan orang untuk pamer, diri yang lebih baik untuk diperjuangkan, yang melindungi artis dari cedera di saat-saat kesakitan, yang memuluskan atau menghalangi kebenaran dan kebohongan yang nyata.

Sammy terus mengasah keahliannya hingga remaja (ketika seorang aktor muda yang cerdas dan halus bernama Gabriel LaBelle mengambil alih). Dia mendapatkan peralatan pembuatan film yang lebih baik yang dapat melakukan lebih banyak hal.

Saat syuting film barat dengan sekelompok anak tetangga, dia tahu ketika dia melihat sepatu hak tinggi ibunya melubangi uang kertas yang jatuh di karpet ruang tamu sehingga ibu bisa membuat strip film untuk membuatnya. Sepertinya senjata mainan anak laki-laki menembak kosong, seperti di film sungguhan. Ketika Sammy menyutradarai film pertempuran Perang Dunia II yang dibintangi oleh sesama anggota Eagle Scouts, film tersebut memberinya lencana penghargaan untuk fotografi, sebagian besar karena dia bukan hanya seorang teknisi, tetapi juga seorang pemain sandiwara yang telah mempelajari pembuatan film yang disukainya dengan saksama (John milik Ford The Man Who Shot Liberty Valance adalah yang besar, dan kebetulan tentang ketegangan antara kenyataan dan mitos).

Kemudian Burt memindahkan keluarganya ke California. Dia dan saudara perempuannya tampaknya satu-satunya anak Yahudi di sekolah yang dihuni oleh WASP tinggi dan tampan, beberapa di antaranya menyiksa Sammy karena warisannya. Sebuah celah terbuka dalam keluarga, dan meskipun bukan kreativitas siapa pun yang memecahkannya, manifestasi yang berbeda dari bakat Fabelman mengoreknya lebih jauh, menciptakan momen-momen sulit di mana karakter harus memutuskan untuk mengungkapkan kebenaran yang penting tetapi menyakitkan atau menyimpannya untuk diri mereka sendiri, nama ketenangan rumah tangga (versi film ini dari kalimat terkenal dari Ford’s Valance ketika legenda menjadi fakta, cetak legenda).

The Fabelmans berakhir sebelum bisa sampai ke kisah legendaris Spielberg yang mengarahkan Joan Crawford dalam sebuah episode Night Gallery pada usia 19 tetapi menggantikan momen yang sama mendebarkan, pertemuan singkat Spielberg dengan pahlawannya Ford (dimainkan dalam pukulan ahli casting oleh David Lynch) yang membutuhkan waktu hampir sama lama menyalakan cerutu saat dia berbicara kepada tamunya.

Tentu saja, masih banyak lagi kisah pribadi Spielberg. Tapi ini adalah film, dan film tidak bisa mencakup segalanya, seperti halnya buku atau drama. Spielberg dan rekan penulisnya Tony Kushner (yang bekerja dengan Spielberg di Munich, Lincoln. Bagaimana Anda mendefinisikan kebahagiaan?

Dan apakah mungkin untuk mencapainya tanpa menyakiti orang lain? Jawabannya, ternyata, tidak. Semua karakter dalam The Fabelmans dapat dibagi menjadi tiga kategori. Beberapa menyadari bahwa mereka tidak bahagia dan melakukan yang terbaik untuk mengubah situasi mereka. Yang lain tetap tidak bahagia karena mereka tidak cukup berani (atau cukup kejam) untuk mengambil langkah yang diperlukan. Dan sedikit yang beruntung tidak mengkhawatirkannya karena mereka sudah bahagia.

Kushner dan Spielberg membentuk banyak cerita menjadi adegan mandiri dengan awal, tengah, dan akhir, seperti dalam drama panggung. Tapi tentu saja, Spielberg tidak merekam apa pun dengan cara panggung yang klise, sebaliknya, dia sekali lagi menunjukkan apa yang dilakukan Orson Wellesmemperhatikan tentang dia di awal karirnya yaitu bahwa dia adalah sutradara besar pertama yang indra visualnya tidak dibentuk oleh lengkungan proscenium.

Sebagian besar film diceritakan dalam waktu lama yang tidak terasa pamer karena pemblokiran Spielberg selalu untuk memperdalam karakter dan mengilustrasikan tema. Lihat saja adegan pembuka di luar bioskop, yang diakhiri dengan siluet Sammy muda di tengah bingkai yaitu garis pemisah manusia, dengan ayahnya (yang berbicara tentang sinema dalam hal fotografi dan kegigihan penglihatan) di satu sisi dan ibunya (yang memberitahunya film terutama tentang perasaan dan mimpi) di sisi lain.

Pada akhirnya, semuanya kembali kepada orang-orang yang mencari tahu siapa mereka dan kemudian memutuskan apakah akan berkomitmen penuh pada kursus yang menurut mereka akan memberi mereka kebahagiaan terbesar. Bahwa film meninggalkan pertanyaan mendalam yang belum terselesaikan dan menyajikan semua masalah filosofis dan estetika terkait dengan cara yang menyenangkan (bidikan terakhir adalah lelucon). Membuat pengalaman Spielberg menjadi klasik. Anda pikir dia memberi Anda segalanya dan semuanya ada di permukaan. Tetapi semakin lama Anda duduk dengannya, semakin Anda menyadari betapa banyak hadiah yang dikandungnya.

Review Film Drama Misteri Lost Girls – Lost Girls merupakan film drama misteri Amerika tahun 2020. Lost Girls disutradarai oleh Liz Garbus, dari skenario oleh Michael Werwie, dan berdasarkan buku Lost Girls: An Unsolved American Mystery oleh Robert Kolker. Film ini berkisah tentang pembunuhan pekerja seks wanita muda di pulau penghalang Pantai Selatan Long Island, yang dilakukan oleh pembunuh berantai Long Island, yang masih belum teridentifikasi.

Review Film Drama Misteri Lost Girls

thecinemalaser – Lost Girls dibintangi oleh Amy Ryan sebagai aktivis kehidupan nyata Mari Gilbert, bersama dengan Thomasin McKenzie, Lola Kirke, Oona Laurence, Dean Winters, Miriam Shor, Reed Birney, Kevin Corrigan, dan Gabriel Byrne.  Film ini tayang perdana di Sundance Film Festival pada 28 Januari 2020, dan kemudian dirilis pada 13 Maret 2020 oleh Netflix. Mari Gilbert tanpa henti mendorong agen penegak hukum untuk mencari putrinya yang hilang, Shannan, dan, dalam prosesnya, menjelaskan gelombang pembunuhan yang belum terpecahkan terhadap pekerja seks wanita muda di pulau penghalang South Shore di Long Island, yang dilakukan oleh Long Island pembunuh berantai.

Pada Maret 2016, diumumkan bahwa Liz Garbus akan menyutradarai film tersebut, dari skenario karya Michael Werwie, berdasarkan buku dengan judul yang sama karya Robert Kolker. Kevin McCormack, David Kennedy, Rory Koslow, Amy Nauiokas, dan Anne Carey berperan sebagai produser dalam film tersebut, sementara Pamela Hirsch menjadi produser eksekutif. Amazon Studios awalnya ditetapkan untuk didistribusikan. Pada Februari 2017, Sarah Paulson ditetapkan untuk membintangi film tersebut sebagai aktivis kehidupan nyata Mari Gilbert. Pada Mei 2018, Amy Ryan menggantikan Paulson, dan Netflix ditetapkan sebagai distributor.

Pada Oktober 2018, Thomasin McKenzie (yang keluar dari Top Gun: Maverick untuk mengerjakan film), Gabriel Byrne, Oona Laurence, Lola Kirke, Miriam Shor, Reed Birney, Kevin Corrigan, dan Rosal Colon bergabung dengan para pemain. Fotografi utama dimulai pada 15 Oktober 2018, di New York City. Film ini ditayangkan perdana di Sundance Film Festival pada 28 Januari 2020, dan dirilis pada 13 Maret 2020, oleh Netflix.

Lost Girls memiliki peringkat persetujuan 73% di situs web agregator ulasan Rotten Tomatoes, berdasarkan 48 ulasan, dengan rata-rata tertimbang 6,19/10. Konsensus kritis situs tersebut berbunyi, “Mentah namun bermanfaat, Lost Girls mengatasi penceritaan yang tidak merata dengan penampilan yang kuat dan kemauan untuk menolak katarsis yang mudah.” Di Metacritic, film ini mendapat peringkat 69 dari 100, berdasarkan 13 kritik, menunjukkan “ulasan yang umumnya menguntungkan.”

Ulasan

Sangat mengasyikkan, dan mempesona, untuk melihat sutradara film dokumenter yang hebat mencoba fitur dramatisnya, karena secara teori, keahlian penting semuanya harus ada di sana. Dokumenter terbaik memiliki indra visual yang tajam, dan mereka semua, tentu saja, adalah pendongeng yang kuat. Namun untuk setiap upaya crossover semacam ini yang menang, seperti Terry Zwigoff melompat dari “Crumb” ke “Ghost World,” ada banyak lagi yang tidak. Ingat “Bacon Kanada” Michael Moore? Atau “Havoc” karya Barbara Kopple? Atau Dan kemudian ada “All Good Things” karya Andrew Jarecki, sebuah upaya, oleh pencipta “Capturing the Friedmans,” untuk mendramatisasi kehidupan terdakwa pembunuh Robert Durst yang terbukti menjadi film ambisius yang canggung sehingga mendorongnya untuk kembali ke nonfiksi dengan serial dokumenter Robert Durst yang jauh lebih kuat “The Jinx.”

Namun, dalam “Lost Girls”, pembuat film dokumenter hebat Liz Garbus (“What Happened, Miss Simone?,” “Searching for Bobby Fischer”) memasuki ranah drama seolah-olah dilahirkan untuk itu. Film, berdasarkan kisah nyata yang dimulai pada tahun 2010 (itu diadaptasi dari buku terlaris nonfiksi Robert Kolker 2013 “Lost Girls: An Unsolved American Mystery”), adalah tentang seorang ibu dari tiga anak yang putus asa dan basah kuyup di Long Island, Mari Gilbert (Amy Ryan ), yang mengetahui bahwa putri sulungnya, Shannan, yang berusia sekitar 20 tahun dan telah menjadi pekerja seks yang tinggal di Jersey City, NJ, telah hilang.

Apakah dia dibunuh? Ketakutan akan hal itu mendorong Mari menjadi kemarahan yang protektif tetapi tidak berdaya  meskipun saat kita pelajari, dia marah tentang banyak hal lain, termasuk kegagalannya sendiri sebagai seorang ibu. Dan itu sebelum polisi menemukan empat mayat yang terpotong-potong di pinggir jalan raya. Apa yang dimulai sebagai kasus orang hilang berubah menjadi kisah perburuan seorang pembunuh berantai. “Lost Girls” dibangun di sekitar obsesi seorang ibu yang sedih untuk belajar, dengan cara apa pun, apa yang terjadi pada anaknya, dan itu mungkin mengingatkan Anda pada drama misteri lain yang berakar pada bahaya kotor industri seks sungguh-sungguh (dan eksploitatif licik) daughter-was-a-pelacur film TV, film thriller Hollywood baik dan buruk.

Baca Juga : Review Film Murina ,The Old Knives Dan The Outfit

Ini juga memiliki tautan ke “Hardcore” dan “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri” karya Paul Schrader. Apa yang kita harapkan dari film ini, hampir tak terelakkan, adalah semacam investigasi mendalam ke dalam mur dan baut buruk kehidupan yang dipimpin Shannan kehidupan ponsel yang membius, tidak stabil, tiga-putaran dari seorang pekerja seks di era Craiglist. Tapi “Lost Girls” adalah drama orisinal yang angker dan gigih yang menghilangkan kategorisasi yang mudah. Terletak di dalam dan di sekitar kota kecil Ellenville, itu berakar pada kesedihan Long Island yang atmosfernya gelap: jalan-jalan utama hancur di bawah langit mendung, anonimitas kelas menengah yang sunyi dari semuanya.

Mari, seorang ibu tunggal, bekerja dua pekerjaan (dia harus berjuang untuk shift ekstra untuk mengoperasikan buldoser di lokasi konstruksi, dan juga pelayan restoran), dan putri bungsunya (Oona Laurence), meskipun dia tampak seperti gadis yang baik. , mulai bertingkah di sekolah. Mari, di sela-sela minum bir setelah jam kerja, menyatukan keluarganya, tetapi hanya sedikit. Dan Garbus memfilmkan semua ini dengan kemurungan yang ada di bawah kulit Anda.

“Lost Girls” diambil dan diedit dengan indah, kamar-kamar bermandikan kesuraman sedih yang sangat hidup, para aktor mencari seluruh dunia seperti orang sungguhan daripada aktor. Sebagai seorang pendongeng, Garbus bekerja dengan ritme dan aliran yang apik, memegang penonton di telapak tangannya. Namun “Gadis-Gadis Hilang,” dalam mengikuti naik turunnya kasus sebenarnya dari pembunuh berantai Long Island (yang tetap belum terpecahkan), dikandung dan dipentaskan menjadi semacam anti-thriller. Ini memiliki ketegangan yang nyata, tetapi dengan cara yang terus merusak harapan kami.

Shannan telah memberi tahu Mari bahwa dia akan datang untuk makan malam, dan ketika dia tidak pernah menunjukkan Mari tidak berpikir dua kali tentang itu. Tapi 48 jam kemudian ketakutan mulai membanjiri. Ada panggilan telepon yang aneh satu dari pacar Shannan, satu dari seseorang bernama Dr. Hackett. Jadi Mari memanggil polisi, yang tampak sepasif mungkin, dan dia kemudian berjalan ke kantor polisi Jersey City, menangis, menuntut agar mereka melakukan sesuatu. Yang menghasilkan hanya sedikit lebih banyak tindakan.

Review Film Murina ,The Old Knives Dan The Outfit – Murina Review ,Remaja berkemauan keras Julija (Gracija Filipovic) tinggal di sebuah pulau di lepas pantai Kroasia bersama ayahnya yang dominan, Ante (Leon Lučev), dan ibu yang patuh, Nela (Danica Curcic). Namun, dia memandang kedatangan Javier (Cliff Curtis), seorang teman jutawan orang tuanya, sebagai kesempatan untuk mengajukan tawaran kebebasan.

Review Film Murina ,The Old Knives Dan The Outfit

thecinemalaser.com – Seperti yang dia lakukan dalam film pendek 2017 Antoneta Alamat Kusijanovi, Into The Blue , Gracija Filipovic menghabiskan sebagian besar fitur debut rekan senegaranya Kroasia dalam pakaian renang. Memang, dia sering terlihat di laut, karena itu satu-satunya tempat di mana dia bisa melarikan diri dari ayah pengendali, Ante (Leon Lučev), dengan siapa dia pergi menyelam setiap pagi. Tembakan belut moray (dari mana film ini mengambil judulnya) menggeliat dalam ember berfungsi sebagai simbol situasi Julija, karena dia terkurung di rumah tepi pantai yang besar tapi mengubur yang Ante harapkan untuk ditukar dengan apartemen mewah di Zagreb jika dia dapat membujuk teman lama Javier (Cliff Curtis) untuk berinvestasi dalam proyek resor liburan.

Namun, citra Kusijanovi tidak selalu begitu. Ketika Julija mengetahui bahwa orang dewasa tidak selalu bermain sesuai aturan, sutradara dan sinematografer Hélène Louvart menggunakan urutan bawah air untuk menempatkannya dalam keadaan mati suri, sementara suasana hati yang membara meningkat saat Ante menyadari bahwa putrinya tidak hanya mencoba menggunakan kesadarannya yang tumbuh akan daya pikatnya sendiri untuk memikat Javier, tetapi juga untuk bersaing dengan ibunya Nela (Danica Curcic), yang dia salahkan atas penderitaannya karena dia telah menolak lamaran Javier untuk menikahi Ante.

Kehadiran Martin Scorsese sebagai produser eksekutif dan Caméra d’Or menang untuk fitur pertama terbaik di Cannes menambah pujian. Begitu pula dengan intensitas awas Filipovic, yang semakin menguatkan anggapan bahwa Julija terjebak dalam dongeng zaman akhir. Namun, untuk semua kecakapan visual dan intrik atmosfernya, kritik akut terhadap patriarkalisme kasar ini mengalami karakterisasi yang sederhana dan beberapa tindakan yang berlarut-larut dan membingungkan di gulungan terakhir. Kesalahannya lebih terletak pada naskahnya, yang ditulis bersama oleh Frank Graziano, daripada arahan Kusijanovic, yang cukup meyakinkan untuk menunjukkan bahwa hal-hal hebat dapat disimpan.

Menampilkan bagaimana surga bisa menjadi neraka, suguhan audiovisual ini dimainkan dengan penuh semangat oleh lead dan bulunya dengan ancaman merenung yang tidak bisa cukup menyamarkan sifat dasarnya melodramatis cerita.

The Old Knives

Terlepas dari upaya terbaik dari tim CIA, pembajakan pesawat berakhir dengan bencana. Bertahun-tahun kemudian, salah satu anggota tim itu, Henry (Chris Pine) ditugaskan untuk menemukan tahi lalat di tim yang mungkin bertanggung jawab — yang membawanya untuk bersatu kembali dengan mantan kolega dan kekasih Celia (Thandiwe Newton).

Baca Juga : The Willoughbys Film Komedi Animasi Komputer Kanada – Amerika

Di permukaan, All The Old Knives memiliki banyak kesamaan dengan entri lain dalam genre thriller mata-mata yang penuh sesak: spionase intens, ancaman teroris, lokasi globetrotting, aksi pacy, persilangan ganda berkelok-kelok, Chris Pine (dengan ini dan Kontraktor , itu satu dari dua film thriller yang dibintangi Pine keluar hanya beberapa minggu).

Urutan pra-kredit yang sangat berbahaya tentu saja menunjukkan hal yang sama, membangun fakta narasi dalam adegan eksposisi cepat: bertahun-tahun yang lalu, kita diberitahu, sebuah penerbangan dibajak, dan tim CIA yang ditugaskan untuk menangkap teroris berakhir dengan kegagalan. Saat ini, dengan sebagian besar anggota tim berpisah, satu agen harus mencari tahu apa yang sebenarnya terjadi.

Kedua garis waktu, dulu dan sekarang, diatur dengan tergesa-gesa bahkan sebelum kita mendapatkan gelar. Kemudian film itu menarik napas, dan membimbing kita ke dalam penceritaan elipsnya dengan hati-hati dan dengan pertimbangan. Arah dari Janus Metz Pedersen jelas dan jernih; naskahnya, oleh Olen Steinhauer (mengadaptasi novelnya sendiri dengan judul yang sama), lebih menyukai ketegangan yang didorong oleh dialog daripada adu senjata atau aksi. Sebagian besar drama hanya terungkap di ruang pertemuan, restoran, atau pub hujan. Para pembuat film jelas tertarik untuk menggambarkan mur dan baut spionase sebanyak apa pun: bertemu sumber, membangun kepercayaan, menyusun strategi, bernegosiasi. Hasilnya dahsyat dan menegangkan, meski kita kurang lebih tahu hasil pembajakan, kalau bukan tahi lalat.

Apa yang benar-benar membedakannya dari klon Bourne biasa , bagaimanapun, adalah drama romantis dan hampir psikoseksual yang menopang semuanya. Perangkat naratif yang membingkai film ini adalah makan malam reuni antara dua mantan kolega dan kekasih, Henry (Pine) dan Celia ( Thandiwe Newton ), saat mereka mengingat peristiwa bencana pembajakan anggur berkualitas dan hidangan tiga hidangan. Ada profesionalisme yang ketat (dan, harus dikatakan, tingkat detail yang hampir tidak masuk akal) pada ingatan mereka, yang dikacaukan oleh asmara mereka sebelumnya. Beberapa kebenaran yang tidak nyaman, mau tidak mau, muncul. Makan Malam Saya Dengan André , ini pasti bukan.

Mereka berdua adalah satu-satunya yang lolos, dan film ini dengan terampil menjalin hubungan mereka ke dalam plot mata-mata yang lebih luas. Tapi di atas semua itu, masih ada sesuatu yang bisa dikatakan — dalam pengertian Hollywood jadul — tentang hanya menonton dua orang yang sangat cantik dan menawan hanya menikmati makanan sambil menatap satu sama lain. Beberapa adegan, Pedersen hanya membiarkan wajah mereka memenuhi layar dalam close-up yang ekstrim, baik aktor yang menjual tahun-tahun penyesalan, kehilangan dan cinta. Pine dan Newton sangat pandai dalam hal ini, dan untuk semua sikapnya untuk menjadi drama yang serius — dan sebagian besar berhasil dalam hal itu — sama-sama memuaskan untuk menonton bintang film hanya menjadi bintang film.

Trailer All The Old Knives: Chris Pine Dan Thandiwe Newton Selidiki Masa Lalu

Menggali masa lalu adalah tema umum dalam beberapa cerita mata-mata, dan inilah Chris Pine dan Thandiwe Newton untuk menginterogasi ulang salah satu misi mereka sebelumnya dalam film thriller baru All The Old Knives

Diadaptasi oleh penulis Oleg Steinhauer dari novelnya, dan disutradarai oleh Janus Metz karya Borg/McEnroe , All The Old Knives mengikuti apa yang terjadi ketika dua mantan kekasih bertemu untuk makan malam dan bernostalgia di kota indah Carmel-by-the-Sea , California. Tapi ini bukan reuni biasa.

Celia (Newton) pensiun dari CIA lima tahun lalu untuk membesarkan keluarga, sementara Henry (Pine) tidak pernah meninggalkan stasiun Wina, masih terperosok dalam dunia rahasia dan bermuka dua.

Di antara kenangan mereka adalah pembajakan yang menghancurkan Penerbangan 127, yang berakhir dengan kematian semua penumpang dan awak, serta para pembajak. Ini adalah kegagalan yang menghantui stasiun Wina hingga hari ini.

Henry datang untuk makan malam untuk akhirnya menutup buku tentang bab kumuh sejarah mereka. Salah satu dari mereka tidak akan selamat dari makanan ini…

Dengan Jonathan Pryce , Laurence Fishburne , Gala Gordon, Corey Johnson, Colin Stinton dan Ahd Kamel juga sebagai pemerannya, film ini akan dirilis secara terbatas di bioskop Inggris dan Amerika Serikat dan di Prime Video mulai 8 April.

The Outfit Review

Chicago, 1956. Leonard Burling (Mark Rylance) membuat setelan untuk orang-orang cerdas di kota, kebanyakan dari mereka adalah penjahat. Suatu malam, dunia bawah yang kejam berdarah ke tokonya dan Leonard berada di jantung perburuan untuk menemukan tahi lalat yang mengkhianati mafia paling kuat di kota. Tidak semua orang akan melihat pagi.

Menyebut sebuah film “bertahap” biasanya sedikit menghina, menunjukkan suasana teatrikal buatan dan perasaan semua orang mungkin akan membungkuk pada akhirnya. The Outfit tidak dapat disangkal panggung, tetapi tampaknya pilihan yang disengaja, dan efektif, oleh sutradara pertama kali Graham Moore (pemenang Oscar Skenario Adaptasi Terbaik untuk The Imitation Game ). Whodunnit jahatnya mengumpulkan beberapa karakter dalam satu latar dan mengungkap rahasianya dengan cara yang intim dan sederhana. Pasti ada bagian di mana Anda mungkin ingin berdiri dan bertepuk tangan.

Bertempat di Chicago pada tahun 1956, The Outfit mengambil tempat di toko pakaian pria yang dijalankan oleh Leonard Burling ( Mark Rylance ), seorang Inggris yang sangat sopan. Dia dibantu oleh resepsionis Mable ( Zoey Deutch ), yang merindukan hal-hal yang lebih baik. Sebagian besar pelanggan Leonard adalah gangster yang menggunakan ruang belakangnya sebagai tempat untuk bertukar pesan melalui kotak surat sederhana. Leonard mengawasi pekerjaannya. Artinya, sampai Richie ( Dylan O’Brien ), putra bos Mob lokal (Simon Russell Beale), datang dengan luka tembak yang sangat berdarah dan cerita tentang tahi lalat berbahaya. Richie dan wakilnya yang bermuka masam, Francis ( Johnny Flynn), menyandera Leonard saat mereka mencoba mencari tahu identitas tahi lalat. Segera ada mayat dan semakin banyak tersangka.

Moore menggunakan satu set dan arketipe genre yang luas — bos Mob yang dingin, putra yang sombong, wakil yang cemburu, resepsionis yang gagah — tetapi kesederhanaan ini terasa perlu karena tidak ada yang sederhana tentang plotnya. Ada putaran hampir setiap menit saat Moore mengarahkan jari ke segala arah dan menodongkan pistol ke kepala semua orang. Ini bergerak dengan kecepatan yang cepat, namun ditambatkan oleh kinerja yang sangat tenang oleh Rylance, yang mencocokkan Moore untuk perhatian terhadap detail, ia menggali rahasianya dengan hati-hati. Setiap garis dan potongan dipilih dengan presisi mutlak. Jika Anda pikir Anda tahu apa yang akan terjadi, hingga detik-detik terakhir, Anda mungkin salah.

The Outfit mengikuti pola yang dibuat oleh film gangster yang tak terhitung jumlahnya di masa lalu, tetapi kesegarannya ada dalam kecerdasan dan kejutan naskahnya. Seperti setelan yang dibuat dengan baik, itu tidak kuno

The Willoughbys Film Komedi Animasi Komputer Kanada – Amerika – The Willoughbys adalah film komedi animasi komputer Kanada-Amerika tahun 2020 yang disutradarai oleh Kris Pearn dan disutradarai oleh Rob Lodermeier. Berdasarkan buku dengan judul yang sama karya Lois Lowry, skenario film ini ditulis oleh Pearn dan Mark Stanleigh, dan dibintangi oleh Will Forte, Maya Rudolph, Alessia Cara, Terry Crews, Martin Short, Jane Krakowski, Seán Cullen, dan Ricky Gervais, yang juga meriwayatkan film tersebut dan mengikuti empat anak (termasuk si kembar) yang berusaha mencari orang tua baru untuk menggantikan orang tua mereka yang egois dan mengabaikan.

The Willoughbys Film Komedi Animasi Komputer Kanada – Amerika

thecinemalaser – The Willoughbys dirilis di Netflix pada 22 April 2020 dengan 37 juta orang menonton film tersebut. Film ini mendapat pujian kritis setelah dirilis, memuji animasi, akting, cerita, dan soundtracknya oleh Mark Mothersbaugh, serta memuji lagu Cara, “I Choose”. Film ini telah memenangkan tiga penghargaan termasuk Annie Award untuk Fitur Animasi Terbaik. Pada November 2015, Bron Studios memperoleh hak film animasi untuk buku Lois Lowry The Willoughbys, dan mempekerjakan Kris Pearn untuk mengadaptasinya menjadi sebuah skenario dengan Adam Wood untuk mengarahkan film, dengan Aaron L. Gilbert dan Luke Carroll sebagai produser.

Pada bulan April 2017, Ricky Gervais berperan dalam film tersebut untuk memainkan narator serta salah satu karakter dan dilaporkan bahwa Pearn akan ikut menyutradarai film tersebut dengan Cory Evans. Namun skenarionya digantikan oleh Pearn dan Mark Stanleigh dengan cerita oleh Pearn yang juga menjadi produser eksekutif film tersebut. Pada bulan Juni 2017, para pemain diperluas untuk memasukkan, Terry Crews, Maya Rudolph, Martin Short, Jane Krakowski, dan Seán Cullen. Will Forte dan Alessia Cara (dalam peran animasi pertamanya) juga mengisi suara mereka, dengan Netflix akan mendistribusikan film tersebut. Film ini diproduksi di studio Bron Animation di Burnaby, British Columbia.

Karakter dalam film ini dirancang oleh desainer karakter Craig Kellman, yang mendesain karakter untuk Madagaskar DreamWorks Animation dan Hotel Transylvania dari Sony Pictures Animation, serta The Addams Family dari Metro-Goldwyn-Mayer. Musik dalam film tersebut disusun dan dibawakan oleh Mark Mothersbaugh, yang sebelumnya bekerja dengan Pearn on Cloudy with a Chance of Meatballs 2. Lagu asli “I Choose” (dinyanyikan oleh Alessia Cara, yang memainkan suara Jane dalam film tersebut) dirilis secara independen oleh Def Jam Recordings.

Plot Twist

Seekor kucing tabby biru (disuarakan oleh Ricky Gervais) menceritakan kisah keluarga Willoughbys, yang pernah dianggap sebagai keluarga yang bangga dan kreatif, penuh dengan pria dan wanita terhebat selama beberapa generasi. Tuan (Walter) dan Nyonya (Helga) Willoughby saat ini, bagaimanapun, terlalu terpikat satu sama lain untuk merawat keempat anak mereka, mengabaikan dan melecehkan mereka secara emosional. Tim (disuarakan oleh Will Forte), yang tertua dari empat, membesarkan dirinya dan saudara-saudaranya, tetapi menderita beban hukuman karena disalahkan oleh tindakan mereka, terutama dengan dilemparkan ke tempat sampah sebagai hukuman bahkan untuk pelanggaran kecil.

Jane (disuarakan oleh Alessia Cara), anak tengah, adalah yang paling blak-blakan dari kelompok itu, dan sering mendapat “diam” dari orang tuanya. Si kembar keduanya bernama Barnaby (keduanya disuarakan oleh Seán Cullen), adalah yang termuda dan paling cerdas. Setelah menemukan bayi yatim piatu, Jane membawanya masuk. Ketika dia membuat kekacauan di ruang tamu, orang tua Willoughby mengusir kelima anaknya dari rumah, melarang anak-anak mereka kembali kecuali mereka menyingkirkan bayi itu. Tim menyalahkan Jane untuk ini, tetapi Jane mengatakan kepadanya bahwa dia tahu di mana mereka dapat menemukan rumah yang sempurna. Mereka meninggalkan bayi, yang Tim beri nama “Ruth”, di ambang pintu pabrik permen Komandan Melanoff (disuarakan oleh Terry Crews) di ujung pelangi.

Karena belum pernah keluar rumah, saudara-saudaranya percaya bahwa pabrik permen adalah rumah yang sempurna, dan, dalam perjalanan pulang, mulai menyusun rencana untuk memperbaiki kehidupan mereka dengan membebaskan diri dari orang tua yang kejam, dan melakukannya dengan menciptakan “liburan impian”. ” brosur untuk orang tua mereka, penuh dengan lokasi yang dapat membunuh atau melukai orang tua mereka, dan, dengan demikian, meninggalkan anak-anak Willoughby sendiri sebagai yatim piatu.

Orang tua segera pergi berlibur, meninggalkan saudara kandung tanpa pengetahuan tentang bagaimana menghangatkan rumah atau menyiapkan makanan mereka sendiri. Untungnya, “pengasuh murah” (disuarakan oleh Maya Rudolph) yang disewa orang tua mereka segera muncul untuk merawat mereka. Jane menghangat padanya segera, dengan Barnabys mengikuti segera setelah itu, sementara Tim tetap tidak percaya padanya. Tim menolak untuk memakan gandumnya meskipun tidak makan apa pun selama berhari-hari sebelum kedatangannya. Tak lama kemudian Tim berperilaku buruk (secara tidak sengaja melemparkan gandum ke arahnya saat dia membanting tinjunya ke meja), Nanny mencoba untuk menempatkan Tim dalam time-out sebagai hukuman, tetapi segera mulai belajar tentang pengabaian dan pelecehan yang dilakukan pada anak-anak dan bergegas pergi ke pabrik Melanoff dengan anak-anak di belakangnya ketika dia tahu tentang Ruth.

Baca Juga : Seputar Informasi Tentang Film The Red Shoes

Setelah menyelamatkan Ruth dari jalur perakitan, Nanny dan Melanoff memberi makan bayi itu oatmeal. Melanoff menjelaskan bahwa dia berencana untuk meninggalkan Ruth ke Departemen Layanan Yatim setelah dia masuk, tetapi dengan sangat cepat menjadi terikat padanya, sangat melegakan Nanny. Nanny menyadari bahwa Ruth akan aman tinggal di pabrik.

Sementara itu, orang tua Willoughby entah bagaimana selamat dari bencana yang direncanakan oleh anak-anak mereka, tetapi bangkrut. Takut kembali ke rumah mereka dan kemudian anak-anak mereka, mereka memutuskan untuk menjual rumah tua Willoughby untuk melanjutkan petualangan mereka. Mereka memberi tahu Nanny tentang tindakan mereka dan menuntut dia mencari tahu apa yang harus dilakukan dengan anak-anak sendirian.

Tim, yang masih tidak terlalu percaya pada Nanny, mencuri ponselnya untuk mencari tahu apa yang dia lakukan setelah membaca teks dan mendengar pesan suara yang ditinggalkan ayahnya ketika mereka tiba kembali di rumah Willoughby. Tim mengetahui tentang penjualan dan dengan bantuan saudara-saudaranya, berhasil menakut-nakuti semua pembeli potensial pada hari berikutnya. Nanny menakuti “Keluarga Sempurna”, mengatakan bahwa tugasnya adalah menjaga anak-anak terlebih dahulu, keinginan orang tua kedua, dan akhirnya mendapatkan kepercayaan Tim. Namun, sebelum calon pembeli datang, Tim menelepon Orphan Services, percaya Nanny memiliki niat buruk dari apa yang dia temukan di teleponnya. Agen Alice Vernakov dan Layanan Orphan tiba dan mengungkapkan panggilan Tim, membuat Nanny (terungkap sebagai Linda, seorang yatim piatu yang tidak pernah menemukan rumah yang penuh kasih) kehilangan kepercayaannya pada anak-anak dan menyebabkan dia pergi sambil menangis.

Patah hati atas kepergian Linda dan marah pada Tim karena mengusirnya, Jane mencela dia karena sifat suka memerintah dan tindakan egoisnya tepat sebelum anak-anak Willoughby dipisahkan dan dibawa ke panti asuhan yang terpisah. Keluarga Barnaby dibawa ke rumah modern di mana mereka berhenti menciptakan dan dimanjakan dengan internet dan teknologi modern. Jane dikirim ke rumah New Age yang mencintai musik, tetapi terlalu sedih karena kehilangannya untuk berpartisipasi dalam kegiatan mereka. Tim, sementara itu, berulang kali melarikan diri dari keluarga angkatnya yang bermaksud baik dan akhirnya ditempatkan di sel di Kantor Pusat Layanan Yatim Piatu setelah menyaksikan penjualan dan pembongkaran rumah Willoughby selama upaya terakhirnya. Linda, setelah Kucing campur tangan saat dia meninggalkan kota dengan bus dengan membawa helm Tim kepadanya, didorong untuk kembali untuk anak-anak.

Dia menyamar sebagai petugas kebersihan bernama “Phil” untuk menyelinap ke Kantor Pusat Layanan Yatim Piatu untuk mengambil Tim, yang awalnya menolak bantuannya karena rasa bersalah karena telah mengusirnya dan menghancurkan keluarganya dalam prosesnya. Linda, bagaimanapun, berhasil mengeluarkannya dari depresi dengan cinta yang kuat, memberi tahu Tim bahwa saudara-saudaranya membutuhkannya dan mengembalikan helmnya. Mereka keluar dari Markas Besar dan menyatukan kembali saudara kandung Willoughby, dan Tim berdamai dengan Jane.

Namun, semua orang segera menyadari bahwa satu-satunya cara keluarga Willoughbys bisa mendapatkan Layanan Yatim Piatu dari punggung mereka adalah jika mereka memiliki orang tua mereka. Dengan bantuan Linda, Ruth dan Melanoff, Willoughbys membuat balon untuk menyelamatkan mereka dari “Unclimbable Alps” di tujuan akhir mereka, Sveetserlünd (parodi Swiss yang jelas.) Saudara-saudara memutuskan untuk menggunakan balon terlalu dini, meninggalkan Nanny , Ruth dan Melanoff. Saat mereka mencapai tujuan mereka, mereka mengikuti jejak benang ibu mereka ke puncak gunung, di mana mereka menemukan orang tua mereka hampir mati beku. Saudara kandung dan Kucing menyelamatkan mereka, mengaku bahwa mereka mengirim mereka pergi tetapi berharap untuk bersatu kembali sebagai sebuah keluarga.

Kakak beradik memohon kepada orang tua mereka untuk kembali ke rumah sehingga mereka dapat terus menjadi sebuah keluarga. Namun, orang tua kemudian mengungkapkan bahwa mereka masih sangat egois dan mencuri balon, meninggalkan anak-anak lagi, tetapi orang tua tidak tahu bagaimana mengarahkan balon dan mereka mengendarainya ke puncak gunung yang lebih rendah, yang mengakibatkan itu meletus dan akhirnya jatuh ke laut.

Tanpa cara untuk turun, anak-anak Willoughby mulai membeku sampai mati di atas Pegunungan Alpen yang Tidak Dapat Dipanjat. Saudara-saudara bersiap untuk menyerah pada kedinginan saat Jane bernyanyi untuk mereka. Untungnya, Ruth, Melanoff dan Nanny menemukan mereka sebelum mereka mati kedinginan, setelah mengikuti balon itu. Sekarang secara resmi yatim piatu, keluarga Willoughby diadopsi oleh Linda dan Melanoff, menjalani kehidupan yang jauh lebih bahagia di pabrik permen Melanoff bersama mereka, Ruth, dan Kucing. Sementara itu, Mr dan Mrs Willoughby terbukti selamat dari kecelakaan balon dan mengambang di laut. Namun, mereka kemudian dimakan oleh hiu.

Seputar Informasi Tentang Film The Red Shoes – The Red Shoes adalah sebuah film drama Britania Raya tahun 1948 yang ditulis, disutradarai, dan diproduksi oleh Michael Powell dan Emeric Pressburger . Ini mengikuti Victoria Page ( Moira Shearer ), seorang balerina yang bergabung dengan Ballet Lermontov yang terkenal di dunia, yang dimiliki dan dioperasikan oleh Boris Lermontov ( Anton Walbrook ), yang menguji dedikasinya pada balet dengan membuatnya memilih antara kariernya dan romansa dengan komposer Julian Kawah ( Marius Goring ).

Seputar Informasi Tentang Film The Red Shoes

thecinemalaser – Ini menandai debut film fitur Shearer, seorang balerina mapan, dan juga menampilkan Robert Helpmann , Léonide Massine , dan Ludmilla Tchérina , penari terkenal lainnya dari dunia balet. Plotnya didasarkan pada dongeng eponymous tahun 1845 oleh Hans Christian Andersen , dan menampilkan balet di dalamnya dengan judul yang sama, juga diadaptasi dari karya Andersen.

The Red Shoes adalah kolaborasi kesepuluh tim pembuat film Powell dan Pressburger dan tindak lanjut dari Black Narcissus tahun 1947 . Ini awalnya disusun oleh Powell dan produser Alexander Korda pada 1930-an, dari siapa duo tersebut membeli hak pada tahun 1946. Mayoritas pemerannya adalah penari profesional. Pembuatan film The Red Shoes berlangsung pada pertengahan tahun 1946, terutama di Prancis dan Inggris.

Setelah dirilis, The Red Shoes menerima pujian kritis, terutama di Amerika Serikat, di mana ia menerima total lima nominasi Academy Award , termasuk kemenangan untuk Best Original Score dan Best Art Direction . Film tersebut juga memenangkan Penghargaan Golden Globe untuk Skor Asli Terbaik , dan dinobatkan sebagai salah satu dari 10 Film Terbaik Tahun Ini oleh Dewan Peninjau Nasional . Meskipun demikian, beberapa kritikus tari memberikan ulasan yang kurang baik terhadap film tersebut karena mereka merasa film tersebut fantastis, impresionistisurutan centerpiece menggambarkan balet dengan cara yang tidak realistis. Film ini membuktikan kesuksesan finansial yang besar, dan merupakan film Inggris pertama dalam sejarah yang meraup lebih dari $5 juta dalam persewaan teater di Amerika Serikat.

Secara retrospektif, The Red Shoes dianggap sebagai salah satu film terbaik dari kemitraan Powell dan Pressburger dan salah satu film terhebat sepanjang masa . Film tersebut terpilih sebagai film Inggris terbesar ke – 9 sepanjang masa oleh British Film Institute pada tahun 1999. Film ini menjalani restorasi digital ekstensif mulai tahun 2006 di UCLA Film and Television Archive untuk memperbaiki kerusakan signifikan pada negatif aslinya. Versi film yang dipulihkan diputar di Festival Film Cannes 2009 , dan kemudian diterbitkan dalam bentuk Blu-ray oleh The Criterion Collection. Pada tahun 2017, jajak pendapat dari 150 aktor, sutradara, penulis, produser, dan kritikus untuk majalah Time Out melihatnya sebagai film Inggris terbaik ke-5 yang pernah ada.

Alur

Pada pertunjukan Balet Lermontov di Gedung Opera Covent Garden , mahasiswa musik Julian hadir untuk mendengarkan skor balet Heart of Fire , yang disusun oleh gurunya, Profesor Palmer. Hadir secara terpisah adalah Victoria ‘Vicky’ Page, seorang penari muda tak dikenal dari latar belakang bangsawan, bersama bibinya, Lady Neston. Saat Heart of Fire berkembang, Julian mengakui musik sebagai salah satu komposisinya sendiri. Selama pertunjukan, Profesor Palmer menerima undangan ke pesta setelah balet di kediaman Lady Neston, juga meminta Boris Lermontov, impresario perusahaan, untuk menghadiri. Julian meninggalkan pertunjukan dengan kecewa pada plagiarisme musiknya oleh profesornya. Lermontov dan Vicky bertemu, dan dia mengundangnya ke latihan perusahaan.

Julian telah menulis surat kepada Lermontov untuk menjelaskan keadaan di balik Heart of Fire , tetapi kemudian mencoba mengambil kembali surat itu. Asisten Lermontov, Dimitri, menggagalkan semua upaya Julian untuk masuk ke suite Lermontov, tetapi akhirnya Lermontov memberi Julian audiensi. Julian mengatakan bahwa dia ingin mengambil kembali suratnya sebelum Lermontov melihatnya, kecuali bahwa Lermontov telah membaca surat itu. Lermontov meminta Julian untuk memainkan salah satu karyanya sendiri di piano. Setelah mendengar permainan Julian, Lermontov menyadari bahwa Julian adalah komposer sejati Heart of Fire . Lermantov mempekerjakan Julian sebagai répétiteur untuk orkestra perusahaan dan asisten konduktor perusahaan, Livingstone Montague (dikenal dengan bahasa sehari-hari oleh perusahaan sebagai ‘Livy’).

Julian dan Vicky tiba untuk bekerja di Ballet Lermontov pada hari yang sama. Kemudian, Vicky menari dengan Ballet Rambert dalam pertunjukan siang Swan Lake di Mercury Theatre, Notting Hill Gate , dalam produksi dengan sebuah perusahaan yang dipimpin oleh Marie Rambert (yang muncul dalam film sebagai dirinya sendiri dalam cameo tanpa kata). Menonton pertunjukan ini, Lermontov menyadari potensinya dan mengundang Vicky untuk pergi bersama Balet Lermontov ke Paris dan Monte Carlo . Dia memutuskan untuk membuat peran utama untuknya dalam balet baru, The Ballet of the Red Shoes , di mana Julian akan menyediakan musiknya.

Balet Sepatu Merah sukses besar dan Lermontov menghidupkan kembali repertoar perusahaan dengan Vicky dalam peran utama dan Julian ditugaskan untuk menyusun skor baru. Sementara itu, Vicky dan Julian telah jatuh cinta, tetapi merahasiakan hubungan mereka dari Lermontov. Lermontov mulai memiliki perasaan pribadi terhadap Vicky; dia membenci romansa antara dia dan Julian setelah mengetahuinya. Sang impresario memecat Julian; Vicky meninggalkan perusahaan bersamanya. Mereka menikah dan tinggal di London, tempat Julian bekerja menyusun opera baru.

Beberapa waktu kemudian saat bepergian, Vicky menerima kunjungan dari Lermontov, yang meyakinkan dia untuk kembali ke perusahaan untuk menari kebangkitan Balet Sepatu Merah . Pada malam pembukaan, Julian muncul di ruang ganti; dia telah meninggalkan pemutaran perdana operanya di Covent Garden untuk menemukannya dan membawanya kembali. Lermontov tiba; dia dan Julian bersaing untuk mendapatkan kasih sayang Vicky, masing-masing berargumen bahwa takdirnya yang sebenarnya hanya bersamanya. Terpecah antara cintanya pada Julian dan kebutuhannya untuk menari, dia akhirnya memilih yang terakhir.

Julian, menyadari bahwa dia telah kehilangan dia, pergi ke stasiun kereta api; Lermontov menghibur Vicky dan mencoba mengalihkan perhatiannya ke pertunjukan malam itu. Vicky dikawal ke panggung mengenakan sepatu merah dan, tampaknya di bawah pengaruh mereka, berbalik dan lari dari teater. Julian, di peron stasiun kereta api, berlari ke arahnya. Vicky melompat dari balkon dan jatuh di depan kereta yang mendekat, yang menabraknya. Apakah ini bunuh diri atau pembunuhan (dengan sepatu merah) dibiarkan ambigu.

Tak lama setelah itu, Lermontov yang terguncang muncul di hadapan penonton untuk mengumumkan bahwa, “Nona Page tidak dapat menari malam ini—bahkan malam lainnya”. Sebagai tanda hormat, perusahaan menampilkan Balet Sepatu Merahdengan sorotan pada ruang kosong tempat Vicky berada. Saat Vicky kehabisan darah di atas tandu, dia meminta Julian untuk melepas sepatu merahnya, tepat saat balet berakhir.

Rilis

Setelah rilis awal di Inggris pada bulan September 1948, film ini merupakan film berpenghasilan rendah, karena Organisasi Peringkat tidak mampu menghabiskan banyak untuk promosi karena masalah keuangan yang parah diperburuk oleh biaya Caesar dan Cleopatra (1945). Juga, menurut Powell, Organisasi Pangkat tidak memahami manfaat artistik film tersebut, dan ketegangan dalam hubungan antara Pemanah dan Pangkat ini menyebabkan berakhirnya kemitraan di antara mereka, dengan Pemanah pindah bekerja untuk Alexander Korda.

Baca Juga : Review-Film Konser Elegan dan Eksentrik Bill Murray

Meskipun kurangnya iklan, film ini kemudian menjadi film paling populer keenam di box office Inggris pada tahun 1948. Menurut Kinematograph Weekly ‘pemenang terbesar’ di box office pada tahun 1948 Inggris adalah The Best Years of Our Lives with Spring in Park Lane menjadi film Inggris terbaik dan “runner up” adalah It Always Rains on Sunday , My Brother Jonathan , Road to Rio , Miranda , An Ideal Husband , The Naked City , The Red Shoes , Green Dolphin Jalan , Selamanya Kuning ,Hidup dengan Ayah , Seks yang Lebih Lemah , Oliver Twist , The Fallen Idol dan The Winslow Boy.

Film ini tayang perdana di Amerika Serikat pada New York City ‘s Bijou Theater pada tanggal 21 Oktober 1948, didistribusikan oleh Elang-Lion Films. Pada akhir tahun, ia telah memperoleh $2,2 juta dari sewa AS. [47] Pertunjukan tersebut berakhir di teater ini pada 13 November 1950, diputar selama total 107 minggu. Keberhasilan penayangan ini meyakinkan Universal Pictures bahwa The Red Shoes adalah film yang berharga dan mereka mengambil alih distribusi AS pada tahun 1951. The Red Shoes kemudian menjadi salah satu film Inggris dengan pendapatan tertinggi sepanjang masa, dengan memecahkan rekor kotor lebih dari $5 juta. Itu membuat keuntungan yang dilaporkan sebesar £785.700.

Review-Film Konser Elegan dan Eksentrik Bill Murray – Murray dan sesama musisi Jan Vogler dan Vanessa Perez memulai penyelidikan  peradaban menggunakan (olehnya) bacaan ceria dan nyanyian dingin. Mungkin Anda ada di sana. Ide musik malam dan pertunjukan mulut budaya lama   sangat menarik. Legenda Hollywood Bill Murray menyanyikan bacaan sastra yang lucu & terkadang lagu-lagu jelek, menggunakan pemain cello Jan Vogler, pemain biola Mira Wan (menikah dengan Vogler), & Vanessa Perez bermain piano. Yang dibacakan oleh James Fenimore Cooper, Hemingway, & James Thurber, & yang diperankan sang Gershwin & Schubert.

Review-Film Konser Elegan dan Eksentrik Bill Murray

thecinemalaser.com – Ini merupakan rekaman dari malam terakhir tur dunia pertunjukan  pada anjung Acropolis di Athena. Penampilan mereka yang dikuratori adalah penghormatan yang gesit & mengharukan bagi peradaban itu sendiri. Itu adalah malam yang elegan dan eksentrik pada banyak hal, dan mungkin hanya kehadiran Murray yang bisa mewujudkannya atau menjual tiket. Bagi aku , campuran audio terdengar ceroboh, jadi vokal Murray sering diredam oleh backing, tetapi mereka terdengar mengagumkan saat live. Lagu-lagunya, terutama dalam balada inspirasional Skotlandia, sangat menginspirasi, namun mungkin paling baik didengar dalam satu atau dua pint malt. Dari waktu ke waktu, kami mendekati daerah Florence Foster Jenkins, penyihir kelas atas yang digambarkan sang Meryl Streep. Namun, momen  Murray naik anjung ke Tango menggunakan Wang sangat rupawan & agak distilisasi oleh kedua penari. Hasil terbaik datang setelah Murray membacakan untuk Cooper buat saat yang usang dan lalu mengakui bahwa penonton mungkin bosan & berpikir sudah terlambat buat  membeli moussaka. … Sejujurnya, perasaan Moussaka belum pernah terlihat sebelumnya. Keunikan program ini adalah mencegah rasa lapar. Dunia Baru: Tempat lahir peradaban akan diputar di teater pada 22 Maret. … apabila Anda berasal menurut Indonesia, saya punya beberapa pertanyaan. Sejak kami mulai menerbitkan 200 tahun yg kemudian, puluhan juta orang mengandalkan jurnalisme penjaga yang tidak kenal takut dan berpaling kepada kami pada waktu krisis, ketidakpastian, solidaritas, & harapan. Saat ini, lebih dari 1,lima juta pendukung menurut 180 negara mendukung kami secara finansial. Akibatnya, kami  terbuka buat seluruh dan sangat mandiri.  Tidak seperti poly lainnya, Guardians tidak mempunyai pemegang saham atau pemilik jutawan. Tekad & semangat buat memberikan laporan global berpengaruh yg nir selalu dipengaruhi komersial atau politik. Pelaporan semacam ini  penting buat menuntut demokrasi, keadilan, dan kekuasaan yang lebih baik. Dan ini semua gratis & buat seluruh orang. Kami melakukan ini lantaran kami percaya dalam kesetaraan berita. Lebih poly orang bisa terinspirasi untuk mengikuti program global, tahu dampaknya terhadap orang & komunitas, &  merogoh tindakan yg berarti. Jutaan orang dapat memperoleh manfaat dari akses terbuka ke liputan berkualitas, terlepas berdasarkan apakah mereka bisa membelinya atau nir. Apabila kita punya saat untuk bergabung, sekaranglah saatnya. Setiap donasi,  akbar atau kecil, memperkuat jurnalisme kita dan melindungi masa depan kita.

Ulasan The Exorcism of God – altar besar horor setan yang mencolok

Seorang pendeta melakukan eksorsisme, hanya untuk menemukan bahwa dia memindahkan kejahatan ke tubuhnya sendiri dalam film sombong Alejandro Hidalgo

Terkadang saya pikir iblis ada di barisan Vatikan sendiri.” Sementara horor kehidupan nyata pelecehan anak Katolik Roma mungkin tidak akan duduk dengan mudah dalam film bergenre, film eksorsisme Meksiko-Venezuela bombastis tapi kadang-kadang mengejutkan ini terlibat dengan pelecehan seksual gerejawi dalam arti yang lebih umum. Sampai ke akhir penghujatannya, The Exorcism of God membakar dengan keinginan subversif untuk merobek selubung korupsi duniawi gereja – tetapi ikonoklasme agak dirusak oleh mekanik horor gila yang ditopang oleh sutradara Venezuela Alejandro Hildalgo.

Pendeta Amerika pemula Peter Williams (Will Beinbrink) dengan tidak bijaksana mengambil keputusan sendiri untuk memberi setan bermata kuning perintah berbaris dari tubuh seorang biarawati, Magali (Irán Castillo). Tapi, dihadapkan dengan succubus yang diikat ke tempat tidur, dia sementara dirasuki oleh entitas itu sendiri dan kehilangan kendali. Delapan belas tahun kemudian, dia tampaknya telah pulih dan dihormati di panti asuhan Meksiko. Tapi, anak-anak yang sekarat dalam asuhannya mengisyaratkan rahasia yang bernanah di bawah pemujaan ini; ketika dia dipanggil ke penjara neraka untuk memeriksa seorang tahanan yang terganggu, dia tiba-tiba harus menghadapi masa lalu lagi: “Dia tidak membutuhkan dokter. Dia membutuhkan seorang pendeta.” (Garis siap trailer, jika memang ada.)

Menciptakan kembali bidikan poster cahaya lampu dari The Exorcist, Hildalgo tidak benar-benar menyamarkan siapa yang dia sukai – meskipun filmnya adalah klasik William Friedkin seperti halnya hair metal bagi Led Zeppelin. Dia menyepuhnya dengan tebal – dari urutan pembukaan “seksorsis”, yang nada eksploitasinya mencemooh sebagian besar poin mendasar tentang penyimpangan, hingga imam super Joseph Marcell yang mengayunkan mezcal, hingga Kristus yang jahat dan berjalan seperti kepiting dalam mimpi buruk Williams. Mencoba meningkatkan pertarungan spiritual pendeta v iblis dengan memasukkan film ke wilayah quasi-slasher, dengan penjara yang penuh dengan narapidana yang kerasukan, benar-benar melompati sakramen. Bagian penutup memiliki kesombongan sinis yang tak terbantahkan, tetapi ini adalah altarpiece film horor yang besar, mencolok, dan berlebihan.

Baca Juga : Lima bintang untuk The Lost Daughter

The Exorcism of God tersedia pada 28 Maret di platform digital.

… saat Anda bergabung dengan kami dari Indonesia, kami memiliki sedikit permintaan untuk ditanyakan. Puluhan juta telah menaruh kepercayaan mereka pada jurnalisme Guardian yang tak kenal takut sejak kami mulai menerbitkan 200 tahun yang lalu, berpaling kepada kami di saat-saat krisis, ketidakpastian, solidaritas, dan harapan. Lebih dari 1,5 juta pendukung, dari 180 negara, sekarang mendukung kami secara finansial – membuat kami tetap terbuka untuk semua, dan sangat mandiri.

Tidak seperti banyak lainnya, Guardian tidak memiliki pemegang saham dan pemilik miliarder. Hanya tekad dan semangat untuk menyampaikan pelaporan global berdampak tinggi, selalu bebas dari pengaruh komersial atau politik. Pelaporan seperti ini sangat penting untuk demokrasi, untuk keadilan dan untuk menuntut yang lebih baik dari yang berkuasa.

Dan kami menyediakan semua ini secara gratis, untuk semua orang. Kami melakukan ini karena kami percaya pada kesetaraan informasi. Lebih banyak orang dapat melacak peristiwa global, memahami dampaknya terhadap orang dan komunitas, dan menjadi terinspirasi untuk mengambil tindakan yang berarti. Jutaan orang dapat memperoleh manfaat dari akses terbuka ke berita berkualitas, terlepas dari kemampuan mereka untuk membayarnya.

Jika pernah ada waktu untuk bergabung dengan kami, sekaranglah saatnya. Setiap kontribusi, betapapun besar atau kecilnya, memperkuat jurnalisme kita dan menopang masa depan kita.

Lima bintang untuk Cerita Sisi Barat ‘bergerak’ Spielberg

Musik klasik versi Spielberg adalah “penuh energi, gairah, dan tragedi”, kata Caryn James. Ini sempurna untuk saat ini, sementara juga merangkul “semua yang luhur” dalam sumbernya.

West Side Story, pertama kali dipentaskan di Broadway pada tahun 1957, tidak lekang oleh waktu, tidak seperti terjebak di masa lalu. Karya seni abadi dapat diubah tanpa henti, seperti halnya West Side Story sendiri mengubah Romeo dan Juliet karya Shakespeare, lengkap dengan pemandangan balkon, menjadi kisah Tony dan Maria, sepasang kekasih muda dari sisi berlawanan dari perbedaan etnis di kota New York yang runtuh. lingkungan.

Ada kualitas magis, sekali seumur hidup dalam kolaborasi awal itu: musik indah yang menusuk hati dari Leonard Bernstein, lirik Stephen Sondheim yang tajam namun romantis, buku Arthur Laurents, dan koreografi klasik yang diilhami oleh Jerome Robbins. Dan ada alkimia serupa di versi baru yang mulia. Disutradarai oleh Steven Spielberg dengan kemampuan terbaiknya, dengan skenario yang disusun dengan cerdas oleh Tony Kushner dan koreografi baru yang tajam oleh Justin Peck, film ini menghormati akar produksi sambil memberikan sensibilitas abad ke-21. Penuh energi, kecerdasan, gairah dan tragedi, melihat ke belakang dan ke depan sekaligus, ini adalah salah satu film paling mengharukan tahun ini.

Versi baru ini masih berlatar tahun 1957, dan kecerdasan set studionya, dengan bangunan rumah petak dan tanah kosong, disengaja, membangkitkan asal usul cerita di atas panggung. Tapi film ini juga murni sinematik dalam cara kamera menceritakan cerita, menukik ke tengah-tengah nomor musik di gym, melihat ke bawah dari atas pada penari yang memenuhi jalanan, menatap Tony (Ansel Elgort) dari dekat, dan dari dekat. Maria (Rachel Zegler) saat mereka jatuh cinta. Versi film tahun 1961 mungkin telah memenangkan 10 Oscar, tetapi tidak ada harapan di atas panggung – seperti yang sering terjadi pada film musikal tahun 1960-an – dan Spielberg tidak pernah.

Adegan pembuka menandakan perbedaan penting lainnya. Kamera melewati puing-puing area yang baru-baru ini dibersihkan oleh Otoritas Perumahan New York – sebagai “pembersihan daerah kumuh” menurut sebuah tanda – untuk memberi jalan bagi Lincoln Center for the Performing Arts yang baru. Baik warga Puerto Rico maupun warga kulit putih yang miskin di daerah itu akan segera mengungsi, dan skenario Kushner bersandar pada pencabutan hak di kehidupan nyata, serta persaingan etnis.

Film ini menghabiskan terlalu banyak waktu untuk mengatur konflik ini dan memperkenalkan Hiu, geng Puerto Rico yang dipimpin oleh saudara laki-laki Maria, Bernardo (David Alvarez), dan Jets, geng kulit putih yang didirikan oleh Tony dan sahabatnya, Riff (Mike Fais). Tapi tarian dan musiknya kinetik. Koreografi Peck secara keseluruhan mempertahankan DNA Robbins tetapi menambahkan atletis yang membuatnya terasa segar. Berputar-putar dan melompat-lompat di jalan-jalan yang kejam di Upper West Side New York, Sharks and Jets masih menjadi punk paling balet yang pernah ada.

Salah satu variasi Kushner adalah memberi Tony sejarah baru. Di sini dia dibebaskan bersyarat, setelah menghabiskan satu tahun di penjara karena memukuli pria lain hingga hampir mati, tugas yang membuatnya bertekad untuk berubah. Mungkin sulit untuk membeli perubahan dari pemarah menjadi jiwa yang sensitif, tetapi perubahan itu menambah lapisan ironi tragis lainnya. Dan dalam inovasi film yang paling menginspirasi, toko obat tempat Tony bekerja tidak lagi dimiliki oleh seorang pria bernama Doc, melainkan oleh jandanya, Valentina. Bermata tajam dan baik hati, dia diperankan dengan ketenangan terpusat oleh Rita Moreno, yang memenangkan Oscar sebagai aktris pendukung terbaik sebagai pacar Bernardo, Anita, dalam film aslinya. Moreno dan Valentina berbaur bersama untuk menjadi jiwa dan hati nurani dari versi baru ini.

Tapi inti dari West Side Story adalah kisah cintanya yang bernasib buruk. Tony dan Maria akhirnya bertemu di sebuah pesta dansa di gym. Anita, dalam penampilan dinamis berlapis oleh Ariana DeBose, menjadi pusat perhatian, memutar-mutar roknya dan menari mengikuti irama Latin yang mengisi film. Tapi tak lama kemudian mata Tony dan Maria terkunci dan mereka bertemu di bawah bangku dalam sebuah balet mereka sendiri yang tenang dan elegan. Penampilan Elgort yang sungguh-sungguh memberi Tony ketulusan yang menawan, dan Zegler – dalam peran film pertamanya – adalah Maria yang ideal, seorang wanita muda yang penuh dengan kehidupan dan harapan. Bernardo, marah karena bocah kulit putih ini bahkan akan melihat saudara perempuannya, memaksa mereka berpisah, tetapi pada saat itu ikatan mereka telah terjalin.

Di sinilah film benar-benar lepas landas, melambung ke romansa mereka. Saat Tony berjalan melalui jalan-jalan malam menyanyikan Maria, suara Elgort jelas dan ringan, menangkap kegembiraan musik Bernstein. Mendengar liriknya begitu cepat setelah kematian Sondheim adalah pengingat betapa tak tergantikannya dia. Siapa lagi yang bisa menulis: “Maria/ Katakan dengan keras dan ada musik yang diputar/ Katakan dengan lembut dan hampir seperti berdoa”?

Tony menemukan Maria dan memanjat tangga darurat ke jendelanya yang menghadap ke halaman tempat cucian digantung di antara gedung-gedung. Jika kita tidak percaya pada cinta mereka yang mustahil pada pandangan pertama, tentu saja, tidak ada hal lain di West Side Story yang bisa berhasil. Tapi Zegler dan Elgort benar-benar meyakinkan. Wajah Zegler polos dan penuh gairah, dan suaranya kuat dan indah saat mereka menyanyikan Malam Ini. Spielberg mementaskan adegan balkon ini secara dramatis saat mereka berlomba naik turun tangga darurat, namun intim melalui penggunaan close-up, menangkap ketegangan seksual yang membara dari pertemuan mereka. Urutan Maria dan Malam ini menciptakan episode film yang paling indah. Tapi kita tahu bahwa gemuruh antara Jets dan Hiu membayangi, dan itu tidak akan berakhir dengan baik.

Sebelum keributan itu, film ini cocok dengan versi komik nomor effervescent Wah, Officer Krupke, dengan Jets memantul di sekitar kantor polisi sementara Krupke (Brian d’Arcy James) tidak terlihat. Tidak ada skor yang terbuang sia-sia, karena melodi Bernstein mengalir masuk dan keluar dari soundtrack dengan mudah dan anggun. Dalam sorotan lainnya, DeBose membawa kegembiraan yang mudah berubah ke Amerika, sebuah urutan yang dipentaskan sebagai tarian yang rumit menuruni tangga rumah petaknya ke jalan-jalan. Zegler mendapatkan bagian tengahnya yang semarak di I Feel Pretty. Tetapi momen yang paling fasih dan mengharukan adalah milik Moreno. (Ini seharusnya tidak menjadi spoiler, tetapi jika Anda sangat sensitif tentang wahyu, lompat ke paragraf berikutnya.) Lagu Somewhere, yang biasanya dinyanyikan oleh sepasang kekasih sebagai ungkapan harapan, sekarang dinyanyikan oleh Valentina, sendirian di tokonya setelah mengetahui bahwa gemuruh telah menyebabkan dua kematian, satu disebabkan oleh Tony. Moreno membuat lirik “Ada tempat untuk kita” sebagai ekspresi kesedihan yang tenang dan sedih untuk semua harapan yang hilang yang mengelilinginya. Dia dan DeBose, yang pandai mengekspresikan kesedihan sekaligus energi yang berapi-api, mendominasi bagian akhir film yang kuat.

Spielberg cukup bijak untuk mengetahui bahwa West Side Story yang asli adalah sekali seumur hidup. Dia telah menciptakan keajaibannya sendiri, sebuah film yang beragam, film yang sadar sosial untuk hari ini yang mencakup semua yang luhur dalam sumbernya yang tak tertandingi. Sangat masuk akal bahwa pemutaran perdana film tersebut berlangsung di Lincoln Center, menyelesaikan lingkaran abadi, di dalam dan di luar layar.

Lima bintang untuk The Lost Daughter – Dalam film pertamanya sebagai penulis-sutradara, Maggie Gyllenhaal mengadaptasi fiksi Elena Ferrante ‘dengan visi seniman sejati’, tulis Caryn James.

profesor paruh baya yang pernah meninggalkan keluarganya, seorang gadis kecil yang berkeliaran di pantai dan bahkan boneka gadis itu yang hilang, yang ketika ditemukan menyemburkan air kotor dari mulutnya – ada banyak anak perempuan yang hilang dalam adaptasi yang fasih dari novel Elena Ferrante tahun 2008 ini , bersama dengan satu penemuan yang membuka mata: Maggie Gyllenhaal sebagai pembuat film dengan visi seniman sejati.

Lima bintang untuk The Lost Daughter

thecinemalaser.com – Banyak aktor yang beralih ke penyutradaraan dapat mengelilingi diri mereka dengan kru kelas satu, dan datang dengan hasil yang sangat kompeten. Lebih sedikit yang bisa melakukan apa yang dicapai Gyllenhaal di sini. Dalam film pertamanya sebagai penulis-sutradara, ia mengubah fiksi Ferrante yang seringkali penuh teka-teki menjadi sebuah drama yang hidup secara dinamis di layar.

Gyllenhaal sepenuhnya memahami daya tarik di balik kultus Ferrante, yang bukunya – termasuk My Brilliant Friend dan tiga novel Neapolitan lainnya, yang muncul setelah The Lost Daughter – menyelidiki emosi di balik kehidupan wanita biasa. Dia juga memiliki penilaian dan nasib baik untuk memilih Olivia Colman, yang membawa kehadiran yang semarak dan semua kekuatan kehalusannya ke peran Leda, seorang profesor yang sedang berlibur di Yunani. Obsesi Leda pada awalnya yang tidak dapat dijelaskan dengan keluarga besar yang riuh yang dia lihat di pantai, terutama Nina (Dakota Johnson) yang cantik dan gadis kecilnya yang sering menempel, mengarah ke kenangan masa lalunya sendiri yang penuh sebagai seorang ibu dan anak perempuan.

Colman dapat membuat Leda hanya mengendarai mobil tampak dramatis, karena ekspresi wajahnya dengan tenang menangkap gejolak emosional yang dia coba tahan dengan keras. Dan Gyllenhaal dapat mengubah citra buah yang membusuk menjadi sesuatu yang menakutkan. Meski bernuansa, ceritanya selalu menarik dan penuh dengan belokan yang tak terduga.

Latarnya dipindahkan ke Yunani, bukan lokasi novelnya di Italia, jadi filmnya bisa diambil di sana. Leda sekarang orang Inggris dan keluarga di pantai berasal dari Queens, New York, dengan akar Yunani. Dan voila – aksen para aktor diperhitungkan dengan rapi. Terlepas dari perubahan kecil seperti itu, film ini dengan sempurna mencerminkan aliran anggun dan ketegangan yang mendasari cerita Ferrante. Seperti yang dikatakan Leda dalam novel, “Hal tersulit untuk dibicarakan adalah hal-hal yang kita sendiri tidak dapat mengerti,” sebuah kalimat yang mungkin menjadi prinsip panduan untuk film tersebut, yang narasi memikatnya memikat kita ke dunia Leda dengan semua rasa bersalah yang tersisa. dan mempertanyakan diri sendiri.

Baca Juga : Review Film Knives Out Karya Dari Ray

Dia datang dengan koper penuh buku untuk liburan kerja yang tenang, dan pada awalnya terganggu oleh kedatangan berisik dari keluarga besar Amerika. Tapi Colman dan Gyllenhaal sengaja menciptakan perasaan mual saat Leda melihat Nina di antara mereka. Mengapa dia begitu tertarik dengan ibu dan anak muda itu? Jawabannya tiba secara bertahap, dalam kilas balik dengan Jessie Buckley sebagai Leda muda yang berduri.

Kisah ini memiliki momen-momen menegangkan, terutama ketika anak Nina mengembara dari pantai. Tapi jiwa film ada dalam pertukaran kecil dan ketegangan antar karakter. Tidak ada motif atau interaksi yang sederhana, komplikasi terkadang diungkapkan dalam pandangan, terkadang dalam kata-kata. Dagmara Domińczyk dengan tajam mendefinisikan adik ipar Nina yang kurang ajar dan hamil, Callie, yang ternyata jinak dan mengganggu. “Anak-anak adalah tanggung jawab yang menghancurkan,” kata Leda padanya, bukan hal yang diplomatis untuk dikatakan kepada seorang wanita yang mengharapkan anak pertamanya, tetapi komentar itu – mungkin dengan sengaja menyakitkan, mungkin tanpa pertimbangan – sesuai dengan karakter Leda. Johnson, dalam penampilan terbaiknya sejauh ini, dengan tajam menangkap kegugupan dan ambivalensi Nina sebagai seorang wanita yang tidak memiliki apa-apa untuk dikeluhkan (begitulah katanya), kecuali seorang anak yang melelahkan yang membuatnya merasa terjebak dalam keberadaannya sendiri. Bahkan karakter pendukung memiliki rahasia dan misteri. Paul Mescal dari Normal People memerankan Will, seorang asisten di pantai yang persahabatannya dengan Leda sedikit meresahkan. Ed Harris berperan sebagai penjaga apartemen sewaan Leda yang penuh perhatian, yang mungkin tertarik padanya, atau hanya kesepian, atau mungkin mempermainkannya dengan cara tertentu. Boneka yang hilang menyebabkan akal-akalan dan kecurigaan. Dan kita mulai bertanya-tanya apakah Leda telah berubah dari biasa menjadi sesuatu yang lebih terganggu.

Dalam kilas balik, secara kronologis tetapi sedikit demi sedikit, kita melihat bagaimana Leda menjadi dirinya. Karakter Buckley yang garang adalah seorang wanita yang hasrat dan ambisi profesionalnya tidak sesuai dengan kehidupan rumah tangganya bersama suami dan dua putri kecilnya. Dia tidak pernah tidak peduli, tetapi dia membanting pintu, membentak anak-anaknya dengan tidak sabar, dan menghadapi dilema ketika dia bertemu dengan seorang rekan yang menarik (Peter Sarsgaard). Seperti Ferrante, Gyllenhaal memunculkan pertanyaan yang tidak nyaman, termasuk: seberapa jauh seorang wanita dapat menentang harapan masyarakat dan peran keibuannya demi menyelamatkan kewarasannya sendiri?

Gyllenhaal di luar layar telah mengelilingi dirinya dengan kolaborator kelas satu lainnya, terutama Hélène Louvart, yang sinematografinya menangkap matahari yang cerah dan jalan-jalan malam yang berkilauan, dan membawa kita ke dalam tarian kota yang meriah di mana Leda melepaskan diri dari Livin’ on a Prayer karya Bon Jovi.

Anda tidak perlu tahu atau bahkan menyukai tulisan Ferrante untuk menghargai dunia yang penuh warna ini. Tetapi perlu dicatat bahwa Ferrante sendiri memercayai Gyllenhaal dengan novelnya, mendukung pilihannya dalam kolom surat kabar pendek yang mengatakan: “Ada sesuatu yang jauh lebih penting yang dipertaruhkan daripada naluri untuk melindungi penemuan saya sendiri. Wanita lain telah menemukan dalam teks itu alasan yang baik untuk menguji kapasitas kreatifnya.” Dan sejak film tersebut pertama kali muncul di sirkuit festival, memenangkan skenario terbaik di Venesia, Gyllenhaal mengatakan dalam wawancara bahwa dia menulis surat kepada penulis yang menjelaskan idenya untuk film tersebut, dan bahwa Ferrante hanya setuju dengan syarat bahwa Gyllenhaal sendiri yang mengarahkannya. . Ketentuan itu adalah tindakan murah hati yang melindungi pembuat film pertama kali dari risiko proyek diambil darinya, tetapi itu juga merupakan langkah cerdas dari pihak Ferrante. Ini melestarikan visi The Lost Daughter yang sekarang berdiri sendiri sebagai film yang indah dan mempesona.

The Godfather: Apakah kita salah memahami film terbesar Amerika?

Lima puluh tahun setelah pemutaran perdana, film gangster klasik Francis Ford Coppola masih dianggap sebagai salah satu karya seni terbesar yang dibuat tentang AS, tetapi apakah kita mengabaikan elemen kunci, tanya Nicholas Barber.

mau nonton The Godfather? Itu adalah tawaran yang kebanyakan dari kita tidak bisa menolak. Diadaptasi dari novel terlaris Mario Puzo, kisah gangster Francis Ford Coppola menempati urutan kedua dalam jajak pendapat kritikus BBC Culture tahun 2015 untuk menemukan 100 film Amerika terhebat, dan tidak banyak daftar yang tidak memasukkannya ke dalam 10 besar. Lima puluh tahun kemudian sejak dirilis pada Maret 1972, ia berdiri sebagai karya seni AS yang menentukan tidak hanya tentang kejahatan terorganisir, tetapi juga tentang imigrasi, kapitalisme, dan korupsi. Bahkan orang-orang yang tidak akrab dengan film tersebut dapat mengenali bos Mafia Marlon Brando yang lelah dan terengah-engah, Vito Corleone, dan putra kesayangannya Michael, yang diperankan oleh Al Pacino. Mereka juga dapat mengutip atau salah mengutip baris yang paling berkesan – termasuk yang ada di bagian atas paragraf ini. Dan para pecintanya mengetahuinya dari hati. Dalam You’ve Got Mail, Tom Hanks mengutipnya sebagai sumber dari segala kebijaksanaan. (“Ada apa dengan The Godfather?” desah Meg Ryan.) Karakter dalam The Sopranos sangat antusias sehingga mereka menamai klub strip mereka Bada Bing! setelah yang lain dari garisnya.

Namun, fakta bahwa The Godfather harus begitu mudah dikaitkan dengan klub tari telanjang memunculkan isu kontroversial tentang karakter wanitanya. Waktu tayangnya adalah tiga jam, namun, mengutip kritikus Chicago Sun-Times, Roger Ebert: “Ada sedikit ruang untuk wanita di The Godfather.” Beberapa kritikus telah melangkah lebih jauh. Molly Haskell menulis di New York Times pada tahun 1997 bahwa “Film Coppola merendahkan dan merendahkan wanita secara keterlaluan”. Mereka ada benarnya. Tidak ada wanita dalam The Godfather yang seganas Elvira Hancock karya Michelle Pfeiffer di Scarface (1983), atau karakter Kathleen Turner dan Anjelica Huston di Prizzi’s Honor (1985).

Sementara Vito, Michael, dan saudara-saudaranya membuat kesepakatan dan merencanakan pembunuhan, menuangkan minuman dan makan makanan Cina, para wanita dalam hidup mereka dibiarkan menggendong bayinya. Film tersebut antara lain adalah film tentang bergaul dengan teman-temanmu. Atau, seperti yang dikatakan David Thomson di majalah Esquire pada tahun 2021: “Ini adalah film tentang kebahagiaan dan perasaan senang. Dan teman-teman mengerti. Selalu begitu.” Memberikan “sekilas yang paling menggembirakan dari sifat laki-laki dalam film Amerika”, The Godfather, tulis Thomson, berkisar pada “pekerjaan, ketertiban, dan pengambilan keputusan”.

Tetapi tidak adil untuk mengatakan bahwa film itu sendiri mengabaikan wanita, bahkan jika pria di dalamnya sering melakukannya. Faktanya, Coppola terus mengingatkan kita di mana karakter wanita berada dan bagaimana perasaan mereka. Pidato pembukaan adalah tentang seorang gadis yang telah dilecehkan, adegan penutup memiliki dua wanita mempertanyakan dan memprotes metode Michael. Urutan kekerasan yang paling mengganggu adalah putri hamil Vito, Connie (Talia Shire) dicambuk oleh suaminya. Dan ketika maestro Hollywood Jack Woltz (John Marley) mengemukakan tentang seorang bintang muda “muda”, “tidak bersalah”, yang “adalah bagian terbesar dari keledai yang pernah saya miliki”, Coppola memposisikan seorang pelayan di latar belakang, dipaksa untuk berdiri dan mendengarkan kata-kata kasar misoginisnya.

Adapun Corleones laki-laki yang mengabaikan istri dan saudara perempuan mereka, jangan lupa bahwa The Godfather berlatar tahun 1940-an dan 1950-an. Sebisa mungkin kita menikmati penampilan Shelley Winters dalam Bloody Mama (1970) karya Roger Corman dan Madonna dalam Dick Tracy (1990) karya Warren Beatty, Coppola menolak gagasan bahwa wanita Mafia abad pertengahan adalah pengepak pistol, merencanakan femme fatales, atau ibu pemimpin yang dimanjakan oleh kerumunan anak laki-laki ibu. Sebaliknya, dia bersikeras, mereka lebih cenderung disingkirkan oleh pria seksis mereka, yang direndam dalam darah dan pengkhianatan. The Godfather bukanlah monumen chauvinisme laki-laki, tapi kutukan itu. Dan itu semua terlalu relevan, setengah abad setelah dirilis. Ketika Vito menghadiri pertemuan bos Mafia yang semuanya laki-laki, meja ruang rapat identik dengan yang ada di banyak foto rapat kabinet dan konferensi perusahaan hari ini.

Memotong pengaruh wanita

Selain itu, meskipun laki-laki mengendalikan plot di The Godfather, perempuan sangat penting untuk itu. Urutan pembukaan bravura diatur di pesta pernikahan Connie di kompleks keluarga Corleones. Vito menghabiskan sebagian besar dalam studinya yang samar, mengajukan permohonan dari para pelamarnya (tradisi pernikahan Sisilia lama, tampaknya), dan dialog terus kembali ke subjek maskulinitas. Ketika penegak utama Vito, Luca Brasi (Lenny Montana), berterima kasih kepada bos atas undangan pernikahannya, dia menawarkan kepada kedua mempelai berkah yang goyah ini: “Dan saya berharap anak pertama mereka menjadi anak laki-laki.” Michael memiliki perspektif yang berbeda – pada awalnya. Seorang veteran Perang Dunia Kedua yang didekorasi, dia membawa pacarnya Kay (Diane Keaton) ke pesta pernikahan, berbagi rahasia tergelap keluarga Corleone dengannya, dan bersikeras agar dia disertakan dalam foto keluarga. Tapi lintasan yang dipetakan oleh film adalah busurnya menjauh dari Kay dan menuju kutukan. “[Perempuan] akan menjadi orang suci di surga sementara kita para pria terbakar di neraka,” kata Vito dalam novel Puzo, dan Coppola tampaknya setuju.

Pertama kali kita melihat Michael dan Kay setelah pernikahan, mereka berada di pesta belanja Natal bersalju yang bisa menjadi adegan dari komedi romantis, tetapi ketika Vito terluka dalam penembakan, korban sebenarnya adalah kedekatan pasangan itu. Michael tidak bisa lagi mengatakan padanya bahwa dia mencintainya sementara rekan-rekannya mendengarkan, dan dia meninggalkan kamar hotel tempat mereka makan malam untuk merawat ayahnya. “Aku bersamamu sekarang,” bisiknya di telinga Vito.

Ada peluang penebusan yang berkilauan ketika Michael bersembunyi di Sisilia dan jatuh cinta pada seorang gadis petani, Apollonia (Simonetta Stefanelli), yang berani menantangnya. Ketika dia pertama kali melihatnya, dia berbalik dan melangkah pergi, dan setelah mereka menikah, dia cukup percaya diri untuk mengejeknya dan mencacinya. Coppola menempatkannya di belakang kemudi mobil suaminya – secara harfiah di kursi pengemudi. Bisakah Michael menetap dengan seorang pendamping yang setara dengan kepercayaannya?

Tentu saja tidak. Apollonia terbunuh, dan Michael kembali ke AS dan bisnis keluarga – bukan lagi pahlawan perang yang tersenyum dan lembut, tetapi seorang tiran reptil yang memerintahkan banyak pembunuhan, berbohong tentang mereka kepada orang terdekat dan tersayangnya, dan mengaku menolak Setan saat pembaptisan sementara musuh-musuhnya ditembak mati. Pada tahap ini, “Saya berharap anak pertama mereka menjadi anak laki-laki,” terdengar lebih seperti kutukan daripada berkah. Michael juga bertemu kembali dengan Kay, tetapi lamaran pernikahannya bukan lagi komedi romantis. Sementara Apollonia berada di kursi pengemudi, Kay yang menangis diantar ke bagian belakang mobil yang dikemudikan sopir. Anda bisa dengan mudah mengira adegan itu sebagai penculikan.

Dalam novel Puzo, Kay bersedia menerima tempatnya di sindikat kejahatan Corleone, tetapi akhir film yang terkenal itu membuat pintu ruang belajar Michael ditutup di wajahnya yang putus asa sehingga dia bisa menyusun strategi dengan para letnannya secara pribadi. Dia terpisah darinya, sama seperti istri Vito (Morgana King) sepanjang film. Sepertinya itu artinya menjadi bos Mafia: terputus dari pengaruh perempuan.

Tak satu pun dari ini membuktikan bahwa film itu feminis, tepatnya: Coppola terlalu menghormati wanita martirnya untuk itu. Dalam sebuah wawancara Sight and Sound dari tahun 1972, dicetak ulang dalam edisi saat ini, dia membuat lirik tentang “semacam kualitas feminin, magis, yang berasal dari Perawan Maria atau sesuatu yang saya pelajari di kelas katekisasi, yang membuat saya terpesona”. Dan memang benar dia tidak pernah melukis Corleone betina dalam warna abu-abu. Kay, Apollonia, dan istri Vito tidak pernah memaafkan kejahatan suami mereka, dan Connie dibuang ke sebuah apartemen di New York setelah pernikahannya. Seolah-olah Coppola tidak tahan memikirkan bahwa mereka mungkin terlibat dalam perbuatan jahat pria itu. Tapi pendekatannya di The Godfather tidak “merendahkan atau merendahkan” wanita seperti menempatkan mereka di atas tumpuan.

Anda tidak ingin banyak film gangster memiliki karakter wanita malaikat seperti itu. Kami beruntung memiliki Lorraine Bracco sebagai Karen Hill di Goodfellas (1990) dan Sharon Stone sebagai Ginger McKenna di Casino (1995), misalnya, serta gelombang baru film mafia yang dipimpin wanita. Dalam The Kitchen 2019, Melissa McCarthy, Tiffany Haddish, dan Elisabeth Moss mengambil alih peran suami mereka pada akhir 1970-an di New York. Jennifer Lopez akan memerankan Griselda Blanco, seorang pengedar narkoba Kolombia, di The Godmother. Dan Jennifer Lawrence telah menandatangani kontrak untuk membintangi Mob Girl sebagai Arlyne Brickman, seorang gangster yang menjadi saksi pemerintah.

Film-film ini mungkin merupakan koreksi yang diperlukan untuk The Godfather, tetapi Coppola lebih memikirkan daripada kebanyakan penulis-sutradara pria tentang apa yang terjadi ketika wanita dikeluarkan dari kehidupan pria. Setelah The Godfather Part II – di mana Kay meninggalkan Michael – film berikutnya adalah mahakarya Perang Vietnam 1979, Apocalypse Now (juga menampilkan Marlon Brando). Lagi-lagi, hampir tidak ada wanita di dalamnya, dan sekali lagi, wanita yang ada di dalamnya adalah arketipe daripada karakter bernuansa. Tapi, sekali lagi, mereka jelas ada di pikiran Coppola, dalam adegan mulai dari pertunjukan malapetaka kelinci Playboy untuk pasukan, hingga pembunuhan “Mr Clean” (Laurence Fishburne) saat dia mendengarkan rekaman suara ibunya.

Seperti dalam The Godfather, lubang yang ditinggalkan oleh wanita yang tidak hadir telah diisi dengan darah. Dalam suntingan “Redux” yang diperpanjang dari Apocalypse Now, yang diselesaikan Coppola pada tahun 2001, Willard karya Martin Sheen menghabiskan malam dengan seorang janda (Aurore Clémont) di sebuah perkebunan Prancis, yang mengatakan kepadanya: “Ada dua dari Anda, bukan? lihat? Yang membunuh dan yang mencintai.” Sama seperti Michael Corleone di Sisilia, dia melihat sekilas bagaimana hidup jika dia adalah orang yang mencintai daripada orang yang membunuh. Tapi keesokan paginya dia kembali ke misinya di sungai Stygian, dalam perjalanan jauh dari kemanusiaan dan ke jantung kegelapan.

Review Film Knives Out Karya Dari Ray – Knives Out ini itu merupakan salah satu dari jenis film misteri yang berasal dari negara Amerika pada tahun sekitar 2019 yang ditulis dan juga disutradarai oleh seorang yang bernama Rian Johnson dan diproduksi oleh Johnson dan Ram Bergman . Ini mengikuti seorang detektif ulung yang saat itu sedang menyelidiki sebuah kematian patriark dari sebuah keluarga kaya yang saat itu sedang disfungsional.

Review Film Knives Out Karya Dari Ray

thecinemalaser – Johnson datang dengan konsep dasar untuk Knives Out pada tahun 2005 dan memutuskan untuk membuat film tersebut setelah menyelesaikan Looper pada tahun 2012. Namun, karena keterlibatannya dalam Star Wars: The Last Jedi , ia tidak dapat menulis skenario hingga 2017. film diumumkan setahun kemudian, dan dijual ke distributor selama Festival Film Internasional Toronto 2018 . Syuting selesai dalam tiga bulan dari Oktober hingga Desember 2018.

Baca Juga : Review Film Heat 1995

Knives Out melakukan pemutaran perdana dunianya di Festival Film Internasional Toronto 2019 pada 7 September 2019, dan dirilis secara teatrikal di Amerika Serikat pada 27 November oleh Lionsgate Films . Film ini menerima pujian kritis, terutama untuk skenario, penyutradaraan, dan aktingnya, dan meraup $311,4 juta di seluruh dunia dengan anggaran $40 juta.

Pada Penghargaan Golden Globe ke – 77 , film tersebut menerima tiga nominasi dalam kategori Musikal atau Komedi sementara juga menerima nominasi Skenario Asli Terbaik di Penghargaan Film Akademi Inggris ke – 73 dan Penghargaan Akademi ke – 92 . Film tersebut dipilih oleh American Film Institute dan National Board of Reviewsebagai salah satu dari sepuluh film teratas tahun 2019. Pada bulan Maret 2021, dilaporkan bahwa Netflix telah setuju untuk membayar $ 469 juta untuk hak atas dua sekuel yang akan ditulis dan disutradarai oleh Johnson, dengan Craig mengulangi perannya sebagai detektif Benoit Blanc. Syuting untuk Knives Out 2 dimulai pada Juni 2021.

Alur

Keluarga Harlan Thrombey, seorang novelis misteri kaya raya , menghadiri pesta ulang tahunnya yang ke-85 di rumahnya di Massachusetts . Keesokan paginya, pengurus rumah tangga Harlan, Fran, menemukannya tewas dengan leher digorok. Polisi percaya kematian Harlan karena bunuh diri, tetapi detektif swasta Benoit Blanc dibayar secara anonim untuk menyelidiki.

Blanc mengetahui hubungan Harlan dengan berbagai anggota keluarganya tegang: pada hari kematiannya, Harlan mengancam akan mengekspos menantu laki-lakinya Richard karena berselingkuh dengan putrinya Linda, memotong tunjangan menantu perempuannya Joni untuk mencuri dari dia, memecat putranya Walt dari perusahaan penerbitannya, dan bertengkar dengan cucunya Ransom.

Tanpa sepengetahuan Blanc, perawat Harlan, Marta Cabrera, secara tidak sengaja mencampuradukkan obat-obatannya, membuatnya berpikir dia overdosis dengan morfin , dan tidak dapat menemukan penawarnya, tampaknya membuat Harlan hanya beberapa menit untuk hidup. Ibu Harlan yang sudah tua melihat Marta menjalankan instruksinya, tetapi mengira dia adalah Tebusan.

Marta tidak bisa berbohong tanpa muntah, jadi dia memberikan jawaban yang benar tetapi tidak lengkap ketika ditanya. Ketika surat wasiat Harlan dibacakan, yang mengejutkan semua orang, Marta adalah satu-satunya penerima manfaat. Tebusan membantunya melarikan diri dari kemarahan keluarga, tetapi dia memanipulasinya untuk mengaku kepadanya; ia menawarkan bantuannya dengan imbalan bagian dari warisan. Thrombeys lainnya mencoba membujuk Marta untuk melepaskan warisan; Walt mengancam akan mengekspos status imigrasi ibunya.

Marta menerima surat pemerasan dengan sebagian fotokopi laporan toksikologi Harlan. Dia dan Ransom pergi ke kantor pemeriksa medis, tetapi kantor itu telah terbakar. Marta menerima email yang mengusulkan pertemuan dengan pemeras.

Blanc dan polisi melihat mereka, dan, setelah pengejaran mobil singkat , Ransom ditangkap; Blanc menjelaskan ibu Harlan melihat Ransom turun dari kamar Harlan pada malam dia meninggal. Di pertemuan itu, Marta menemukan Fran, dibius. Dia melakukan CPR dan memanggil ambulans. Dia memberikannya kepada Blanc tanpa membacanya sendiri. Membacanya, Blanc melihatnya menunjukkan sedikit morfin dalam sistem Harlan, dan menyela Marta sebelum dia bisa mengaku.

Blanc mengungkapkan deduksinya: setelah Ransom mengetahui Harlan menyerahkan segalanya kepada Marta, dia menukar isi botol obat Harlan dan mencuri penawarnya sehingga Marta akan membunuh Harlan dan dengan demikian menjadi tidak memenuhi syarat untuk mengklaim warisan. Tapi Marta sebenarnya memberi Harlan obat yang benar, tanpa sadar mengenalinya dari kekentalannya, dan dia hanya mengira dia telah meracuninya setelah membaca labelnya. Ketika kematian dilaporkan sebagai bunuh diri, Ransom secara anonim menyewa Blanc untuk mengekspos Marta. Fran melihat Ransom merusak TKP dan mengiriminya catatan pemerasan.

Dengan pengakuan pembunuhan Ransom yang tercatat dan setelah menyaksikan percobaan pembunuhannya terhadap Marta, polisi menangkapnya. Blanc memberi tahu Marta bahwa dia menyadari sejak awal dia berperan dalam kematian Harlan, mencatat titik kecil darah di sepatunya. Linda menemukan catatan dari Harlan tentang perzinahan suaminya. Saat Ransom ditahan, Marta mengawasi dari balkon rumahnya.

Pemeran

• Daniel Craig sebagai Benoit Blanc, seorang detektif swasta
• Chris Evans sebagai Hugh Ransom Drysdale, Linda dan putra Richard
• Ana de Armas sebagai Marta Cabrera, perawat Harlan
• Jamie Lee Curtis sebagai Linda Drysdale, putri sulung Harlan
• Michael Shannon sebagai Walt Thrombey, putra bungsu Harlan
• Don Johnson sebagai Richard Drysdale, suami Linda
• Toni Collette sebagai Joni Thrombey, janda mendiang putra Harlan, Neil
• Lakeith Stanfield sebagai Detektif Letnan Elliott
• Katherine Langford sebagai Meg Thrombey, putri Joni
• Jaeden Martell sebagai Jacob Thrombey, putra Walt
• Christopher Plummer sebagai Harlan Thrombey, novelis kriminal terlaris berusia 85 tahun
• Riki Lindhome sebagai Donna Thrombey, istri Walt
• Edi Patterson sebagai Fran, pengurus rumah tangga Harlan
• Frank Oz sebagai Alan Stevens, penasihat Harlan
• K Callan sebagai Wanetta “Great Nana” Thrombey, ibu Harlan
• Noah Segan sebagai Trooper Wagner, seorang polisi
• M. Emmet Walsh sebagai Mr. Proofroc, seorang penjaga keamanan
• Marlene Forte sebagai Mrs. Cabrera, ibu Marta
• Shyrley Rodriguez sebagai Alice Cabrera, saudara perempuan Marta
• Kerry Frances sebagai Sally, asisten Alan
• Joseph Gordon-Levitt sebagai Detektif Hardrock (suara cameo)

Pembuatan film

Pengambilan gambar utama dimulai pada 30 Oktober 2018, di Boston, Massachusetts dan selesai pada 20 Desember 2018. Lokasi syuting lainnya di Massachusetts termasuk Berlin , Easton , Marlborough, Natick , Wellesley , Maynard , Waltham , dan Medan. Eksterior rumah difilmkan di sebuah rumah besar yang terletak di Natick, sekitar 17 mil (27 km) barat Boston. Ames Mansion di Borderland State Park , Massachusetts, digunakan untuk banyak pemotretan interior.

Musik

Nathan Johnson menyusun skor film. Dia sebelumnya bekerja dengan sutradara Rian Johnson, yang merupakan sepupunya, di Brick , The Brothers Bloom , dan Looper . Soundtracknya dirilis pada 27 November 2019, bertepatan dengan rilis filmnya, oleh Cut Narrative Records.

Rilis

Knives Out ditayangkan perdana di Festival Film Internasional Toronto pada 7 September 2019. Film ini dirilis secara teatrikal pada 27 November 2019, oleh Lionsgate. Sutradara Rian Johnson merilis komentar audio “dalam teater” bagi mereka yang menonton film tersebut untuk kedua kalinya. Knives Out dirilis pada Digital HD pada 7 Februari 2020, dan dalam DVD , Blu-ray , dan 4K pada 25 Februari. Itu tersedia di layanan streaming Amazon Prime pada 12 Juni 2020.

Review Film Heat 1995 – Ada urutan di tengah “Heat” Michael Mann yang menerangi subjek sebenarnya dari film itu. Seperti yang dimulai, seorang detektif polisi Los Angeles bernama Hanna ( Al Pacino ) telah melacak seorang pencuri tingkat tinggi bernama McCauley ( Robert De Niro ) selama berhari-hari.

Review Film Heat 1995

thecinemalaser – McCauley cerdas dan waspada dan tampaknya mustahil untuk dijebak. Jadi, suatu malam, sambil membuntuti mobil McCauley, Hanna menyalakan lampu kilat dan menariknya ke samping. McCauley dengan hati-hati menggeser pistol yang dibawanya. Dia menunggu di mobilnya. Hanna mendekatinya dan berkata, “Bagaimana menurutmu aku membelikanmu secangkir kopi?” McCauley mengatakan itu terdengar seperti ide yang bagus.

Baca Juga:  Review Film Strawberry Mansion

Kedua pria itu duduk berseberangan di meja Formica di sebuah restoran: Setengah baya, lelah, dengan terlalu banyak pengalaman dalam pekerjaan mereka, mereka tahu persis apa yang mereka wakili satu sama lain, tetapi untuk momen gencatan senjata ini mereka minum kopi mereka.

McCauley adalah pencuri profesional, terampil dan berbakat. Ketika Hanna dengan halus menyarankan sebaliknya, dia berkata, “Anda melihat saya melakukan perampokan toko minuman keras pencari sensasi dengan tato ‘Born to Lose’ di dada saya?” Tidak, kata polisi, dia tidak melakukannya. Percakapan berakhir. Polisi itu berkata, “Saya tidak tahu bagaimana melakukan hal lain.” Pencuri itu berkata, “Aku juga tidak.” Adegan memusatkan kebenaran “Panas”, yaitu bahwa polisi dan perampok ini saling membutuhkan: Mereka menempati ruang yang sama, tertutup dari arus utama masyarakat, yang ditentukan oleh aturannya sendiri.

Mereka adalah musuh, tetapi dalam arti mereka lebih dekat dan lebih terhubung daripada mereka yang, misalnya, harus menjadi pacar. Subjek lain dari film ini adalah wanita. Dua aktor utama dalam “The Hit” memiliki istri, dan sepanjang film Macaulay jatuh cinta pada kebijaksanaannya. Hannah bersiap untuk pernikahan ketiganya dengan seorang wanita yang terobsesi dengan pekerjaan bernama Diane Venora. Salah satu kaki tangan McCauley adalah seorang pencuri bernama Sheeherlis (Val Kilmer) dan istrinya adalah Charlene (Ashley Judd).

Kebijakan McCauley sendiri adalah tidak pernah terlibat dalam apa pun yang tidak bisa dia hilangkan dalam waktu 30 detik. Suatu hari di sebuah restoran dia terlibat dalam percakapan dengan Eady ( Amy Brenneman ), yang menanyakan banyak pertanyaan kepadanya. “Nyonya,” katanya padanya, “mengapa Anda begitu tertarik dengan apa yang saya lakukan?” Dia kesepian. “Aku sendirian,” katanya padanya. “Aku tidak kesepian.” Dia sebenarnya adalah pria paling kesepian di dunia, dan segera menyadari bahwa dia membutuhkannya.

Baca Juga: Review Film India Sweets and Spices

Ini adalah konflik kuno dalam film aksi Amerika, antara pria dengan “pekerjaan pria” dan kepala sekolah wanita, wanita yang ingin menjinakkannya, ingin dia tinggal di rumah. “Heat,” dengan skenario luar biasa terpelajar oleh Mann, menanganinya dengan wawasan. Orang-orang dalam filmnya kecanduan hidup mereka. Ada adegan di mana pencuri pada dasarnya memiliki semua uang yang mereka butuhkan. Mereka bisa pensiun.

McCauley bahkan memiliki tempat yang dipilih di Selandia Baru. Tetapi pekerjaan lain muncul dengan sendirinya, dan mereka tidak dapat menolaknya: “Ini jusnya. Ini aksinya.” Film ini memotong adegan introspektif ini dengan urutan perampokan dan tembak-menembak yang besar dan berani. Ini dibuka dengan perampokan mobil lapis baja yang rumit yang melibatkan mobil semi curian dan truk derek. Ini berlanjut dengan perampokan bank yang disusun dengan cermat. McCauley adalah dalangnya. Hanna adalah orang yang ditugaskan untuk menebak langkah selanjutnya.

Polisi menjaga McCauley dan krunya di bawah pengawasan 24 jam, dan suatu hari mengikuti mereka ke area gudang yang terisolasi, di mana para pencuri berdiri di tengah-tengah ruang yang luas dan McCauley menguraikan beberapa rencana kepada mereka. Kemudian, polisi berdiri di tempat yang sama, mencoba mencari tahu rencana apa yang mungkin ada dalam pikiran para pencuri. Tidak ada target yang terlihat. Tiba-tiba Hanna mengerti: “Anda tahu apa yang mereka lihat? Mereka melihat kami LAPD. Kami baru saja dibuat.” Dia benar. McCauley sekarang berada di atap melihat mereka melalui lensa, setelah mengeluarkan ekornya.

De Niro dan Pacino, veteran dari begitu banyak film hebat dalam genre kriminal, sekarang telah menghabiskan lebih banyak waktu bermain polisi dan pencuri daripada kebanyakan polisi dan pencuri. Selalu ada pembicaraan tentang bagaimana aktor mempelajari orang untuk mendasarkan karakter mereka. Pada titik ini dalam karir mereka, jika Pacino dan De Niro pergi untuk mempelajari polisi atau perampok, kemungkinan subjek mereka akan meniru penampilan mereka di film-film lama. Ada presisi mutlak efek di sini, perasaan peran diasumsikan secara naluriah.

Yang menarik adalah cara Mann menguji peran tersebut dengan para wanita. Istri dan pacar dalam film ini selalu, dalam arti tertentu, berdiri di pintu dapur, memanggil anak laki-laki untuk keluar dari permainan mereka. Istri Pacino, diperankan oleh Venora dengan kepahitan yang cerdas, adalah yang paling tak kenal ampun: Dia menikah dengan seorang pria yang membawa mayat ke tempat tidur bersamanya dalam mimpinya. Putrinya, pemberontak dan kacau, tidak mendapatkan ayah dari dia. Pernikahan mereka adalah lelucon, dan ketika dia menangkapnya dengan pria lain, dia secara akurat mengatakan dia memaksanya untuk merendahkan dirinya sendiri.

Wanita lain, yang diperankan oleh Judd dan Brenneman, tidak begitu berwawasan luas. Mereka masih memiliki beberapa delusi, meskipun Brenneman, yang berperan sebagai seniman grafis, menolak keras seperti wanita modern mana pun ketika pria aneh dan tertutup ini mengharapkannya untuk meninggalkan papan gambar dan komputernya dan mengikutinya ke ketidakpastian di Selandia Baru. Tulisan dan arahan Michael Mann mengangkat materi ini.

Ini bukan hanya gambar aksi. Di atas segalanya, dialognya cukup kompleks untuk memungkinkan para karakter mengatakan apa yang mereka pikirkan: Mereka fasih, berwawasan luas, fantastis, puitis bila perlu. Mereka tidak terjebak dengan klise. Dari sekian banyak pemenjaraan yang mungkin terjadi di dunia kita, salah satu yang terburuk pastilah tidak jelas tidak dapat memberi tahu orang lain apa yang sebenarnya Anda rasakan. Karakter-karakter ini bisa melakukan itu. Bukannya itu menyelamatkan mereka.

Review Film Strawberry Mansion – Ini adalah pertukaran penting dalam “Strawberry Mansion,” sebuah film cerdas dan bijaksana dari rekan penulis atau sutradara Kentucker Audley dan Albert Birney , tentang perjuangan satu orang untuk mengenali ketidaknyataan dari apa yang dianggap sebagai kenyataan yang diterima, dan untuk merangkul logika mimpi atas dunia “nyata” yang dikompromikan secara moral.

Review Film Strawberry Mansion

thecinemalaser – Ini membuat “Strawberry Mansion” terdengar cukup memabukkan dan abstrak, tetapi sebenarnya tidak. Metafora film ini mudah dipahami, dan eksekusinya aneh dan lucu, dengan logika internal yang kuat serta hati yang besar. Wajar jika James Preble (Audley) merasa seperti kehilangan akal sehatnya di land “Strawberry Mansion,” ketika apa yang sebenarnya terjadi adalah dia akhirnya melihat segala sesuatunya apa adanya. Pikirannya bebas. “Ini tentang waktu.”

Baca Juga: Review Film Rurouni Kenshin: The Beginning

“Strawberry Mansion” berlangsung pada tahun 2035, dan tahun 2035 tidak terlihat jauh berbeda dari sekarang, meskipun ada beberapa perkembangan teknologi yang ketinggalan zaman. Algoritme yang digerakkan oleh konsumen, bersama dengan biro iklan milik negara yang kuat, menyusup ke dalam mimpi orang, melalui “tongkat udara” kecil yang dipasang di samping tempat tidur.

Tongkat udara menghitung semua yang dilihat dan dialami dalam mimpi, yang semuanya kena pajak. Selain itu, pengiklan sekarang dapat “mendapatkan Anda” dalam mimpi Anda, dan iklan dijalin ke dalam jalinan dunia bawah sadar dan alam bawah sadar. Ini akan seperti mendapatkan semua iklan Super Bowl diunduh langsung ke alam bawah sadar Anda tanpa persetujuan Anda (seperti saat itu di tahun 2014 ketika Apple memutuskan setiap pelanggan iTunes menginginkan album U2 baru, apakah mereka membelinya atau tidak).

Meskipun James Preble adalah auditor impian profesional, dia tidak menyadari aspek yang lebih jahat dari pekerjaannya ini. Film dibuka di tengah mimpinya sendiri yang berulang: dia duduk di ruangan merah muda dinding merah muda, peralatan, meja dan disuguhi seember ayam Cap’n Kelly dan sebotol soda Red Rocket oleh teman “yang periang”.  ( Linas Phillips ), yang tugasnya hanya mengantarkan makanan (makanan yang sama, merek yang sama) dan mencegah Preble menyimpang dari jalur yang diharapkan. Preble sangat terbiasa dengan keadaan ini sehingga dia bahkan tidak menyadari bahwa dia sedang ditargetkan sebagai konsumen di ruang paling pribadinya.

Preble dikirim untuk mengaudit mimpi Arabella Isadora ( Penny Fuller ), seorang wanita tua eksentrik yang tinggal di sebuah rumah merah muda di tengah ladang. Arabella (atau, ” Bella”) memiliki tahun-tahun mimpi yang tidak dicatat, dan Preble harus membuat katalog semuanya. Karena Bella tidak melakukan peningkatan wajib ke airstick, dan merekam semua mimpinya di kaset VHS, Preble, pegawai negeri yang tidak memiliki humor, memiliki pekerjaan yang sangat besar.

Dia mengikatkan alat penghancur kertas besar ke kepalanya, untuk “melihat” mimpinya, dan mencoba untuk menolak upaya menawannya untuk berhubungan dengannya secara pribadi, untuk berhenti dan mencium bunga mawar, untuk berbagi pemikiran dan Segera setelah bertemu dengannya, mimpi Preble mulai berubah. Ada ketukan di pintu kamar merah muda, dan suara seorang wanita terdengar memintanya. “Teman” panik. Mimpi Preble sekarang di luar jalan.

Ternyata, wanita muda itu adalah Bella ( Grace Glowicki ), halus dan menggemaskan, tersenyum pada Preble yang bingung seolah-olah dia telah mengenalnya sepanjang hidupnya. Petualangan impian mereka banyak, tetapi selalu ada ancaman gangguan, “ditemukan” oleh Buddy, yang terus muncul, memegang ember ayam goreng, meneriakkan slogan-slogan iklan, semua dirancang untuk mengembalikan Preble ke keadaan konsumen yang pasif. .

Audley dan Birney telah menciptakan ruang terbuka di mana asosiasi mengapung, atau zig-zag, atau berpotongan, di mana hal-hal aneh yang menarik terjadi dan mungkin mereka terhubung, tapi mungkin tidak karena begitulah mimpi. Preble bergerak melalui mimpi Bella, mengenalnya melalui asosiasi dan simbolnya. Ada makhluk seperti gumpalan yang muncul berulang kali terkadang terbuat dari lumpur, terkadang dari rumput, terkadang tampak seluruhnya terbuat dari rekaman video. Ada tikus-tikus seukuran manusia yang berbicara dengan pakaian pelaut, yang mengawaki kapal tipe “Tuan dan Komandan”, saat Kapten Preble berangkat ke laut lepas mencari Bella muda. Ulat memiliki arti yang sangat besar, seperti halnya bit. Dunia mimpi berubah menjadi nyata dan sebaliknya, membuat Preble melakukan pengamatan bahwa dia pikir dia kehilangan akal sehatnya.

Ini adalah film tentang membuat asosiasi, tentang membuka diri terhadap emosi kuat yang dimiliki dalam asosiasi tersebut. Penny Fuller adalah kehadiran yang begitu menghibur dan hidup, tersenyum pada Preble, menunggunya untuk mendapatkannya. Audley, aktor yang luar biasa, bergerak seolah-olah dalam keadaan linglung: Preble tidak tahu bagaimana membuat asosiasi itu, dia hanya melihat mimpi sebagai aset untuk dimonetisasi.

Ada begitu banyak koneksi yang menyenangkan di sini: nuansa Do Androids Dream of Electric Sheep karya Philip K. Dick? , ” Sinar Matahari Abadi dari Pikiran Tanpa Noda ,” ” Lebih Asing Dari Fiksi ,” “Joe vs. Gunung Berapi,” ” Kongres ,” dan bahkan “Idiocracy.” ” Arizona Dream ” yang menghantui Emir Kusturica, ” di mana empat protagonis insomnia berkeliaran masuk dan keluar dari dunia mimpi yang sering tidak sesuai satu sama lain, juga merupakan titik referensi. Pengaruhnya ada, tetapi mereka asosiatif bebas daripada literal. “Strawberry Mansion” adalah eksentrik hibrida, seperti Valentine buatan tangan.

Desain produksi Becca Morrin adalah kontribusi besar, seperti juga arahan seni Lydia Milano. Rumah pink Bella adalah ruang yang indah, penuh dengan warna-warna pekat hijau, ungu, dan merah muda dan pernak-pernik aneh, lubang kecil kreativitas dan ekspresi diri, namun semuanya merupakan bagian dari satu kesatuan yang harmonis. Penny Fuller memancarkan energi rumah: dia hangat, mengundang, menenangkan, imajinatif. Preble menganggapnya tak tertahankan. Dia tak tertahankan.

Ini bukan kisah moralitas yang serius, meskipun “Mansion Strawberry” membuat poin tentang kebebasan, identitas, dan pentingnya hubungan manusia. Apa yang ajaib tentang itu adalah seberapa banyak ruang yang diberikan pembuat film untuk diri mereka sendiri untuk bermain-main, bereksperimen, melakukan kesalahan, dan dalam “bermain-main” ini semua mungkin. “Mansion Strawberry” tidak mengorbankan apa pun. Ini aneh tapi pedih, ringan dan dalam. Tidak ada kontradiksi, dan tidak ada perubahan nada yang canggung. Seperti rumah Bella, setiap detail adalah bagian dari keseluruhan.

Sebuah “plot” muncul di babak kedua, ketika putra Bella Peter yang manipulatif ( Reed Birney) mencoba untuk menghentikan Preble melakukan auditnya, dan itu tidak semenarik hubungan Preble dengan Bella, tua dan muda, tetapi plot ini tidak mendominasi seperti dalam film yang lebih konvensional. Peter sang putra adalah penghalang lain bagi Preble untuk menjalani kehidupan yang otentik. Bella, baik tua maupun muda, memiliki rahasianya, dan rahasianya sederhana, seperti kebanyakan rahasia.

Audley dan Birney adalah pembuat film yang sangat menarik. (Cari “Sylvio.” Anda tidak akan menyesal.) Ada perhatian yang jelas dimasukkan ke dalam setiap bingkai “Mansion Strawberry,” tetapi di bawahnya, mereka tertarik pada hal-hal yang benar, hal-hal yang penting bagi semua orang. Bagaimana saya bisa terhubung dengan dunia dengan cara yang lebih pribadi? Apa yang saya lewatkan? Apakah kebenaran ada di depan saya? Jika saya cukup memperlambat, jika saya bekerja untuk menenangkan badai batin saya, apa lagi yang mungkin?